Siglo XX - Ladi Kwali

          Breve Biografía de Ladi Kwali 

Ladi Dosei Kwali nació en 1925 (algunos historiadores dicen en 1920) en Abuja, Nigeria. Educadora, ceramista y vidriera.

Nació en un pueblo pequeño de la región de Gwari, al norte de Nigeria, en una familia donde la alfarería era una ocupación común de las mujeres nativas. Desde niña aprendió a mezclar arcilla para hacer  productos decorativos para el hogar, como ollas, inspirados en la tradición gbagyi  - el grupo étnico más grande  de Abuja.  Su tía le enseñó los métodos de trabajo de la cerámica, y Ladi hacía grandes cántaros para el agua, ollas de cocina, cuencos y frascos con rollos de arcilla. Las cocía en una hoguera  al aire libre cubriéndolas con vegetación seca y encendiéndolas, las decoraba con motivos geométricos y figurativos de animales como escorpiones, lagartos, cocodrilos, pájaros y peces. Todas estas técnicas decorativas son ancestrales y se remontan al período neolítico.

Las vasijas de Ladi eran de gran belleza y decoración y pronto fue reconocida como una alfarera muy talentosa.

En 1950 durante el gobierno colonial, el famoso ceramista británico Michael Cardew  (1901-1983)  fue nombrado Oficial de Cerámica en Nigeria, un año más tarde fundó Abuja Pottery (=cerámica), un Centro de Capacitación para alfareros nativos. Cuando Nigeria obtuvo su independencia en 1960, Michael fue un funcionario nigeriano y estuvo enseñando hasta su jubilación en 1965.

Ladi  Kwali fue la primera mujer alfarera en unirse a Abuja Pottery en 1954. A partir de aquí comenzó un período distinto en su práctica artística, del entorno cultural y tradicional en el cual vivía pasó a la modernidad: aprendió a trabajar con el torno, el esmalte y la cocción al horno de las cerámicas a altas temperaturas. Con mucha decisión y entusiasmo demostró una habilidad natural con estas nuevas técnicas y fusionó su estilo tradicional con métodos innovadores. Introdujo formas que antes no había producido: jarras, tazas de café, cacerolas  y muchas otras formas que se convirtieron en obras de arte por su belleza y perfección. Se convirtió así en la pionera de la cerámica moderna en África.

Apenas cuatro años más tarde, en 1958  las excelentes vasijas de Ladi se presentaron en exposiciones internacionales de cerámica de Abuja, luego en 1959 y 1962 en Londres organizadas por Cardew. Viajó y representó a Nigeria en varios países de Europa, en 1972 realizó una gira por Estados Unidos. Dio conferencias y demostraciones en varias partes del mundo. Más adelante en su carrera compartió los secretos de su oficio con la comunidad local, como profesora universitaria.

Ladi Kwali ha recibido reconocimiento internacional: en 1963 fue reconocida como Miembro de la Orden del Imperio Británico, en 1980 el gobierno de Nigeria le otorgó el premio de la Orden Nacional de Mérito por la divulgación de la belleza del arte nigeriano, mediante la elaboración de lozas decoradas.

A principios de la década de 1980  el Centro de Formación de cerámica de Abuja pasó a llamarse Centro de Cerámica Ladi Kwali.  Ladi Kwali falleció  en 1984, a la edad de 59 años en Minna, en el estado de Niger.

Fuentes 

• elpais.com.uy/vida-actual
• blackentrepreneurhistory.com/black-history
• studiopottery.com
  

Siglo XX - Débora Arango

Breve Biografía de Débora Arango

Débora Arango nació en Medellín en 1907. Pintora expresionista y acuarelista antioqueña, Colombia.

Desde niña mostró interés por la pintura y años después ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín. Fue alumna del Maestro Eladio Vélez (1897-1967), quien le enseñó los secretos del dibujo y del Maestro Pedro Nel Gómez (1899-1984); en el taller de este último aprendió la dinámica de la forma, la vitalidad del movimiento y el colorido. Mientras tanto, en la biblioteca de su tía, Débora descubrió a los filósofos y escritores de todas las tendencias; por intermedio de sus hermanos, estudiantes de medicina, accedió a libros de anatomía que le permitieron el estudio del cuerpo humano.

En 1937 Débora expuso acuarelas de paisajes, animales y naturaleza muerta, junto a sus compañeras del taller de Nel Gómez. En 1938 se apartó de su maestro y comenzó a trabajar sola, experimentando con desnudos de tamaño natural y pintando escenas de la vida real. Un año después participó en la "Exposicion de Artistas Profesionales" en el Club Unión de Medellín donde expuso acuarelas y óleos, incluyendo dos desnudos, uno de ellos "Cantarina de Rosa": aunque ganó el primer premio, la sociedad política e intelectual repudió su obra y la calificó de sórdida e impúdica.

