miércoles, 6 de octubre de 2021

Siglo XIX - Jane Dieulafoy

        Breve Biografía de Jeanne Dieulafoy 

Jeanne Henriette Magre nació en 1851 en Toulouse, Francia.  Arqueóloga, exploradora, feminista, aventurera, escritora y fotógrafa francesa.

Hija de unos ricos comerciantes, fue educada en el convento de la Asunción de Auteuil; sabía varios idiomas, estudió dibujo y escultura. En 1870, a los diecinueve años se casó con Marcel Dieulafoy  (1844-1920),  Ingeniero de Caminos y apasionado por la historia, el arte y la arqueología.   

Apenas  dos  meses después de la boda estalló la guerra Franco-Prusiana (1870-1871);  Marcel fue llamado al frente en el ejército del Loire y Jane, valiente y decidida, se cortó el pelo y se vistió con ropa de hombre, - algo prohibido pues desde 1800 las mujeres no podían usar pantalones - acompañó a su marido vestida de soldado y ganó respeto como francotirador.

Luego de la guerra, Marcel fue miembro de la Comisión de Monumentos Históricos de Toulouse mientras Jane aprendía fotografía y parsi, para viajar a Persia. 

Jane en Susa -1884
A principios de 1881 la pareja partió hacia Persia (hoy Irán) interesados por la arquitectura y la arqueología.  Tres años más tarde, volvieron  para una excavación arqueológica en Susa, antigua capital,  de 6.000 años de antigüedad.  Jane, vestida una vez más de hombre y con nombre falso, iba como colaborador de Marcel.  Luego de largas travesías  a caballo y a pesar de las dificultades del tiempo, - calor abrasador, tormentas e inundaciones - que obstaculizaron el trabajo, las excavaciones se llevaron a cabo hasta abril de 1886. Jane administraba el trabajo de los excavadores, catalogaba y almacenaba los numerosos artefactos y frisos que hallaron, muchos de los cuales fueron enviados a Francia.

Jane  registró de manera entusiasta en diarios, ricas y valiosas fotos e informaciones de lugares poco conocidos: desde la historia hasta las artes, arquitectura, geografía, etnología, economía y política. Escribió con gran sentido del humor, relatos de diversos grupos sociales, hizo retratos de hombres y mujeres, bazares,  mercados, etc. 

Tras su regreso a París, Jane publicó en la revista de viajes “Le Tour du Monde” los  diarios de la expedición y preparó la exposición de los monumentos en el Louvre, en particular el “Friso de los leones”  de ladrillo esmaltado que restauró por completo.  Con estos hallazgos descubiertos se inauguró en el Museo del Louvre de París el museo de antigüedades persas.  Por estas contribuciones, el gobierno la otorgó el título de Caballero de la Legión de Honor en 1886 y la autorización especial de vestirse como hombre. 

Friso de  los leones 

A partir 1890, Jane Dieulafoy desarrolló una literatura de viajes y una interesante carrera como escritora, periodista, fotógrafa y conferenciante.  Entre sus obras se destacan: “Persia, Caldea y Asiria 1881-1882” (1887), “En Susa 1884-1886  Diario de excavaciones” (1888). “Parysatis” (1890), su primera novela histórica sobre la antigua reina persa, fue premiada por la Academia Francesa. “Volantaire  1791-1793” inspirada en la Revolución Francesa. “Frère Pelaje” (1894) sobre las aventuras de Santa Margarita. “Déchéaance” (Pérdida-1897)  donde  expuso sus ideas en contra el divorcio.

Comerciante musulmán

Intrépida viajera recorrió Europa, Egipto y Marruecos y escribió sobre ellos con mucho interés,  abarcando temas tan variados como arte, arquitectura, historia, artesanía, geografía, etnología, así como también lo hacía su marido Marcel Diuelafoy, con quien compartió intereses culturales e investigaciones arqueológicas.  Jane escribió obras de teatro que se representaban con actores aficionados, en el salón literario de su casa parisina. También tradujo al francés  “La perfecta casada” (1907) de Fray Luis de León.

Jane Dieulafoy no recibió ningún premio literario de la Academia Francesa, pues no eran permitidos para mujeres, hasta que en 1904, más de veinte escritoras, incluida ella, fundaron el Prix Femina.

Gran luchadora, defendió la igualdad de hombres y mujeres  y lanzó un proyecto para el empleo de mujeres en roles administrativos, mientras los hombres podían ir al frente de guerra.

En 1914 Jane acompañó a su esposo Marcel a Rabat (Marruecos) donde fue enviado como director de construcciones militares. Allí excavaron  y restauraron  la Mezquita Hassan y ayudaron en el cuidado de soldados heridos.

Tras enfermar en Marruecos, Jane Dieulafoy  regresó a Francia y falleció en 1916 a los 65 años de edad.  Marcel Dieulafoy   murió cuatro años más tarde. En 1920 se publicó en forma póstuma el libro de Jane: “Isabelle la Grande. Reina de Castilla 1451-1504”

La pareja no tuvo hijos y donó su casa de París a la Cruz Roja. 

martes, 31 de agosto de 2021

Siglo XIX - María Deraismes

         Breve Biografía de María Deraismes 


María Adélaïde Deraismes conocida como María Deraismes nació en 1828 en París. Escritora, periodista, librepensadora y activista de los Derechos de Igualdad de la Mujer.

Nació en una familia próspera de clase media que proporcionó a sus hijas Anne y María  una sólida educación. María se interesó en el estudió de la Biblia y las religiones orientales, además latín y griego; su gran curiosidad  la llevó al estudio de la Literatura, de los autores antiguos y los principales filósofos de la Ilustración. También estudió pintura y música.

A los veinte años María era ya una mujer erudita, convencida que el ser humano podía ser capaz de construir una sociedad basada en la libertad e igualdad. Creía firmemente en la importancia de la educación y en una ley que garantizase los cambios y las reformas progresistas. Decidió permanecer soltera a fin de conservar la libertad.

