Siglo XIX - Rosa Bonheur

         Breve Biografía de Rosa Bonheur

Marie Rosalie Bonheur, más conocida como Rosa Bonheur, nació en 1822 en Burdeos. Pintora, escultora e ilustradora francesa.

Hija mayor de una familia de artistas, se crió en una zona rural, donde tenían varios animales. Su madre, Sophie Marqués (1797-1833) profesora de música, le enseñó el alfabeto dibujando animales junto a cada letra, lo que influyó en su amor por la naturaleza. Su padre Raymond Bonheur (1796-1849) un exitoso pintor paisajista y retratista, estuvo involucrado en la sociedad utópica del filósofo Henri de Saint Simón (1760-1825) que defendía la igualdad absoluta, social e intelectual de mujeres y hombres y la abolición de las distinciones de clase, entre otros objetivos. 

Raymond se dedicó a la enseñanza como profesión en París, ciudad a la que la familia se trasladó en 1828. Rosa y sus hermanos comenzaron desde muy niños su formación artística en el taller de su padre. Auguste (1824-1884) quien se convertirá en pintor de paisajes y de animales, Isidore (1827-1901) en escultor y la más joven Juliette (1830-1891) también pintora de animales. Rosa copiaba ilustraciones de libros, dibujaba animales domésticos: caballos, ovejas, vacas, cabras y más tarde, a los catorce años, fue admitida en el Louvre como copista de obras maestras. Aunque estas copias fueron rápidamente vendidas, su padre la alentaba a desarrollar su talento en el dibujo y la pintura realistas.

Como la Escuela de Bellas Artes no aceptaba alumnas mujeres, Rosa perfeccionó sus técnicas en el taller del pintor León Cogniet (1794-1880) que dirigía un taller de pintura solo para mujeres. Amante de los animales, tuvo que pedir en 1852 un permiso a las autoridades para que le permitieran vestirse de hombre (usar pantalones) para poder frecuentar las ferias de caballos y los mataderos de París, lugares muy “masculinos”, con el fin de estudiar la anatomía y osteología de los animales. De fuerte personalidad, se cortó el cabello, fumaba cigarrillos en público y era llamada “marimacho”, eso no le afectó y siguió usando ropa masculina por el resto de su vida. Frecuentaba el Instituto Nacional de Veterinaria donde diseccionó animales y realizó estudios detallados que utilizó como referencias para sus pinturas y esculturas. 

Expuso sus obras con gran éxito en el Salón de París desde 1841, con 21 años, hasta 1853; al principio de su carrera también exhibió esculturas en el Salón, pero decidió abandonar esto ya que su hermano Isidore era un talentoso escultor. El tema principal de sus pinturas fueron los animales: zorros, perros, leones, ciervos y también algún ser humano siempre acompañado de un animal. Con dedicación y una extraordinaria precisión representaba a todo tipo de bestias, lo que la convirtió en una pintora importante de la escuela Realista y Naturalista. 

Durante más de cuarenta años, desde la adolescencia, Rosa mantuvo una relación amorosa con Nathalie Micas (1824-1889) también pintora. Tras la muerte de Raymond Bonheur en 1849, Rosa y su hermana Juliette ocuparon el cargo de directoras de la Escuela Gratuita de Diseño para las Jóvenes Mujeres, que su padre había fundado. Además abrió su propio estudio con su compañera Nathalie Micas. 

"La Feria de Caballos" (1853)

Su fama de artista traspasó fronteras y viajó a Inglaterra y Escocia, donde realizó numerosos encargos para la aristocracia inglesa, más tarde a Estados Unidos, donde siguió cosechando éxitos. En 1860 se retiró de París y compró una propiedad cerca del bosque de Fontainebleau donde vivió junto a Nathalie y algunos animales de su propiedad. Con gran talento y determinación continuó trabajando en una colección de bocetos y pinturas que incluían osos y leones, mientras recibía en su casa a grandes personalidades.

Tras la muerte de Nathalie, Rosa conoció a Anna Klumpke (1856-1942), una joven pintora especializada en retratos de California con quien vivió diez años hasta su propia muerte. Entre las obras más destacadas de Rosa Bonheur están: “Labranza en Nivernés”, también llamado "El Sombreado"(1849), “La feria de caballos” que se exhibió en 1853, obteniendo una medalla de oro y dándole fama internacional, “Fabricación de heno en Auvernia” (1855), “León en reposo” (1880), “Búffalo Bill” (1889). 

"Labranza en Nivernés" (1849)

A lo largo de su prestigiosa carrera Rosa ha recibido numerosas distinciones: fue la primera mujer en recibir el Chevalier de la Legión de Honor (1865), Premio de la Exposición Universal de París (1867), Cruz de Comandante de la Real Orden de Isabel la Católica y la Cruz de Leopoldo de Bélgica (1880), entre otros. 

