martes, 5 de noviembre de 2019

Siglo XX - Carmen Argibay

            Breve Biografía de Carmen Argibay

Carmen María Argibay nació en 1939 en Buenos Aires. Activista, abogada y primera jueza argentina de un gobierno democrático. 

Era la tercera hija entre siete hermanos del matrimonio de Manuel Argibay Molina, médico y Ana Rosa Huergo, pianista y profesora de inglés. El Dr. Manuel había sido Ministro de Salud desde 1955 a 1958 durante el gobierno de facto de Pedro Aramburu, lo que influyó en Carmen para no aceptar ningún gobierno autoritario. Estudió en un colegio de monjas alemanas y en 1964 se recibió de abogada en la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires.

Siendo aun estudiante comenzó a trabajar en el Poder Judicial y fue ascendida en otros juzgados públicos; por concurso ingresó en 1968 como docente en la Facultad de Derecho y luego Profesora Adjunta Interina, en 1973. Fue directora de la “Obra Cultural Gratuita para Empleadas, Obreras y Jubiladas” desde 1964 a 1989 en la Asociación Biblioteca de Mujeres de la República Argentina. 

Tras el golpe de estado que dio origen a la dictadura militar (1976-1983), Carmen fue expulsada de su cargo; estuvo presa varios meses, por haber escondido en su casa a perseguidos políticos. Desde 1930 Argentina sufrió varias interrupciones de la democracia, pero esta dictadura fue conocida como terrorismo de Estado: secuestros, torturas, asesinatos y desapariciones forzadas fueron las atrocidades cometidas en ese periodo.

Luego de ser liberada, Carmen muy decidida, regresó a la actividad privada como abogada. Al llegar la democracia volvió a la docencia por diez años más. En el gobierno democrático de Raúl Alfonsín (1927-2009), presidente de 1983 a 1989, fue nombrada jueza y en 1992 cuando se instauró el proceso penal oral, pidió el traslado a un tribunal oral. 

Con una extensa y reconocida carrera judicial fue integrante de la Asociación Internacional de Derecho Penal y miembro fundadora en 1994 de la Asociación Internacional de Mujeres Juezas, organización que presidió desde 1998 hasta el 2000. Carmen fue la primera jurista argentina en integrar el Tribunal Penal Internacional de Naciones Unidas, para juzgar crímenes de guerra y contra la humanidad. En el 2000, en el Juicio de Tokio se condenó al ejército japonés por los crímenes durante la Segunda Guerra Mundial, en el sometimiento de mujeres de distintos países a la esclavitud sexual. En el 2002 los crímenes en la ex Yugoslavia. 

Fue invitada a dar conferencias, seminarios y talleres sobre temas de Derechos Humanos, discriminación, abuso sexual de menores, violencia en diferentes contextos, también sobre corrupción. Escribió artículos o comentarios sobre los mismos. En 2005 Néstor Kirchner (1950-2010) presidente entre 2003 a 2007, la nombró ministra de la Corte Suprema. Carmen asumió como la primera mujer nominada en un gobierno democrático para integrar el más alto tribunal de justicia de Argentina. 

Muy controvertida por algunos sectores de la sociedad y particularmente por la Iglesia católica, presentaron objeciones y prejuicios a su designación: mujer soltera, ex presa política de la dictadura, atea y que apoyaba el derecho de las mujeres a decidir sobre su propio cuerpo. A los que estaban en contra de sus ideas, muy digna, les respondió: “Decir de frente lo que uno es o piensa revela honestidad, que es el primer paso para la ecuanimidad.” “Mis creencias no deben interferir en las decisiones judiciales que tome, pues por encima de mis convicciones personales, esta la ley”.

Talentosa e infatigable, defensora férrea de los derechos de las mujeres, Carmen se declaró a favor de la despenalización del aborto, derecho al aborto legal, seguro y gratuito y de una enseñanza sexual en las escuelas. 

En 2007 la jueza Carmen Argibay obtuvo el Premio de Justicia Gruber por su trabajo de igualdad de género y la eliminación de la corrupción en el sistema judicial y en 2008 el Premio Konex (diploma al mérito) como uno de los cinco jueces más destacados de la década en la Argentina. 

Por su gran trayectoria y conducta ética, a partir de 2009 creó y estuvo al frente de la Oficina de la Mujer, donde fue pionera al promover la democratización de una institución enormemente sexista y patriarcal como la justicia. Mujer inteligente, actuaba con la certeza de luchar por la igualdad de oportunidades y de que las mujeres tuvieran suficiente educación y capacitación para poder elegir por sí mismas. 

Carmen Argibay falleció en 2014; sus ideales, enseñanzas y honestidad quedan como ejemplo de vida.


miércoles, 23 de octubre de 2019

Siglo XX - Margarita Nelken

         Breve Biografía de Margarita Nelken

Margarita Nelken Mausberger nació en 1896, en Madrid. Escritora, crítica de arte, periodista y política española

Margarita nació en el seno de una familia de comerciantes joyeros de ascendencia judeo-alemana. Junto a su hermana Carmen Eva (1898-1966) recibió una esmerada educación, poco frecuente en esa época, en literatura, varios idiomas, música y pintura. Carmen Eva tomará el seudónimo de Magda Donato y será una gran escritora, periodista y actriz. A los trece años Margarita se trasladó a París a estudiar pintura, lo que le permitió años después, de 1914 a 1916, realizar exposiciones de sus obras tanto en España como en el extranjero. 