Muy decidida se hizo periodista y colaboró en diferentes periódicos como  Le Gran Journal y  Le Nain Jauney; daba conferencias donde abordaba temas variados que tenían que ver con lo social, la religión y la moral. Su cultura y elocuencia, su talento polemista  la transformaron  en una gran oradora. A partir de 1865, tras fallecer sus padres y quedar viuda Anne, las dos hermanas vivieron  juntas, convirtiendo su hogar en uno de los salones intelectuales más importantes de París: era frecuentado por personalidades del arte, la política y la masonería. 

María y León Richer (1824-1911) un masón activo e influyente, fundaron el periódico “El Derecho de las Mujeres” que apareció desde 1869 a 1891 con el objetivo de hacer campaña para la reforma de los derechos legales de las mujeres: ayudas a las mujeres que sufrían abusos de sus padres o maridos, mejor educación para las niñas, igualdad de salarios por el mismo trabajo a hombres y mujeres, entre otras demandas. Y en 1870 fundaron la “Sociedad para la mejora de la condición de la mujer”.

María fue autora de pequeñas obras de teatro: “Buen gato, buena rata”,1861; “El padre culpable” y “Un sobrino por favor”, 1862;  “Volver con mi esposa” 1863, donde expuso su pensamiento y crítica a la sociedad de su época. Las conferencias: “Teresa y su tiempo: acerca de las cortesanas", 1864; “Nuestros principios y nuestras costumbres”, 1868; “Francia y el progreso”, 1873; “Eva en la humanidad” y “Carta al clero francés” 1879.

María  estaba profundamente comprometida con la causa femenina y  defendía las ideas democráticas;  en 1878 organizó junto a León Richer el Congreso Internacional del Derecho de las Mujeres, donde se abordó la educación, la economía y la moral como temas principales. Unos años más tarde, en 1881 con el  dramaturgo y periodista  Victor Poupin (1838-1906), María realizó el Primer Congreso Anticlerical del Gran Oriente de Francia (la obediencia masónica de la primera Gran Logia de Francia) y fue la directora durante tres años del periódico “Le Républicain de Seine et Oise”.

María Deraismes fue la primera mujer masona: en enero de 1882 fue iniciada en la Logia “Les libres Penseurs” en Le Pecq, una pequeña villa al oeste de París. Precursora en la defensa de la igualdad de género, meses después de su iniciación, fundó ese mismo año la Liga Francesa por el Derecho de las Mujeres. Su trabajo tuvo gran influencia en la activista estadounidense Elizabeth Cady Stanton a quien invitó en 1889 a asistir al Segundo Congreso por el Derecho de las Mujeres.

En 1893 María y George Martín (1844-1916) reconocido Masón fundaron en París la Primera Orden Masónica Mixta Internacional El Derecho Humano, que estableció la igualdad de hombres y mujeres. Fue muy controvertido y una transgresión dentro de la Masonería netamente masculina.  

María fue una librepensadora y en la logia masónica se comprometió a luchar contra el catolicismo por su pensamiento misógino, se declaraba anticlerical  y se proclamaba contra el poder de la Iglesia Romana. Luchadora incansable trabajó por la emancipación política de las mujeres y dedicó su vida a la defensa de los derechos de mujeres y niños.

María Deraismes falleció en 1894 y fue sepultada en el Cementerio de Montmartre. Sus obras completas fueron publicadas un año después.

viernes, 6 de agosto de 2021

Siglo XX - Antonia Brico

                   Breve Biografía de Antonia Brico

Antonia  Louisa Brico nació en Róterdam, Holanda, en 1902. 
Pianista y primera mujer directora de orquesta estadounidense.

Hija de madre soltera, a los dos años fue adoptada por una pareja, los Wolthuis que le cambiaron el nombre a Wilhelmina, alias Willy; en 1908 la familia emigró a los Estados Unidos, instalándose en  Los Ángeles. Asistió a la escuela secundaria de Oakland, donde además recibió intensas clases de piano. Era ya una adolescente cuando Willy se enteró que era una chica adoptada.

No vivía en un entorno feliz ni cómodo por lo que se marchó de su casa dispuesta a indagar sobre su verdadera familia, asumiendo su verdadero nombre: Antonia Brico. En 1919 ingresó a la Universidad de California en Berkeley y cuatro años más tarde se graduó con matrícula de honor en Artes Liberales. 

Tras graduarse se trasladó a Nueva York para estudiar con uno de los pianistas y compositores más reconocido en ese momento: Sigismund Stojowski (1870-1946). Aunque era  una buena pianista - realizó varios recitales -, su interés era la dirección de orquesta. Fue objeto de burla, era un sueño impensable, pues la sociedad de la época no admitía mujeres como directoras de orquesta. Luego de dos años, en 1927 viajó a Hamburgo, al norte de Alemania, donde Karl Muck (1859-1940) dirigía la Orquesta Filarmónica de la ciudad. Se convirtió en el mentor de Antonia  durante cuatro años y fue además su asistente de forma que su aprendizaje fue completo.

En 1930, con 28 años, Antonia Brico, de nacionalidad estadounidense, se convirtió en la primera mujer en dirigir la prestigiosa Orquesta Filarmónica de Berlín. Recibió muy buenos elogios: “posee más habilidad, inteligencia  y musicalidad  que algunos de sus colegas masculinos”.  Aunque tuvo  buenas críticas, cuando regresó a Estados Unidos buscando un trabajo estable, encontró muchas dificultades: los hombres seguían al mando de la mayoría de los trabajos de la época. Dirigió la Orquesta Sinfónica de San Francisco  y la de Los Ángeles, pero solo como directora invitada.