Rosa Bonheur murió en 1899, a los 78 años, nombrando a Anna Kkumpke como heredera universal de sus bienes. Anna fundó el Premio Rosa Bonheur en la Sociedad de Artistas Franceses. Los restos de Rosa, Nathalie y Anna fueron sepultados juntos en el cementerio de Père Lachaise. 

Fuentes y Bibliografia

https://elpais.com/elpais/2019/07/19/icon_design/1563538489_516368.html

https://reviews-and-ramblings.dreamwidth.org/3616188.html

Siglo XX - Leonilda González

         Breve Biografía de Leonilda González

Leonilda González nació en 1923 en “Paraje Minuano”, zona rural del departamento de Colonia. Pintora, dibujante y grabadora uruguaya. 

Se educó en la ciudad de Colonia, en 1940 se trasladó a Montevideo y a los veinte años ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes donde estudió bajo la orientación de los artistas plásticos Miguel Ángel Pareja (1908-1984) y Ricardo Aguerre (1897-1967). Unos años más tarde, en 1949 viajó a París a perfeccionarse en los talleres del pedagogo André Lothe (1885-1962) y del pintor Fernand Léger (1881-1955). De regreso a Uruguay, Leonilda fue profesora de Xilografía en los Talleres de Grabados organizados por el Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales. 

Fundó en 1953, junto a otros artistas, el Club de Grabado de Montevideo (CGM), institución cultural dedicada a difundir y promover el acceso a las técnicas gráficas. Se desempeñó como docente de xilografía e impulsó exposiciones y salones de grabado. En 1958 realizó una exposición individual en el Subte Municipal de Montevideo y en 1970 en La Habana, Cuba. Participó en varias muestras colectivas: expuso en Buenos Aires, La Habana, Panamá, Puerto Rico, Brasil y otros. Desde 1960 a 1966 estuvo casada con el pintor y grabador uruguayo Carlos Fossatti (1928-1981), también miembro del Club de Grabado. 

Luego de una serie de “Pájaros”, Leonilda comenzó en 1968 una serie de “Novias revolucionarias” donde se mezclan la ternura y el humor, protesta e ironía, representando el matrimonio como pérdida de libertad, en alusión a la época de la dictadura; estos grabados son como símbolo de resistencia. 

Por su trayectoria ha recibido premios y reconocimientos en su país y en el exterior. Obtuvo el Premio “El Mundial” en el primer certamen latinoamericano de xilografía en Buenos Aires y el Primer Premio de xilografía en la Exposición de La Habana en 1968, otorgado por Casa de las Américas. En Uruguay ganó el Premio “El Galpón” por su xilografía "Novias revolucionarias III", en el 3er. Salón de Grabado. Leonilda fue presidente del Club de Grabado de Montevideo desde su fundación hasta su partida al exilio en el año 1976, durante la dictadura cívico militar. 

Se radicó primero en Perú y a partir de 1980 en México, representando al Club de Grabado en sus viajes por diversos países de América Latina. Luchadora incansable, destacada artista uruguaya, multifacética y vital paseó su talento artístico, realizando talleres, cursos y exposiciones: se destacó como pintora, grabadora, ilustradora y experta en xilografía. Comenzó una etapa de trabajos en pastel. 

Tras diez años de exilio, regresó en 1986 a Uruguay, unos años después fundó en su domicilio el taller de xilografía “José Guadalupe Posadas” (grabador mexicano 1852-1913) donde continuó con la docencia. En 1999 recibió el «Premio Morosoli de Plata» en reconocimiento a su trayectoria en Grabado, otorgado por la Fundación Lolita Rubial.  En 2006 obtuvo el «Premio Figari» del Banco Central del Uruguay. 

Leonilda editó el libro “Títeres” donde recopiló sus xilografías y “Esta soy yo” (1994) su autobiografía donde describió su infancia en el entorno campesino. Más tarde en 2011 publicó su segundo libro autobiográfico “La Carpeta negra” relato de sus vivencias y de la solidaridad que encontró durante los años de exilio. 

Leonilda González falleció en enero de 2017, la última del grupo fundador del Club de Grabado de Montevideo. Su obra se encuentra expuesta en el Museo Juan Manuel Blanes y el Museo Nacional de Artes Visuales.

Fuentes y Bibliografia

https://www.onsc.gub.uy/onsc1/images/stories/Publicaciones/RevistaONSC/r36/anexo.pdf

http://larepublicadelasmujeres.blogspot.com.uy/2011/10/recuerdos-de-exilio-de-leonilda.html

Siglo XIX - Anna Atkins

            Breve Biografía de Anna Atkins

Anna Atkins nació en el condado de Kent en 1799. Botánica, dibujante y primera mujer fotógrafa inglesa. 