En 1946 viajó a México para perfeccionarse y estudiar a los muralistas; de regreso, en 1948, expuso en Medellín, pero su desnudo, esta vez "La adolescencia" volvió a escandalizar a la sociedad. "Tengo la convicción de que el arte, como manifestación de la cultura, nada tiene que ver con los códigos de moral. El arte no es amoral ni moral". " Mi especialidad es la figura, naturalmente, y más que la figura, la expresión".

Rebelde, transgresora, audaz, polémica, talentosa, Débora abordó la crítica social y política de su país y de su época: pintó obreros marginados, monjas, prostitutas, mujeres relegadas, el dolor y el maltrato, la situación política y las manifestaciones populares. Interpretó la realidad cotidiana, denunciando la violencia de una sociedad llena de prejuicios ancestrales. Fue la primera mujer colombiana que se atrevió a pintar desnudos, por lo que fue duramente criticada, también lo fue por los retratos de conocidos políticos pintados con forma de animales.

Débora sufrió insultos y soledad, por lo que decidió no volver a exponer sus obras, encerrándose en su casa, pero no abandonando sus pinturas. Viajó a España a perfeccionarse en la figura humana y estudiar cerámica; en 1955 expuso en Madrid, una muestra individual, pero por orden de Franco sus pinturas fueron descolgadas. Estudió en Inglaterra, Francia y Austria. De regreso a su país, expuso una serie de cerámicas en el Centro Colombo Americano de Medellín.

Alejada del medio artístico, Débora se encerró por un largo período en su casa-taller llamada "Casablanca", donde elaboró zócalos, baldosines y murales en cerámica cocida. En 1975 con casi cien obras hizo una exposición individual en la Biblioteca Pública Piloto de Medellín. En 1984 el Museo de Arte Moderno de Medellín, hizo una exposición retrospectiva donde se mostró más de 250 obras entre acuarelas, óleos y cerámicas, así se reivindicó plenamente como artista.

Durante su carrera Débora recibió múltiples condecoraciones, como el Premio a las Artes y a las Letras, la Medalla al Mérito Artístico y Cultural, la Cruz de Boyacá y el título de Maestra Honoris Causa de la Universidad de Antioquía.

En 1986 Débora Arango donó toda su colección al Museo de Arte Moderno que, con el correr de los años realizó varias exposiciones de estas obras: En 1991 organizó la exposición "Cuatro Temas en la obra de Débora Arango: el desnudo, la religión, la política y la denuncia social".

Tenaz y firme en sus convicciones y valiente en su anhelo de libertad, Débora Arango falleció en diciembre de 2005, a los 98 años, siendo reconocido su talento y su aportación al arte colombiano. Desde 2008 la casa de Débora Arango fue declarada interés cultural de la Nación y Casa Museo.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XX - María Montoya Martínez

Breve Biografía de María Montoya Martinez

María Montoya Martínez nació en el pueblo de San Ildefonso, en Nuevo México, se cree que en la década de 1880, no hay registro exacto de su fecha de nacimiento. Artista nativa, ceramista.

El pueblo de San Ildefonso, como otros pueblos de nativos americanos, tiene una rica cultura ancestral, donde se mezclan las antiguas tradiciones de los indios con los festivales españoles y norteamericanos. Desde niña María aprendió a trabajar la arcilla de la manera tradicional, observando a su tía y a su abuela: aprendió a esculpir ollas, cuencos y otros tipos de vasijas.

Pero con el tiempo, los utensillos de cocina de estaño español y esmalte eran más económicos y fueron sustituyendo a los de cerámica. El interés, la voluntad y la capacidad creativa de María impidió que el arte de la alfarería se extinguiera. En 1904 se casó con Julián Martínez, un pintor indio americano. Juntos formaron un equipo trabajando la artesanía tradicional de su pueblo: María esculpía y Julián pintaba los dibujos de las ollas. Experimentaron nuevas técnicas y diseños, adquiriendo mucha habilidad y pudiendo vivir de su arte.

Durante 1908 y 1909 se hicieron excavaciones arqueológicas en un pueblo cercano de San Ildefonso, de las cuales se extrajeron pequeños fragmentos de cerámica antigua. El director del Museo de Antropología de Nuevo México, Dr. Edgar Hewett, al conocer la habilidad de María como alfarera, le pidió que reprodujera las cerámicas prehistóricas. El Museo exhibió las réplicas y el matrimonio Martínez fue contratado: con arduo trabajo y mucha paciencia, evolucionaron y perfeccionaron su técnica, usando los métodos de principios de siglo XX.

De los primeros cuencos y jarras de barro cocido, de múltiples colores, pasaron a partir de 1915 a crear ollas más grandes, en negro mate y negro sobre negro brillante, con los que tuvieron éxito y reconocimientos. Julián siempre innovaba los dibujos decorativos, inspirándose en los diseños pre históricos.

La generosidad de María la llevó a compartir sus conocimientos, a enseñar la forma de crear piezas de cerámica a otros miembros de su pueblo, incluyendo a su familia; el éxito de estos productos y la afluencia constante de turistas convirtió al pueblo de San Ildefonso, en un centro turístico y de artesanía nativa americana.