Con gran determinación, esfuerzo y valentía  Antonia regresó a Europa donde su talento era valorado: realizó una gira con varias orquestas por Polonia, Alemania y los Balcanes. En 1933, de retorno a Estados Unidos, debutó como directora invitada de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, demostrando su dominio técnico y comprensión musical;  a pesar del éxito que obtuvo, hubo músicos que se negaron a volver a  tocar con ella, solo por ser mujer. ¡En el mundo de la música era un auténtico escándalo que los hombres estuvieran bajo la batuta de una mujer!

La marginación social y laboral de las mujeres dentro de la sociedad de entonces, le negó el reconocimiento que se merecía. Luchadora incansable, valiente y transgresora, en 1934 creó su propia orquesta compuesta sólo de mujeres la Orquesta Sinfónica de Mujeres, que contó con el respaldo de la Primera Dama  Eleanor Roosevelt.  Fundó esta orquesta para reivindicar el derecho de la mujer como instrumentista y música y para demostrar la capacidad y talento de esas mujeres. Durante cuatro años funcionó con éxito, hasta su disolución en 1939.

En 1938 se convirtió en la primera mujer de la historia que dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York. No todos aceptaban el ascenso social y cultural de Antonia, la sociedad académica y musical era muy machista y su opinión aparecía en artículos publicados en el Times,  no la juzgaban por su talento, sino por ser mujer: “es una desgracia que una mujer dirija esta orquesta”.

Años más tarde,  Antonia se trasladó a Denver, Colorado, donde fue una respetada profesora de piano y dirigió pequeñas orquestas, también fundó sus propios conjuntos, una Sociedad de Bach y el Conjunto de Cuerdas de Mujeres. A partir de 1946 continuó con sus giras europeas tanto como pianista como directora, dirigiendo con éxito las más prestigiosas orquestas del mundo, incluida la Sinfónica de Mujeres de Japón. Siempre como invitada, en ninguna como directora titular.

A finales de la década de los 40, regresó a Denver donde dirigió la Orquesta de Hombres de Negocios que, desde 1948 se convirtió  en  la Orquesta Sinfónica Antonia Brico.

Antonia Brico daba pocos conciertos y su nombre fue cayendo en el olvido, hasta que en 1974 se estrenó un documental sobre su vida, dirigido por una de sus exalumnas, la cantante folk Judy Collins (1939-). Fue tal el éxito que Antonia, a los 73 años, recibió el tan anhelado reconocimiento.  Hizo su última aparición en Nueva York en 1977 dirigiendo la Filarmónica de Brooklyn. 

Antonia Brico falleció en Denver en 1989, a los 87 años. Hasta esa fecha no existía ninguna directora de orquesta con un puesto fijo en ninguna orquesta del mundo.  

sábado, 3 de julio de 2021

Siglo XIX - Johanna Van Gogh-Bonger

      Breve Biografía de Johanna Van Gogh-Bonger

Johanna Gezina Bonger nació  en 1862 en Ámsterdam,  Holanda.
Editora, traductora, activista y comerciante de arte, cuñada de Vincent Van Gogh.

Nació en una familia holandesa de clase media; su padre, un agente de seguros, era aficionado a la música e influyó en su hija para que estudiara piano. Johanna  fue una buena pianista y estudio filología y literatura inglesa, fue  profesora de idiomas, sabía francés, inglés y alemán. 

Comenzó a los diecisiete años a escribir un diario personal detallado, donde describía  sus sentimientos  y experiencias, el cual se  convirtió, años más tarde, en una fuente de valiosa información.  Vivió un tiempo en Londres donde tuvo contacto con el auge del sufragismo y los movimientos obreros.

Al volver a su país, impartió clases de inglés en un internado de chicas y más tarde en el Instituto Femenino en Utrecht. En 1889 se casó  con Theodorus “Theo” van Gogh (1857-1891) un exitoso marchante de arte neerlandés y se trasladaron a París.  En enero del siguiente año nació su hijo Vincent, llamado así  por el gran amor que Theo tenía por su hermano mayor, el pintor Vincent van Gogh (1853-1890), a quien ayudaba económicamente y con quien mantenía una numerosa correspondencia.  Johanna  se sintió atraída por el ambiente bohemio de los artistas de fines del siglo XIX, y frecuentó la compañía de los intelectuales y los impresionistas de la “belle époque”.   

Desde 1888 Vincent  vivía en Arlés, al sur de Francia, donde se dedicaba a pintar, pero padecía de angustia, terror y alucinaciones.  Estuvo internado en sanatorios  mentales varias veces. A principio de 1890 se trasladó a Auvers-sur-Oise, cerca de París, donde pintaba  con gran entusiasmo: su actividad  artística fue intensa. Sin embargo, su depresión empeoró y en julio de ese año, se disparó en el pecho con un revólver. Theo  desconsolado  quiso preservar y promover la obra de su hermano, pero seis meses después que Vincent, murió en enero de 1891, a causa de la sífilis, a los treinta y tres años.

Johanna  Bonger  quedó viuda a los 28 años con su pequeño hijo y el trabajo que apenas  había empezado su marido: todas las obras de su cuñado que no tenían en ese entonces ningún valor  y un enorme número de cartas que Theo  guardaba con mucho cariño. “¿Cómo haría para que el mundo conociera al pintor Vincent van Gogh, si era casi  desconocido?,  solo había vendido tres obras en su vida”,  escribió Johanna en su diario.

Con gran valentía y determinación, se trasladó a Bussum, una ciudad holandesa donde había una gran comunidad artística; abrió una posada para poder mantenerse a sí misma y a su hijo; tradujo cuentos del francés e inglés al holandés y realizó un curso  autoguiado de crítica y comerciante de arte leyendo publicaciones de arte moderno. Tras un año de intenso trabajo, comenzó a organizar las obras de su cuñado, mientras leía la correspondencia  que habían intercambiado durante años los dos hermanos. 