Nacida como Anna Children fue criada por su padre, John George Children (1777-1852), un químico y zoólogo, ya que su madre murió poco después de su nacimiento. Recibió una esmerada educación, nada habitual en una mujer de esa época; frecuentaba con su padre a importantes científicos como Humphry Davy (1778-1829), John Herschel (1792-1871) y particularmente a Fox Talbot (1800-1877), el inventor de la fotografía práctica o dibujo fotogénico, lo que despertó desde muy joven, su interés en el arte y la ciencia. 

A los 23 años Anna realizó 250 grabados de conchas, con mucha perfección y minuciosidad, que ilustraron el libro que su padre tradujo al inglés “Historia Natural de los Animales Invertebrados” del biólogo francés Jean-Baptiste de Lamarck (1744-1829). En 1825 se casó con John Pelly Atkins (1790-1871), un próspero comerciante de Londres, propietario de plantaciones de café en Jamaica; la pareja se trasladó a la casa familiar de Atkins en la zona oeste de Kent. Con el estímulo de su esposo, Anna continuó con sus intereses en las ciencias y el arte, recogiendo y dibujando especímenes de plantas. En 1839 fue aceptada como miembro de la Sociedad Botánica de Londres, una de las pocas instituciones científicas que admitía mujeres.

En 1841 Anna autoeditó la primera entrega del libro “Algas Británicas: Impresiones en cianotipia”, publicado en varios tomos (el último tomo apareció en 1853) siendo el primer libro de imágenes exclusivamente fotográficas que se hizo de algas, alrededor de 400 imágenes con textos escritos a mano. Anna se convirtió en pionera de la fotografía y en la primera mujer en publicar un libro científico con ilustraciones. El proceso de fotogramas de cianotipos se imprime al contacto, sin necesidad de colocar el original de algas secas en el papel, lo que logra imágenes botánicas precisas, detalladas y mucho más parecido a la realidad. 

Más tarde Anna Atkins colaboró con Anne Austen Dixon (1799-1877) amigas desde la infancia, que hizo dos libros sobre cianótipos de especímenes botánicos, realizando un álbum de helechos y otro de floración de plantas británicas. 

Durante su carrera, Anna recolectó cientos de ejemplares que donó en 1865 al Museo Británico. Mujer curiosa e inteligente, no sólo fue botánica e innovadora en la fotografía, sino también escritora. Entre sus obras se destacan: “Los peligros de la moda” (1852), “Memoria de J.C. Children: incluyendo poesías inéditas de su padre y de su autoría (1853), “Una página de la nobleza” (1863). 

Anna Atkins murió en 1871, a los 72 años de edad.

Fuentes y Bibliografia

https://es.wikipedia.org/wiki/Anna_Atkins

http://www.nuevamujer.com/mujeres/actualidad/todos/7-mujeres-que-han-dejado-huella-en-la-historia-de-la-fotografia/2016-08-19/143748.html

Siglo XX - Norah Borges

             Breve Biografía de Norah Borges

Norah Borges, seudónimo de Leonor Fanny Borges Acevedo nació en 1901 en Buenos Aires. Artista plástica y crítica de arte argentina.

Hija del abogado Jorge Guillermo Borges y Leonor Acevedo Suárez, una uruguaya de gran cultura y fuerte personalidad, la pequeña Leonor fue apodada Norah por su hermano mayor Jorge Luis Borges (1899-1986). En 1914 la familia se trasladó a Suiza a tratar la ceguera progresiva de su padre, y allí Norah inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra con el escultor Mauricio Sarkisoff. En Lugano el profesor Arnaldo Bossi, de quien sólo se conoce su nombre, le enseñó la técnica del grabado en madera y la estética del expresionismo (=el artista trata de representar la realidad según sus emociones). 

En 1915 Norah escribió e ilustró su primer libro de poemas: “Notas lejanas” cuyo prólogo lo escribió Jorge Luis; fue la primera colaboración entre los dos hermanos. La familia Borges debido a la Primera Guerra Mundial, pasó cuatro años en Europa: en Francia y más tarde en España: en Palma, Norah realizó el mural “Las campesinas de Mallorca” en un hotel hoy desaparecido. En Sevilla profundizó sus estudios y frecuentó la vida cultural vanguardista. Aparecieron trabajos suyos en revistas literarias Grecia, Ultra, Reflector y Baleares; comenzó una larga trayectoria como ilustradora de textos literarios. En 1920 ilustró la portada del libro de poemas "El Jardín del Centauro", del sevillano Adriano del Valle (1895-1957) fundador de la revista Grecia. Ilustró varios textos de Juan Ramón Jiménez, Cortázar, Bioy Cásares, entre otros. 

En 1921 los Borges regresaron a Argentina donde Norah integró el movimiento pictórico de vanguardia el Grupo Florida (también llamado Martín Fierro) cuyos miembros eran mayormente hombres y de clase alta. Sus dibujos aparecieron en las revistas más importantes de la época, Mural, Proa y Martín Fierro. Colaboró con su hermano e ilustró varias de sus obras, Jorge Luis a su vez, prologó los catálogos de la obra de Norah. 