Los hijos de María y su nieto continuaron con la producción de la pintura artística de las ollas, principalmente después de la muerte de Julián, ocurrida en 1943. María ha recibido varios premios y ha presentado sus cerámicas en muchas ferias mundiales. Recibió en 1954, el Medallón de Artesanía, otorgado por el Instituto Americano de Arquitectos y el Palmas Académicas de Francia, por su contribución al mundo artístico. Le fue otorgado el doctorado honoris causa por cuatro universidades.

María Montoya Martínez siguió trabajando incansablemente: murió en 1980, dejando tras de sí un legado de experiencias y conocimientos, haciendo de la industria alfarera una importante fuente de ingresos para su pueblo San Ildefonso. A partir de su muerte, las cerámicas de María se han vuelto como piezas de colección y son difíciles de encontrar.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XX - Violeta Parra

Breve Biografía de Violeta Parra

Violeta Parra nació en 1917 en San Carlos, sur de Chile. Poeta, compositora, cantante, escultora, ceramista y activista social chilena.

Creció en el seno de una familia de artistas: su madre, una campesina, que sabía cantar y tocar la guitarra y su padre, profesor de música, inculcaron a sus seis hijos el amor por las artes, es especial por el canto y la música.  Violeta aprendió a tocar la guitarra a los nueve años y a los doce  compuso sus primeras canciones. Unos años después de la muerte de su padre, en 1933 se trasladó a  Santiago y formó con su hermana Hilda un dúo de música folclórica: Las Hermanas Parra;  años después editaron sus primeros discos de canciones populares chilenas. El dúo continuó hasta 1953.

Recorriendo el país con su música, Violeta estuvo en contacto con la realidad social y las desigualdades económicas; empezó un trabajo de recolección de canciones populares, de antigua tradición oral de payadores y poetas. Animada por su hermano mayor Nicanor, comenzó a rescatar, recopilar e investigar la auténtica música folclórica chilena y a realizar recitales en las universidades. En 1954, en Radio Chilena tenía un programa "Canta Violeta Parra";  recibió el Premio Caupolicán a la folclorista del año, por el cual fue invitada al festival de Varsovia, en Polonia.

Viajó a varios países de Europa donde realizó varias actuaciones y en París en 1956 grabó el primer  álbum de la colección "El folclore de Chile". De regreso a su país su actividad artística se multiplicó: siguió componiendo y grabando discos, cantaba valses peruanos, corridos mexicanos, boleros, pero sobre todo temas sociales y canciones tradicionales del campo chileno. Su espíritu inquieto y su creatividad la llevaron hacia la cerámica, pinturas al óleo y arpilleras. Fue designada directora del museo de Arte Popular de la Universidad de Concepción, luego viajó por todo Chile, dando cursos de folclore y recitales.

Combate Naval I - 1964 Tapiz

Volvió en la década de 1960 a Europa, viajó por varios países, donde realizó una serie de conciertos, difundiendo el folclore chileno; en París organizó en 1964, una exposición individual de su obra plástica en el Museo del Louvre, la primera realizada por un artista latinoamericano. Artista plástica, ceramista, confección de tapices, pintora, en cada actividad que realizaba ponía toda su energía y entusiasmo.  Investigadora y difusora del folclore chileno, compositora prolífera, sabía trasmitir en sus poemas, la injusticia social y la denuncia, los dolores y las alegrías del pueblo campesino, que tomaba como propios.

Mujer generosa, de gran sensibilidad, cariñosa y alegre, sufría períodos de depresión y se volvía exigente y dominante. En 1965 retornó a Chile y se instaló en una gran carpa donde quería crear un centro de cultura folclórica. Dos años más tarde, en 1967,  a los 49 años, tras una fuerte depresión, Violeta Parra se suicidó. Su gran legado (numerosos discos, libros de poesía, pinturas de arpilleras y óleos, cerámicas) es patrimonio de la Fundación Violeta Parra, creada en 1991 y presidida por su hija Isabel Parra, para rescatar y preservar la obra de esta artista universal.

Gran cantidad de sus canciones han sido interpretadas por sus hijos y por numerosos artistas internacionales: Oscar Chávez (México), Mercedes Sosa y Alberto Cortez (Argentina), Joan Baez (Estados Unidos), Joan Manuel Serrat (España), Robert Wyatt (Inglaterra), entre muchos otros.

En 1992 Violeta Parra fue oficialmente reconocida en Chile, cuando en el Centro Cultural Estación Mapocho, se realizó por primera vez una retrospectiva de su trabajo visual, exponiendo más de 40 cuadros y tejidos. .En 1998 se le otorgó como homenaje póstumo la medalla "Gabriela Mistral".  En el año 2009 se realizó una muestra en el Centro Cultural Palacio La Moneda.  Años después el día de su nacimiento, el 4 de octubre, también fue elegido como Día Nacional de la Música en Chile.

Fuentes y Bibliografía
https://es.wikipedia.org/wiki/Violeta_Parra
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2063/Violeta%20Parra