En las cartas de Vincent  estaban los detalles de su vida diaria, sus temores que se mezclaban con el relato de las pinturas en las que estaba trabajando. Johanna  pudo saber sobre su arte, su técnica y cada una de las pinceladas que daban forma a su obra, también la compleja mente del artista cuando estaba angustiado y la genialidad que trasmitía en sus pinturas.

Al acercarse a reconocidos críticos de arte para mostrarle las obras, fue rechazada y menospreciada por ser mujer, pero con mucho convencimiento y perseverancia, ella organizó y realizó hacia 1900 alrededor de veinte programas exitosos en Holanda; pronto los museos se interesaron en las obras. En 1905 en el museo Stedelijk de Ámsterdam se realizó la mayor retrospectiva de la obra de Vincent van Gogh, con más de 450 obras de arte expuestas, lo que tuvo gran repercusión en toda Europa. 

Johanna se involucró en la esfera política, fue miembro del Movimiento de Mujeres Socialdemócratas de Ámsterdam y cofundadora de una organización dedicada al trabajo y los derechos de la mujer. Trabajó intensamente para editar la extensa correspondencia de los hermanos Van Gogh, más de 600 cartas, que ordenó en orden cronológico, tradujo y publicó en tres volúmenes en 1914.

La dedicación y responsabilidad que Johanna asumió para la difusión  de estas  cartas y todas las exposiciones que impulsó, hicieron posible la fama y reputación de Vincent van Gogh y desde mediados del siglo XX  es reconocido como un genial artista.

Johanna  van Gogh- Bonger  estaba traduciendo las cartas de Vincent al inglés, cuando murió en 1925, a los 62 años, en Holanda. 

Durante décadas su vida quedó en el olvido  hasta que en 2009,  Hans Luijten, investigador del Museo Van Gogh  en Ámsterdam, tuvo acceso por primera vez a los diarios personales de Johanna  y escribió su biografía. 

lunes, 17 de mayo de 2021

Siglo XX - Claribel Alegría

          Breve Biografía de Claribel Alegría 

Clara Isabel Alegría, más conocida como Claribel Alegría  nació en Estelí, Nicaragua, en 1924. Escritora, poetisa, ensayista y traductora nicaragüense –salvadoreña.

Su padre era un médico nicaragüense y su madre salvadoreña; unos meses después del nacimiento de Clara Isabel, fueron forzados a exiliarse por protestar contra la ocupación de Estados Unidos en Nicaragua. Clara Isabel fue la mayor de seis hermanos, su familia se trasladó a Santa Ana, en El Salvador, donde recibió su educación en el colegio José Ingenieros. En su casa había una magnífica biblioteca y sus padres le inculcaron el  amor a la lectura.

En 1943 se mudó a Estados Unidos para estudiar Filosofía y Letras y cinco años después,  en 1948, se graduó en la Universidad George Washington. Comenzó a escribir poemas y adoptó el pseudónimo literario de Claribel; fue alumna de Juan Ramón Jiménez, quien la guió e influyó mucho en sus primeros pasos en la poesía.

Su primer libro de poesía “Anillo de silencio” se publicó en 1948. Un año antes se había casado con el escritor y diplomático Darwin J. Flakoll  (1923-1995) con quien tuvo cuatro hijos. Vivieron varios años en Estados Unidos, en México y en otras ciudades de América y Europa.

Claribel  y su esposo “Bud”, compartían también la obra literaria, más de una vez firmaron sus escritos conjuntos como “Claribud”. Juntos tradujeron al español varios autores ingleses y al inglés una importante  antología del boom latinoamericano en los Estados Unidos: “Nuevas voces en América Hispánica” (1962). En 1966 publicaron  la novela “Cenizas de Izalco” donde por primera vez hablan de la masacre salvadoreña, ocurrida en 1932 contra los más de 30.000 indígenas y campesinos y que fue finalista en el concurso de novela Biblioteca Breve. También escribieron juntos los libros de testimonios: “Para romper el silencio” (1984), “Fuga de Canto Grande” (1992).

A lo largo de su carrera literaria, Claribel fue autora de poemas, ensayos, novelas, cuentos y antologías: entre ellos “Vigilias” (1953), “Huésped de mi tiempo” (1961), ”Vía única” (1965), “Álbum familiar” (1982), ”Luisa en el país de la realidad” (1983), “Despierta mi bien, despierta” (1986), “Nicaragua: la revolución sandinista” (1980), “Saudade” (1999) dedicado a su esposo ya fallecido.

Pertenecía a la corriente literaria de Centroamérica de la década de 1950-1960 conocida como “Generación Comprometida” por lo que toda su obra, enfoca  la realidad  política de su tiempo y su compromiso social, denunciando toda forma de opresión e injusticias sociales que se vivía en esos países.  "No me agarran viva: la mujer  salvadoreña en la lucha” (1983).

En 1979 tras una larga lucha, el Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN) logró el derrocamiento de la dictadura de la familia Somoza que había gobernado el país más de cuarenta años, desde 1937. Claribel se radicó en Nicaragua en 1985 para participar en la reconstrucción del país.

Claribel y Bud recibían en su casa de Managua a autores e intelectuales de toda América Latina, mantuvieron estrecha amistad con su compatriota Ernesto Cardenal, el argentino Julio Cortázar y los uruguayos Eduardo Galeano y Mario Benedetti.  

Poeta y escritora prolífica ha gozado de fama internacional y ha recibido numerosos premios, como el Casa de las Américas (1978) de Cuba, Orden de las Artes y las Letras (2004) de Francia, Premio Internacional de Literatura Neustadt (2006) por su vasta producción y su valor literario. En 2017 recibió el Premio de Poesía Iberoamericana Reina Sofía.  

Claribel Alegría falleció en 2018 en Managua, a los 93 años. 

viernes, 7 de mayo de 2021

Siglo XX - Irma Stern

                   Breve Biografía de Irma Stern

Irma Stern nació en 1894 en Transvaal. Pintora y escultora
sudafricana.