Esta gran artista vivió inmersa en un ambiente de gran cultura. sus obras comprendían técnicas diversas: óleos, tapices, grabados en madera, témpera, acuarelas, dibujos. Su pintura se caracterizó por ser sin conflictos humanos ni sociales, eran planas, lineales, reflejó la levedad, el sosiego, la ternura. Según sus palabras, “la pintura ha sido inventada para dar alegría al pintor y al espectador”, le gustaban las cosas suavísimas, los colores que se fundieran unos con otros. En 1926 Norah realizó su primera exposición individual con 75 obras en la Asociación Amigos del Arte. También expuso en Estados Unidos y Europa. 

En 1928 se casó con el historiador español y crítico literario Guillermo de Torre (1900-1971) y tuvieron dos hijos. El casamiento terminó con su etapa de pintora vanguardista, aunque se mantuvo como ilustradora de textos: ilustró casi ochenta libros. El matrimonio vivió en Madrid entre 1932 y 1936, período en el cual Norah diseñó la escenografía de una obra teatral de Federico García Lorca, del Teatro Universitario La Barraca. 

Ejerció la crítica de arte en Anales de Buenos Aires bajo el seudónimo de Manuel Pinedo; trabajó como periodista y fue una de las primeras artistas en investigar sobre el grabado; no dejó de pintar nunca, aunque regalaba sus obras y no realizaba exposiciones. Al igual que muchas otras mujeres de vanguardia, Norah era marginada en los círculos sociales, y luego en la historia por ser mujer; nunca dio entrevistas, vivió relegada y fue opacada por la fama de su hermano y de la de su esposo. 

Norah Borges murió en Buenos Aires en 1998 y sus restos descansan en el Cementerio de la Recoleta.

Fuentes y Bibliografia
http://www.lanacion.com.ar/215752-norah-borges-ilustradora
http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=borges-norah

Siglo XVIII - Marie-Anne Lavoisier

Breve Biografía de Marie-Anne Lavoisier

Marie-Anne Lavoisier, nació como Marie-Anne Pierrette Paulze, en 1758 en Francia. Química e ilustradora francesa.

Huérfana de madre a los tres años, su padre, abogado parlamentario, la envió a un convento donde recibió una excelente educación: era muy inteligente, sabía varios idiomas y era una buena dibujante. A los catorce años, en 1771, su padre la casó con Antoine Lavoisier (1743-1794) un noble abogado de 28 años, geólogo y químico. Antes de su casamiento, los primeros trabajos de Antoine tuvieron como objetivo la mineralogía y para ello realizó varias excursiones geológicas, también hacía pequeñas experiencias químicas.

Hasta principios del Siglo XVIII era la alquimia una fuente de conocimientos con su búsqueda para llevar metales comunes, por manipulación y su fusión con el fuego, al estado más puro: el oro. Pero eran fenómenos inexplicados. Aunque Marie-Anne no tenía formación como alquimista, ni mucho menos sobre química, pronto aprendió con su esposo y le ayudaba en el laboratorio que habían montado en su propia casa.

Se interesó en las investigaciones científicas y anotaba las observaciones, dibujaba esquemas y diagramas y grababa y tallaba los instrumentos del laboratorio. Marie-Anne era la encargada de la correspondencia científica de su esposo. Como sabía latín e inglés, traducía al francés, los tratados de química de varios investigadores. El más importante fue la “Teoría del flogisto” del científico irlandés, químico y geólogo Richard Kirwan. Marie-Anne no solo tradujo el trabajo, sino que agregó comentarios muy precisos sobre los errores químicos que encontraba. El flogisto es un elemento parecido al fuego, que carece de peso, y que se libera durante la combustión. Lavoisier llamó Oxígeno al gas liberado en la combustión.

En 1789 Lavoisier publicó el primer texto de química moderna, “Tratado elemental de Quimica” donde detallaba los 23 elementos conocidos como base de todas las reacciones químicas. Marie-Anne realizó los grabados en cobre de esta obra, además de dibujos y acuarelas. El matrimonio también realizó trabajos científicos sobre los alimentos, pues los consideraban como combustible para reponer las energías perdidas. Marie-Anne organizó un salón intelectual en su casa con los cientificos y naturalistas de la época, donde era muy admirada por su inteligencia.

En 1794, durante la Revolución Francesa, en plena etapa del Reinado del Terror, el padre de Marie-Anne y luego su esposo, fueron acusados de traición, y ejecutados en París: Lavoisier tenía 50 años. Luego de su muerte Marie-Anne, organizó todos los trabajos que habían hecho juntos y en 1805 publicó “Memorias de Química” con el nombre de su marido.

Se casó de nuevo en 1804 con el científico Benjamin Thompson (1753-1814) pero su intolerencia por su salón cultural y su rechazo por incluirla en su vida de experimentador, les llevó a los pocos años a divorciarse. Marie-Anne mantuvo el apellido de su primer esposo, su personalidad estuvo eclipsada por la figura de él, pocos reconocieron su valía y su aporte a la ciencia, siempre fue la esposa del científico Lavoisier.

Marie-Anne Lavoisier falleció en 1836 en su casa de París, a los 78 años de edad.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XIX - Marianne North

Breve Biografía de Marianne Norh

Marianne North nació en Sussex, al sur de Inglaterra, en 1830. Viajera, naturalista, dibujante y pintora británica.

Nacida en una prestigiosa familia, desde pequeña reveló un gran talento hacia el dibujo, pintando flores y plantas; recibió lecciones desde 1847 a 1850 de la pintora de flores Valentine Bartholomew (1799-1879). Tras la muerte de su madre en 1855, Marianne se trasladó a Londres con su padre, un terrateniente y político, diputado del Parlamento. Acompañó a su padre en varios viajes de negocios por diferentes países de Europa y de Oriente Medio (Siria y Egipto) realizando muchos dibujos de paisajes y de la flora.

La época victoriana se caracterizaba por ser una sociedad rígida y conservadora, donde la mujer debía permanecer en el ambiente hogareño; pero muchas “ladies” de la clase alta, no se resignaban a ese rol impuesto: gracias a una buena posición económica, con decisión y espíritu aventurero y el anhelo de conocer nuevas tierras viajaban tanto a las colonias británicas como a otros remotos países.

Marianne, transgresora, valiente e independiente, dedicó su vida a hacer lo que más le gustaba: dibujar y viajar. Después de la muerte de su padre en 1869, comenzó sola un peregrinaje alrededor del mundo que se inició en 1871; a sus 41 años viajó a América, Asia, Africa y Australia. En todos esos lugares supo captar en sus lienzos una gran variedad de plantas, flores, animales y paisajes.

Durante casi quince años desde 1871 a 1885, descubrió y pintó con lujo de detalles numerosas especies de plantas; no sólo la flor o el árbol, dibujaba todo el ecosistema: los cerezos en flor en Japón, las rosas, geranios y naranjos de Tenerife, las plantaciones de tabaco y té de Borneo y Java, las frondosas vegetaciones y la exuberancia de las palmeras tropicales, la zoología, la cordillera de Nahuelbuta en Chile.

Viajera intrépida y curiosa, artista especializada en pinturas sobre la naturaleza, la obra de Marianne es de gran valor científico, pues nos dejó a través de sus dibujos muchas especies, con sus nombres y todos sus colores, algunas, hoy extinguidas por la acción del hombre. Dejó también constancia por escrito de sus impresiones, de los lugares, de las personas que conoció y algunos comentarios críticos. A lo largo de su vida sufrío algunas enfermedades, según los lugares que visitaba, pero nada se interpuso entre ella y su interés por la naturaleza.

En 1877 se embarcó rumbo a la India, donde visitó varios lugares, llegando hasta el Himalaya: pintó plantas sagradas de la literatura y la religión de ese país. En 1879 ofreció sus pinturas a los Jardines Botánicos en Kew a cambio de que fueran expuestas en una galería especial.

Por consejo del naturalista Charles Darwin (1809-1882) gran amigo de la familia North, Marianne viajó a Australia, Tasmania y Nueva Zelandia entre 1880-1881 para pintar su vegetación. En 1882 la galería Marianne North se abrió al público, vendiendo las 2000 copias del catálogo botánico, realizado por ella misma. Le quedaba por recorrer Africa, y para allí partió ese mismo año, luego las islas Seychelles y por último Chile, en 1884 para pintar la araucaria. Este sería su último viaje.

En 1886 se retiró en su casa de Alderley, Gloucestershire, donde recibía a muchos botánicos y personas de cultura que compartían el mismo amor por las plantas. Marianne North murió en 1890. Tras su muerte, su hermana publicó sus diarios de viaje con el título “Recuerdos de una vida feliz”.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XIX - Marie Laurencin

Breve Biografía de Marie Laurencin

Marie Laurencin nació en 1883 en París. Pintora y grabadora francesa.

A partir de 1903 cursó estudios en la Academia Humbert, donde conoció al pintor y escultor Georges Braque (1882-1963), quien, junto con Pablo Picasso (1881-1973), fueron los creadores del cubismo. Marie frecuentó el Bateau-Lavoir, en el barrio de Montmartre, lugar de residencia y de reunión de numerosos pintores y escritores. Pintaba retratos y autorretratos.