Desde 1857 la República de Transvaal fue un país independiente del sur de África hasta 1877, cuando se dio el primer enfrentamiento entre el Imperio Británico y los bóeres (grupo étnico de origen neerlandés y granjeros de religión calvinista), conocido  como la “Primera guerra bóer”  o “Primera guerra de liberación” (1880-1881). La "Segunda guerra Anglo-Bóer" (1899-1902)  terminó con la rendición de los bóeres y la anexión al Reino Unido. En 1910 Transvaal se convirtió en una provincia de la Unión Sudafricana, bajo el dominio británico.

La familia de Irma era alemana y se había instalado en Transvaal en 1886; su padre fue internado en un campo de concentración por los ingleses por sus tendencias pro-Bóer. En 1902 fue liberado y la familia regresó a Alemania. Desde muy pequeña, Irma se interesó en el dibujo; en 1913  en Berlín estudió arte en la Academia Weimar y a partir de 1917 con el pintor Max Pechstein (1881-1955)  miembro destacado del grupo expresionista alemán.

Irma realizó su primera exposición en 1919, a los veinticinco años, en Berlín en una de las principales galerías de arte, luego recorrió con sus trabajos varias ciudades del país. Frecuentó los círculos intelectuales de Alemania, y con el reconocimiento de la prensa europea, regresó  a Sudáfrica en 1920.

Dos años más tarde expuso por primera vez  en Ciudad del Cabo, pero fue incomprendida y acusada de inmoral por  la sociedad neocolonial y puritana. Los críticos ridiculizaron su obra con reseñas tituladas “Arte de Irma Stern - La fealdad como un culto”. Estas críticas no la desanimaron, con dedicación y talento, siguió pintando.

Viajaba mucho  entre Alemania y Sudáfrica. Recibió el Premio  de Honor  en la Exposición Internacional de Burdeos  en 1927 y fue la única seleccionada para representar a Sudáfrica en la Exposición Imperial de Arte en Londres en 1929.

Arab in Black
En la década de 1930 exploró sola muchos países africanos y se interesó en las diferentes culturas. En las expediciones por Senegal, Zanzíbar, Congo Belga, Irma absorbió sus culturas tradicionales que influyeron en su creatividad y libertad artística: comenzó a usar pinceladas fuertes y colores intensos en los paisajes y retratos de las tribus africanas. Fue una de las primeras artistas que representó a hombres y mujeres negros de su país, pintó la vida nativa en todo su esplendor. "Arab in Black" está considerada su obra maestra, el cuadro fue pintado durante una de sus primeras estancias en Zanzíbar en el año 1939.

Estas obras  que realizaba en África eran enviadas a distintas galerías de Europa, donde se exhibían y fueron admiradas por coleccionistas y críticos de arte. Ha pintado en varias ocasiones a su gran amiga Freda Feldman con quien mantuvo una gran correspondencia. Fue autora de la publicación de dos revistas ilustradas: “Congo publicado en 1943 y “Zanzíbar” en 1948.

Mujer congoleña
En la década de 1940 comenzó a ser una artista con prestigio en su propio país: realizó exposiciones en Ciudad del Cabo, en Johannesburgo y en Pretoria. Fue una destacada y prolífica expositora, con más de cien exposiciones individuales  a lo largo de su vida, tanto en Sudáfrica como en varios países de Europa. Ha  recibido numerosos premios.

Esculturas
No solo fue una reconocida pintora al óleo, también ha trabajado como ceramista y escultora, representando a los africanos.  Su gran interés en retratar a personas negras fue muy controvertido en la sociedad blanca sudafricana. El arte de Irma sirvió como lucha contra el apartheid que se aplicó desde 1948 hasta  principios de 1990. Según algunos historiadores, la venta de una obra suya ayudó a pagar los honorarios legales del líder negro  Nelson Mandela (1918-2013), arrestado en 1963 y sentenciado a cadena perpetua. Finalmente  el gobierno, presionado  por las campañas internacionales, lo liberó en 1990.

Irma Stern,  actualmente considerada una de las artistas más importantes de Sudáfrica, falleció en 1966 en Ciudad del Cabo. A partir de 1970 su casa se transformó en el Museo de Irma Stern donde se exhiben sus obras y sus objetos adquiridos durante sus viajes.  

miércoles, 21 de abril de 2021

Siglo XX - Yayoi Kusama

                 Breve Biografía de Yayoi Kusama 

Yayoi  Kusama  (o Kusama Yayoi  apellido antes del nombre) nació en Matsumoto, Japón, en 1929. Activista, artista, escultora y escritora japonesa.

Es la menor de cuatro hijos de una familia adinerada, pero infeliz.  Vivió una infancia muy traumática: sufrió abusos físicos por parte de su madre, quien además,  la obligaba a espiar a su padre en los actos sexuales con sus amantes. A los diez años comenzó a pintar flores de forma compulsiva, pero su madre  se lo impedía, por lo que empezó emocionalmente a sufrir crisis nerviosas.  Experimentó  alucinaciones y pensamientos obsesivos, con tendencia suicida.

En 1948  entró a  la Escuela  Municipal de Artes y Artesanía, en Kioto donde estudió  Nihonga, un riguroso estilo de pintura japonés de la Era Meiji (="era del culto a las reglas” entre 1868 y 1912). Aunque no le gustaba la rigidez y la tradición impuesta por su sensei (maestro), se graduó un año después.

Yayoi Kusama se interesó en el vanguardismo americano y europeo, que le permitió innovar y tener libertad de expresión. Comenzó a cubrir paredes, pisos, lienzos a gran escala y cuerpos desnudos con lunares, lo que se convirtió en su marca personal.  Ha luchado contra la incomprensión y los prejuicios de su entorno y la sociedad misógina y patriarcal en que vivía la llamaba una “artista loca” que no practicaba el auténtico arte japonés. En la década de 1950 realizó varias exhibiciones individuales  de sus pinturas en Matsumoto y Tokio.