Expuso por primera vez en 1907 en el Salón de los Independientes; ese mismo año se convirtió en la compañera y musa del novelista y crítico de arte Guillermo Apollinarie (1880-1918), y con quien mantuvo una relación apasionada y tumultuosa hasta 1912. Marie participó de todas las manifestaciones del grupo cubista, pero fue una artista femenina independiente, desarrollando su propio estilo de pintura, ya que combinaba las líneas geométricas del cubismo con los colores pastel, dominados por rosas, grises y azules claros.

En 1914 se casó con el barón Otto von Wätjen, y al estallar la Primera Guerra Mundial, se exiliaron en España. Aquí las pinturas de Marie reflejaban el dolor del exilio, con colores más profundos y motivos como barrotes en las ventanas. Asociada con Sonia Delaunay, compuso varios poemas para revistas artísticas durante 1917. Separada de su esposo, Marie volvió a París en 1921. Se dedicó a pintar retratos de mujeres o escenas femeninas, también flores y bodegones, con suaves y pálidos colores, en tonos rosados, azules y blancos. Con formas curvilíneas expresó la seducción femenina.

Junto a sus retratos, Marie realizó grabados, xilograbados e ilustró obras literarias de numerosos escritores: André Gide (1869-1951) y Max Jacob (1876-1944), entre otros. También creó decorados de teatro e hizo vestuarios para los Ballets Rusos: el ballet Las Ciervas (1924), para las compañías de la Opera Cómica y la Comedia Francesa.

Marie Laurencin murió en París en 1956. En julio de 1983, al conmemorarse el centenario de su nacimiento, se inauguró en Tokio, el Museo de Marie Laurencin, fundado por Masahiro Takano, un industrial japonés, admirador de su obra. Este museo consagrado a la pintora, contiene más de quinientas de sus obras,

Fuentes y Bibliografía

Siglo XVII - María Sibylla Merian

Breve Biografía de María Sibylla Merian

María Sibylla Merian nació en Frankfurt en 1647. Naturalista y pintora alemana.

Huérfana de padre a los tres años, su madre se volvió a casar con un pintor flamenco, que enseñó a María Sibylla a dibujar, pintar y grabar en cobre. Desde muy niña pintaba plantas e insectos a partir de modelos que capturaba: gusanos de seda, orugas y su transformación en mariposas.

A los 18 años, en 1665, se casó con un pintor de Nüremberg, especializado en arquitectura Johan Andreas Graff (1637-1701), con el cual tuvo dos hijas. Autodidacta, María Sibylla siguió observando la metamorfosis de las mariposas, la crisálida y las plantas con las cuales se alimentaba la oruga. En esa época, era muy raro que alguien se interesara en los insectos, pero sus estudios e ilustraciones son muy detallados y fueron publicados en alemán, por lo que la comunidad científica la ignoraba, ya que la lengua oficial de la ciencia era el latín.

En 1685 María Sibylla se separó de su esposo y se mudó con sus hijas a Holanda, para vivir en una comunidad de Pietismo: movimiento de la religión luterana basada en la experiencia religiosa personal, enfatizando el despertar de la fe, el estudio de la Biblia y la piedad; fomentó la rápida expansión de misioneros.

Unos años después, María Sibylla se trasladó a Amsterdam, donde visitó otros naturalistas y quedó impresionada por las colecciones de insectos disecados procedentes de las Indias Occidentales, y por el tamaño y la belleza de esos insectos, lo que la llevó a viajar a América del Sur.

Intrépida, muy decidida, en 1699 a los 52 años, María Sibylla viajó a Surinam (Guayana Holandesa) en un viaje científico, donde fue descubriendo innumerables insectos tropicales y realizando gran número de dibujos y acuarelas de sus metamorfosis. Plantas totalmente desconocidas, plantas indígenas, plantas y frutos comestibles, serpientes, arañas, iguanas y coleópteros tropicales, todos fueron clasificados, explicados y dibujados con detalles.

Fue la primera mujer científica en viajar a Surinam, y relacionó sus estudios de las plantas y los insectos con las tradiciones culturales de los habitantes del lugar: indios, americanos y esclavos. Conoció el uso medicinal de muchas plantas indígenas. Pero la envidia de los científicos se hizo notar: su notable cuadro de una araña que comía pájaros, fue ridiculizado hasta que cien años después, un naturalista inglés realizó la misma observación.

En 1701 enfermó de malaria y volvió a Amsterdam. María Sibylla tomando como base sus experiencias y dibujos, realizó en 1705, más de 60 grabados en cobre, publicando su gran obra: "Metamorfosis de los insectos del Surinam". Continuó dibujando y pintando, además de impartir cursos de dibujo.

María Sibylla Merian ha sido una de las mujeres pioneras en la investigación de la Historia Natural; falleció en 1717 en Amsterdam, a los 70 años de edad.

A finales del siglo XX su trabajo fue redescubierto y restaurado. Varias escuelas llevan su nombre y desde el 2005 un barco que pertenece al Instituto de Investigación en el Mar Báltico, en Alemania, también tiene su nombre.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XX - Remedios Varo

Breve Biografía de Remedios Varo

Remedios Varo nació en 1908 en Anglès, provincia de Gerona, España. Pintora surrealista hispano-mexicana.

Desde niña se sintió atraída por el dibujo y la pintura y alentada por su padre, un librepensador, ingresó en 1924, en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde fue una de las primeras mujeres estudiantes de arte. Compartió tertulias estudiantiles con artistas conocidos como García Lorca (1898-1936) y Salvador Dalí (1904-1989).

En 1932 se instaló en Barcelona donde se contactó con la vanguardia catalana y el pintor Esteban Francés (1913-1976) la introdujo en el círculo surrealista de André Breton (1896-1966). Integró el grupo Logicofobista (= fobia a la lógica), que es una variante del Surrealismo; en 1936 participó en la exposición de este grupo, fue una muestra muy importante del Surrealismo español, donde había pinturas de Joan Miró (1893-1983) y Maruja Mallo (1902-1995), entre otros.

Al estallar la Guerra Civil Española (1936-1939), Remedios, de ideas republicanas, se exilió en París, donde se integró de pleno en los círculos surrealistas, como mujer del poeta Benjamin Péret (1899-1959). Con mucha creatividad, participó en varias exposiciones colectivas, como en 1938, en la Exposición Internacional de Surrealismo en París, que marcó el apogeo del movimiento. Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, Remedios y Péret se trasladaron en 1942, a México, donde tomaron la nacionalidad mexicana y ella se dedicó al diseño publicitario y restauración de objetos prehispánicos, disminuyendo su producción pictórica.

Unos años después, el matrimonio se separó; en 1947 Péret retornó a París, y Remedios partió a Venezuela contratada como ilustradora entomológica por el Instituto Francés de América Latina, para una expedición científica. Al casarse en 1952, en México, con el exiliado político austríaco Walter Gruen (1914-2008), se consagró totalmente a la pintura. En 1955 participó de una exposición colectiva, un año más tarde de una individual, y otra exposición individual, ya consagrada como gran artista, en 1962.

Dentro del estilo surrealista, la obra artística de Remedios tiene un estilo más espiritual, lleno de simbolismo y misterios, nos transporta al mundo de la fantasía y los sueños de la niñez, la alegría, el movimiento y la luz; explora temas esotéricos, la alquimia, la naturaleza y la mujer como fuente de sensibilidad. Disfrutaba en el proceso creativo, y muchas veces regalaba sus obras terminadas.

En México conoció a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, pero hizo una fuerte amistad con la pintora surrealista Leonora Carrington, también exiliada. Remedios Varo murió de un paro cardíaco, en México en 1963, a los 55 años de edad.

El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México ha hecho dos exposiciones individuales de esta gran artista, en 1971 y 1983. En el año 2000 su esposo Walter Gruen donó su colección de obras a este Museo, que fueron declaradas en 2001, monumento artístico mexicano.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XX - Amalia Nieto

Breve Biografía de Amalia Nieto

Amalia Nieto nació en 1907 en Montevideo. Pintora plástica uruguaya. 

Autoretrato - 1930

Empezó a pintar desde niña y estimulada por sus padres, ingresó al Círculo de Bellas Artes en 1925, donde se imponía el Planismo, nueva corriente pictórica que buscaba plasmar la claridad de las formas y la exactitud de los contornos.

Viajó a París en 1929; durante tres años asistió al taller del poscubista André Lhote (1885-1962) y estudió Historia del Arte en la Sorbonne, donde se familiarizó con las corrientes artísticas del surrealismo y el arte abstracto. A su regreso a Montevideo en 1932, Amalia realizó su primera exposición individual con 23 obras, donde predominaba el impresionismo-naturalista junto al planismo. A través de su arte, expresó toda su vida: sus amores, sus pasiones y su compromiso con la belleza. 

En 1934 integró el taller de Joaquín Torres García (1874-1949), maestro del constructivismo. Participó en 1936 en una exposición-venta de Artes Plásticas a beneficio de los intelectuales españoles en el Ateneo de Montevideo. 

Amalia y el pianista y escritor Felisberto Hernández (1902-1964) se conocieron en las tertulias musicales que realizaba el filósofo uruguayo Carlos Vaz Ferreira (1872-1958) y se casaron en 1937. Felisberto realizaba giras dando conciertos de piano, por el interior del pais y por Argentina; cuando Amalia no lo podía acompañar le escribía cartas acompañadas por dibujos y acuarelas (hay un acervo de más de cien cartas). Su actitud abierta y creativa la llevó a frecuentar varios talleres: en 1938 se alejó del taller de Torres García y volvió a las enseñanzas de Lothe, con mayor libertad, más luz y color. 