En 1957, con 28 años, abandonó Japón y se trasladó a Nueva York donde fue conocida como líder del movimiento vanguardista; fue una época muy productiva y de desbordante creatividad, experimentó en grandes instalaciones llenas de luz, incorporaba espejos, color y música. Las flores son un tema recurrente en sus obras; creó dibujos con infinidad de puntos, con calabazas, óleos, acrílicos, pinturas, collages.

Una de sus obras más destacadas realizada en 1966, se expuso en la Bienal de Venecia: “Jardín de Narciso”, que consta de más de mil esferas de espejos sobre la hierba; Yayoi  Kusama vendía las esferas  a dos dólares cada una,  como una crítica a la comercialización del mercado del arte. En 1967 produjo y protagonizó la película “La autodestrucción de Kusama” que ganó un premio en el Concurso de Cine de Bélgica. 

Pacifista,  se manifestaba enérgicamente contra la guerra y abogaba por la paz y el amor: con gran audacia  y provocación,  organizaba happenings en el Central Park donde pintaba grupos de personas desnudas con lunares brillantes, como protesta contra la Guerra de Vietnam.  “Gran Orgía para Despertar a los Muertos” fue expuesta en el MoMA en 1969. También realizó “esculturas blandas”, una serie que llamó “Acumulación”, sillas y sofás  realizados con tela y acolchados donde expresó su agresividad y violencia, utilizando colores estridentes e imágenes fálicas. Tenía un profundo temor a la sexualidad  por sus traumas infantiles. Al traducir las alucinaciones en pinturas, he intentado curar mi enfermedad",  ha reflexionado  Yayoi.

Además de sus pinturas abstractas y surrealistas, la artista fue autora de novelas, historias cortas, cuentos infantiles y poesía surrealista. Escribió “La odisea de mi alma en lucha” un ensayo autobiográfico y  “La gruta de los estafadores de la calle Christopher" ganó un Premio Literario. A lo largo de su vida tuvo que ser internada en varias ocasiones en instituciones psiquiátricas, debido a episodios de su trastorno obsesivo. Ha atravesado fases muy creativas y otras oscuras y depresivas que plasmó en los lienzos “Acumulación de cadáveres” o “Sueño persistente”.

En 1973 regresó a Tokio donde reside de forma voluntaria en un psiquiátrico, el Hospital Seiwa para Enfermos Mentales y trabaja en su estudio, muy cerca de donde vive. Yayoi Kusama llama a sus creaciones “arte-medicina”. Hacia 1994 comenzó a crear esculturas al aire libre con flores gigantes: “Flor de Shangri-La” (2000).

Ha realizado varias exposiciones y en 1999  una gran retrospectiva de sus obras viajó por todo Estados Unidos y Japón. Expuso en varios países: Nueva Zelandia, Australia, Francia, Dinamarca, España, entre otros. En 2004 una importante exhibición individual de la artista “Kusamatrix” en el Museo de Tokio atrajo a más de 500.000 visitantes.

Ha recibido numerosos premios: La Orden de las Artes y las Letras (2003) y el Premio Nacional por Logros de Vida de la Orden del Sol Naciente (2006); ese mismo año se convirtió en la primera mujer japonesa en recibir el Premio Mundial de la Cultura, uno de los más prestigiosos de Japón para artistas reconocidos internacionalmente. Sus obras se encuentran en algunos de los museos de arte más importantes del mundo.

Al día de hoy, con noventa y dos años, Yayoi Kusama  es una de las artistas más conocidas y sigue creando arte todos los días. Ha dicho: “Hago mis obras para sobrevivir al dolor, al deseo de muerte”, "Espero que el poder del arte pueda hacer que el mundo sea más pacífico". 

Fuentes y Bibliografia

sábado, 10 de abril de 2021

Siglo XIX - Carmen de Burgos

         Breve Biografía de Carmen de Burgos 

María del Carmen de Burgos,  conocida como  Colombine, nació
en 1867 en Almería. Periodista, activista y destacada  escritora española. 

Nació en una familia de hacendados, fue la mayor de diez hijos y recibió una esmerada educación,  igual que todos sus hermanos. En 1883, a los dieciséis años se casó, contra la voluntad paterna, con Arturo Álvarez y Bustos (1850-1906) pintor y periodista. El matrimonio tuvo cuatro hijos, pero para Carmen, fue desde el comienzo un matrimonio infeliz; publicó sus primeros artículos en la revista satírica Almería Bufa que dirigía su marido y donde aprendió el oficio.

En 1895 obtuvo el título de maestra, estudiando por las noches; en 1901 tras el fallecimiento de tres hijos, con gran valentía y determinación, ya que en esa época las mujeres no eran dueñas ni de sí mismas, abandonó a su infame marido y partió con su pequeña hija María de los Dolores hacia Madrid. Amplió sus estudios en el Colegio Nacional de Sordomudos y Ciegos de Madrid.

Bajo el seudónimo de “Colombine”, fue la primera periodista profesional de España como redactora del madrileño Diario Universal en la columna “Lectura para la mujer”. En sus artículos expuso su lucha social  por los más desfavorecidos,  defendió la lucha a favor del divorcio, la educación e independencia de la mujer. Sus ideas progresistas, en su búsqueda de libertad y libre de ataduras, le granjearon la enemistad de la iglesia y de los sectores más conservadores: no concebían que una mujer desafiara las tradiciones establecidas y menos hablar de una ley del divorcio.

En 1905 viajó por Francia, Italia y Mónaco, becada por el Ministerio de Instrucción Pública para estudiar los distintos sistemas educativos. Retornó a Madrid  a su labor docente y periodística y lanzó en el Heraldo de Madrid una campaña a favor del sufragio femenino en su columna “El voto de la Mujer”.