En 1943, ya separada de Felisberto, viajó becada a Chile para seguir cursos en la Universidad; años más tarde se volcó a temas de paisajes del Barrio Sur, visiones urbanas de tejados con sus chimeneas. Fue docente en los Institutos Normales y directora del Museo Circulante de Arte. Su ansia de saber y enriquecer sus conocimientos la llevaron de nuevo a París en 1955, donde tomó cursos de grabados con Johnny Friedlaender (1912-1992) y de mosaicos con Gino Severini (1883-1966). Desde la primera exposición de Amalia, se sucedieron numerosas muestras individuales y ha obtenido 37 premios en salones nacionales, entre ellos el Gran Premio Pintura en el XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas en 1967, el Gran Premio Escultura en el XXXIII Salón Nacional de 1969 y el Premio Pintura del Concurso de Caja Notarial en 1991.

Su talento, su sensibilidad y voluntad de crear, pasando por diferentes talleres y técnicas (óleos, acrílicos, pinturas abstractas en tercera dimensión), apoyando siempre las innovaciones, han hecho que sus obras sean siempre alabadas y admiradas. Ilustró libros de poetas, participó en salones y envíos al exterior: representó al Uruguay en las bienales de San Pablo, Córdoba y Spoletto en Italia. En 1973 inició su labor docente en el Círculo de Bellas Artes.

En 1989 expuso en Buenos Aires una serie llamada "Naturalezas muertas mentales", una de sus series más notables. Expuso en Madrid, Estados Unidos y México la muestra "La Escuela del Sur, el Taller Torres y su legado". En 1995 se realizó la retrospectiva de sus setenta años de pintura en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo y en el 2001 otra, en el Museo de Arte Contemporáneo, con obras seleccionadas por la misma autora.

Amalia Nieto falleció en Montevideo, en 2003. En marzo de 2009 en el Centro Cultural de España de Montevideo, se realizó una muestra titulada "Amalia Nieto: Cartas a Felisberto", donde se exhibieron los dibujos en tinta china y acuarela con que la pintora ilustró las cartas que enviaba a su marido. 

Fuentes y Bibliografía

Siglo XIX - Beatrix Potter

Breve Biografía de Beatrix Potter

Beatrix Potter nació en 1866 en Londres, Inglaterra. Escritora e ilustradora británica de literatura infantil. Pertenecía a una familia acomodada y su padre, aunque era abogado, no ejercía la profesión; vivían en una gran mansión rodeada de un inmenso parque. Beatrix fue educada por una institutriz que la alentó a leer y le enseñó música y arte. Su infancia fue solitaria, sin asistir a la escuela y sin amigos.

Apasionada por la naturaleza, en las vacaciones familiares en Escocia, Beatrix estudió la fauna y flora de la zona: observó, dibujó los animales y plantas y escribió la hipótesis de que los líquenes eran una relación simbiótica (= unión de vegetales de diferentes especies en la que todos se benefician de la vida en común) entre las algas y los hongos. Quiso exponer ante la Sociedad Linneana en 1897, sus estudios sobre la germinación de las esporas, pero la rigidez de la sociedad no permitía la entrada a las mujeres. Su tío presentó el trabajo ante la sociedad científica.

En 1890 Beatrix empezó a vender sus dibujos de animales a una editorial para ilustrar tarjetas de Navidad, también escribió e ilustró su primer cuento para niños. No sólo tuvo el rechazo de la editorial, sino también la de sus padres, que no apoyaban la idea de que su hija trabajara. Con perseverancia y segura de sí misma, en 1901 al no encontrar editor, Beatrix, con 37 años decidió pagarse ella misma una edición a su gusto. Fue un éxito entre amigos y conocidos; la firma Warne & Co. se interesó y Beatrix se dedicó a escribir y crear más animales y más historias.

Compró la granja Hill Top, en Near Sawrey, donde continuó escribiendo y contra la voluntad de sus padres, se casó en 1912, a los 47 años, con el abogado William Heelis. Publicó en total 23 libros, en pequeño formato, fácil de manejar y leer por los niños. Su prosa, imitando las costumbres sociales, las hermosas acuarelas con sus animales vestidos como humanos y como fondo, el paisaje del Distrito de los Lagos, han hecho de estos cuentos un mundo maravilloso.

Beatrix compró más extensiones de tierra y con tenacidad y energía, se convirtió en criadora especializada de ovejas. Fue la primera mujer presidenta de la Asociación de Criadores de Ovejas Herdwick en 1930. Fue una protoecologista, pues la adquisición de estas tierras la hizo con la idea de preservar la naturaleza.

Beatrix Potter murió en 1943 y donó todas las granjas al National Trust, contribuyendo así a la creación del Parque Nacional de Lake District.

En 1997 la comunidad científica le pidió disculpas póstumas, pues sus estudios sobre los líquenes eran acertados.Fuentes y Bibliografía