Montó en su casa tertulias literarias donde se reunían pensadores, músicos y destacados escritores de la época:  Emilia Pardo Bazan, Juan Ramón Jiménez, Gregorio Marañón y donde conoció al joven escritor Ramón Gómez de la Serna (1888-1963)  con quien inició una larga relación amorosa y literaria. Fue la primera corresponsal de guerra al cubrir en 1909 la Guerra de Melilla, donde las tropas españolas se enfrentaron  a las tribus rifeñas en las minas de hierro.  Carmen narró la contienda y la vida de los soldados, de los heridos y la labor de la Cruz Roja.

Incansable luchadora, se afilió al Partido Republicano Radical Socialista, fue presidente de la Cruzada de Mujeres Españolas  y en 1921 organizaron la primera manifestación callejera sufragista en España. Carmen  llegó a presidir la Liga Internacional de Mujeres Ibéricas e Iberoamericanas.

Prolífera escritora, su producción literaria incluye más de cien novelas, reportajes, ensayos, conferencias, traducciones. Entre sus novelas se destacan: “La hora del amor” (1916), “La que se casó muy niña”, ”La malcasada” (1923), “Quiero vivir mi vida” (1931). En sus ensayos de temática social y de la mujer: “El arte de vivir”, “El arte de ser mujer” (1922), “La mujer moderna y sus derechos” (1927).    

Fue autora de una intensa obra periodística, más de 10.000 artículos de prensa, en diversos periódicos y revistas literarias. Usó varios seudónimos, entre ellos  “Gabriel Luna”, “Marianela”, “Raquel” y “Perico de los Palotes” para sus reseñas literarias.  Sus detractores para insultarla, la llamaban “La dama roja” o “La divorciada” por su obra “El divorcio en España” publicado en 1904.

Con la aprobación de la Constitución de 1931, en la Segunda República Española (1931-1939) se iniciaron las primeras reformas por las que tanto luchó Carmen: el matrimonio civil, el divorcio y el voto femenino desde las elecciones de 1933.

Carmen de Burgos falleció en 1932, a los 64 años, mientras participaba en una mesa redonda sobre educación sexual.

Tras la guerra civil y la llegada al poder del franquismo, sus libros fueron prohibidos, desapareciendo de las bibliotecas y las librerías.

martes, 23 de marzo de 2021

Siglo XX - María Reiche

                 Breve Biografía de María Reiche

María Reiche Newmann  nació en 1903 en Dresde,  Alemania.  Aunque de nacionalidad alemana, vivió sesenta años en Perú. Activista, escritora, traductora, investigadora  y arqueóloga.

Desde muy temprana edad mostró un gran interés por las matemáticas y la astronomía. Logró una amplia formación universitaria, graduándose en 1928  en la Universidad Técnica de Dresde, además dominaba varios idiomas.

En 1932 María emigró a Perú para trabajar como institutriz de los hijos del cónsul  alemán en la ciudad de Cusco y quedó impresionada por la belleza de los paisajes andinos. Visitó diferentes pueblos de esa ciudad; al terminar el contrato de trabajo, se estableció en 1937 en Lima impartiendo clases de alemán e inglés. Más tarde trabajó en el Museo de Arqueología, como traductora  de alemán con el Dr. Julio Cesar Tello (1880-1947) y con el profesor Paul Kosok (1896-1959).

María se trasladó en 1941 al desierto de Nazca como asistente de Kosok ayudándolo en sus investigaciones sobre los geoglifos dibujados en el suelo. Este profesor de Nueva York estaba estudiando las técnicas de irrigación prehistóricas  en los valles de la costa peruana.

La Pampa de Nazca es una zona árida y rocosa, uno de los lugares más seco del planeta; allí vivieron los Nazcas, una de las culturas preincaicas más importantes del Antiguo Perú, desde 200 A.C. hasta el año 600 de nuestra era. Produjeron una serie de hermosas cerámicas y geoglifos (conocidos como Líneas de Nazca) y un sistema subterráneo de acueductos. Su economía estaba cimentada en la agricultura, pero ante el proceso de degradación y deforestación de los suelos, se expandieron hacia otras tierras fértiles. Los geoglifos son la expresión artística más conocida de los nazcas: son enormes dibujos de varios kilómetros de largo de figuras zoomorfas, de plantas  y geométricas que aparecen trazadas sobre la superficie terrestre. Hay varias teorías: según algunos historiadores, la pampa era un lugar sagrado, donde realizaban rituales dedicados a sus dioses. Otros opinan que forman un gigantesco calendario astronómico: los nazcas podían ver el movimiento de los cuerpos celestes y saber cuándo sembrar y cuándo cosechar.

Colibrí
María, estimulada por Kosok, comenzó a estudiar e investigar estas figuras gigantescas, utilizando sus conocimientos de matemáticas y geometría: sus instrumentos eran un sextante, una brújula, una cinta métrica, una escalera y una escoba. Con gran perseverancia y minuciosidad, observando, midiendo y realizando dibujos cartográficos, iba quitando el polvo de los figuras,  barriéndolos con su escoba.  María pasó muchos  años recorriendo el desierto y viviendo en la pobreza para hacer su trabajo de investigación.  Era conocida como “La mujer que barría el desierto” o “La Guardiana de Nazca”.

En 1946 apareció la primera figura: la Araña y más tarde el Mono. Para María la Araña podría representar la constelación de Orión y encontró mucha similitud entre el Mono  y la Osa Mayor. Comprobó con la figura del Pájaro gigante (o Flamenco) y el Colibri, que medían más de 300 metros cada uno, que algunas de sus líneas convergían hacia el sol en un punto del cerro, en los solsticios de invierno y verano.

En 1948  escribió  su primera obra  "Los dibujos gigantescos en el suelo de las Pampas de Nazca y Palpa”  un libro donde  describió  sus investigaciones  sobre el “Calendario agrícola más grande del mundo”.  María  estaba convencida que los antiguos  moradores de la zona hacían  estos  dibujos  para marcar  la mejor época para cosechar y cuándo venían las lluvias.  En  1949 Kosok volvió a Nueva York y  María continuó sus trabajos de investigación.

Durante la década de 1950 alternó su trabajo en el desierto con la lucha para conservar las Líneas: hizo campaña en contra de un proyecto del Ministerio de Agricultura para irrigar la zona, lo que habría destruido totalmente los geoglifos. Yo quiero ser un instrumento para eliminar las injusticias culturales y que los peruanos aprendan a no depredar lo que es patrimonio de una nación y herencia de una cultura, porque la cultura es el reflejo de la idiosincrasia de un pueblo”.

Luchadora incansable, se empeñó en proteger los dibujos del desgaste del tiempo y de los intrusos que llegaban por la Carretera Panamericana, construida a través de los geoglifos.  A pesar del tiempo transcurrido, las líneas han sobrevivido por ser una zona con escasas precipitaciones y protegidas del  viento.  María  logró que el gobierno restringiera el acceso de coches, para eso construyó una torre mirador de 74 metros  de altura para que los turistas pudieran ver las figuras sin deteriorar los geoglifos del desierto.

En la década de 1970 presentó sus fotografías sobre Nazca en Alemania en una gran exposición que se llamó “Símbolos peruanos de tierra”. En 1992 María adquirió la nacionalidad peruana que le otorgó el gobierno, en mérito por su arduo trabajo de investigación  en la Pampa y dos años más tarde la UNESCO  declaró esa zona  Patrimonio de la Humanidad.

Dedicó cuarenta años de su vida a la investigación, conservación y difusión de este legado de la cultura ancestral y sobre esta escribió “El secreto de la pampa” (1968) y “Contribución a la Geometría y Astronomía en el Antiguo Perú” (1993).

María Reiche  falleció en 1998, a los 95 años, en Lima y fue sepultada en Nazca.  

lunes, 1 de marzo de 2021

Siglo XIX - Fanny Eaton

                          Breve Biografía de Fanny Eaton  

Fanny Eaton  nació en 1835  en  Jamaica. Modelo negra de artistas de la época victoriana.

Hija y nieta de mujeres esclavas, su madre Matilde Foster, tenía diecisiete años cuando  dio a luz a Fanny, pocos meses después de la emancipación. La ley de emancipación de los esclavos fue aprobada por el Parlamento Británico bajo fuertes  protestas del gobierno local, que estaba formado casi en su totalidad por esclavistas y el clero anglicano. En el año 1834  se abolió la esclavitud, pero Jamaica siguió estando bajo el dominio colonial británico hasta 1962 que obtuvo su independencia.   

Se desconoce quién ha sido su padre, pero se cree que pudo haber sido un hombre blanco, ya que Fanny era de raza mixta, es decir, mulata; en los primeros años de 1840  Matilde logró viajar a Londres, donde crió a su hija con su trabajo de  lavandera.  Fanny  desde muy joven trabajó como empleada doméstica. En 1857, a los veintidós años se casó con un conductor de carruajes James Eaton, con quien tuvo diez hijos. Ya casada, comenzó a modelar  para los miembros de la Hermandad Prerrafaelita.

La Hermandad Prerrafaelita fue una asociación de pintores, poetas y críticos de arte ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais (1829-1886), Dante Gabriel Rossetti (1820-1882) y William Holman Hunt (1827-1910). Este estilo artístico duró apenas un lustro, pero su influencia se reflejó en la pintura inglesa hasta principios del siglo XX; los artistas  se  inspiraron en temas medievales y en la época clásica de Grecia y Roma, es decir, antes del maestro Rafael (1483-1520), de allí su nombre “Prerrafaelita”. Las obras se   pintaban  al aire libre, con colores luminosos, directamente del natural, captando todos los detalles y buscando la perfección de pinturas y esculturas.

"La Madre de Moisés"

Fanny  con su cabello rizado y sus rasgos “exóticos” de mezcla racial, nacida en las colonias del Imperio Británico, atraía a los artistas y era considerada una mujer de gran belleza y fascinación.  Fue modelo tanto para historias bíblicas y mitos como en escenas árabes. Su primer retrato público fue una pintura de Simeon Solomon (1840-1905) llamada “La madre de Moisés” que se exhibió en 1860 en la Real Academia.  

Tras este debut fue muy demandada por otros artistas. En 1861 fue la pintura de Albert Moore (1841-1893), “La madre de Sísara”, otro personaje bíblico. Rossetti  la incluyó dentro de varias pinturas y también John Everett Millais, pero según los historiadores del arte, la imagen más bella de esta modelo,  fue un retrato de la pintora Joanna Boyce Wells (1831-1861) llamado “Cabeza de mujer mulata” y que actualmente se conoce como “Cabeza de la Sra. Eaton”. 

"Cabeza de la Sra. Eaton"
La pintura  “Jefté” de John E. Millais de 1867, fue la  última  obra en la que Fanny posó como  modelo. También modeló para clases de pintura en la Real Academia  de Londres, entre 1860 y 1879.

Quedó viuda  en 1881, a los cuarenta y cinco años, quedando a cargo de sus hijos, el menor de tan solo dos años. Trabajó como costurera y más tarde, fue cocinera para una familia de un comerciante de vinos. Hacia 1911 vivió en Hammersmith, al oeste de Londres con una de sus hijas y su familia. 

Fanny Eaton falleció en 1924, a los ochenta y nueve años. 

Considerada una  destacada  musa de artistas, su imagen  cuelga en las grandes galerías del mundo: en las galerías de Arte Tate Britain, Museo Británico, Centro de Arte Británico de Yale, entre otros.  

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