Debido a una enfermedad ocular tuvo que abandonar esa actividad, dedicándose a la crítica y divulgación de arte: ya a los quince años había publicado su primer artículo sobre una obra de Goya, para una revista de arte inglesa The Studio, y luego pasó a colaborar en distintos medios de comunicación. Transgresora y valiente, frente a una sociedad conservadora, fue madre soltera en 1915, al nacer su hija Magda y en 1920, su segundo hijo Santiago, fruto de la relación con un diplomático casado, Martín de Paul, con quien se casará en 1933, luego que él se divorciara de su esposa. 

Margarita fundó en 1919 la primera “Casa de los Niños”, una guardería laica para atender a los hijos de las madres trabajadoras, casadas o solteras, pero al no aceptar una ayuda económica de la Iglesia que exigía que estuviera bajo las órdenes de monjas, se vio obligada a cerrar. Fue crítica de arte para diversos periódicos de Madrid y del extranjero, de varios artistas y distintas épocas: Rodin, Van Gogh, Picasso, entre otros, demostrando su gran conocimiento del arte de vanguardia. Impartió conferencias y cursos de arte en museos de Madrid y de París. 

Publicó numerosos artículos sobre los grupos sociales menos favorecidos, la condición social de la mujer, el feminismo y la política. Esta luchadora, de gran calidad humana, tuvo detractores por defender a los niños huérfanos o hijos de madres solteras, por criticar la explotación de los obreros y hacer campaña a favor del divorcio y que las mujeres se liberaran de la opresión masculina. Por esa dominación masculina y por la gran influencia de la Iglesia sobre las mujeres, Margarita votó en contra del sufragio femenino en 1931, como  Victoria Kent. Pensaba que “la mujer al no tener educación, otorgaría el voto según le indicara su marido, su padre o su confesor”. En las elecciones de 1933 las mujeres votaron por primera vez.

Por su militancia y compromiso socio-político fue la única mujer que salió electa diputada por el Partido Socialista durante tres legislaturas de la Segunda República; durante la guerra civil, en 1937 pasó a las filas del Partido Comunista. Estuvo en los frentes de guerra y publicó artículos como reportera de combate.

Margarita tuvo una amplia producción literaria, autora de varios libros, ensayos y estudios feministas, se destacó por su lucha a favor de la igualdad, la libertad y la justicia. En 1919 escribió “La condición social de la mujer en España”, “La trampa del arenal” (1923), “Una historia de adulterio” (1924), “Maternología y puericultura" (1926), “Las escritoras españolas” (1930), “Por qué hicimos la revolución” (1936). 

Tras el final de la guerra civil (1936-1939), Francisco Franco (1892-1975), instauró una dictadura que duró hasta su muerte. Margarita se exilió con su hija en México, donde retomó con entusiasmo su carrera de crítica de arte y su actividad literaria. De este período son sus obras “Las torres del Kremlin” (1943), “Primer frente” (1944) y los ensayos “Carlos Mérida” (1961 sobre el pintor y escultor guatemalteco), “Un mundo eterno. La pintura de Lucinda Urrusti”, una española exiliada en México, que fue editado póstumamente en 1976. 

La muerte prematura de sus hijos llevó a Margarita a un estado de depresión, que “embrutecerme de trabajo es el único modo de no dejarme arrastrar por el dolor”. Santiago de Paul  murió en 1944 alistado en el ejército soviético, durante la Segunda Guerra Mundial y Magda de Paul  en 1956, enferma de cáncer.

Margarita Nelken se mantuvo activa como crítica de arte y periodista hasta el final de sus días; falleció en México en 1968 a los setenta y ocho años.

miércoles, 16 de octubre de 2019

Siglo XVII - Clara Peeters

                         Breve Biografía de Clara Peeters

Autorretrato - 1618
Clara Peeters nació alrededor de 1590 o 1594, no se conoce la fecha exacta, en Amberes, Países Bajos Españoles (actual Bélgica). Pintora flamenca.

No existen datos de su vida, según los historiadores, hay archivos del bautismo de Clara, en una iglesia de Amberes, como hija del pintor Jan Peeters en 1594. Otro documento encontrado menciona el casamiento de Clara Peeters, quizás la misma persona, en la misma iglesia con el pintor Henri Joosen en 1639. 

En los siglos XVI y XVII las mujeres no tenían acceso a recibir formación académica, ni podían asistir al taller de un maestro pintor, ya que les estaba prohibido observar modelos masculinos desnudos para su estudio, lo que les limitaba su aprendizaje. Además, era común que las jóvenes artistas se iniciaran en el taller de su padre; si se toman como ciertos los documentos encontrados, Clara pudo haber estudiado en su casa con su padre Jan Peeters. 

Siendo muy joven, tendría alrededor de 14 o 15 años, en 1607 apareció su primera pintura “Bodegón con galletas”; comenzó a pintar bodegones, un tipo de pintura que empezaba a surgir en los primeros años del siglo XVII. Está considerada como una de las precursoras de la naturaleza muerta o bodegón en los Países Bajos, durante la Edad Moderna. Se supone que Clara ha podido vivir en Amsterdam y La Haya, ya que muestra evidencia de las influencias de otros pintores holandeses de bodegones. 

Bodegón con flores y copa dorada 1611
Fue una innovadora y delicada artista, con un estilo realista, muy novedoso en su tiempo; sus bodegones muestran una detallada información sobre la lujosa vajilla que se usaba y los alimentos que se consumían en los hogares de las clases aristócratas: frutas, aves, pan, sal, pescados, mariscos, varios tipos de quesos y aceitunas, muchos eran alimentos importados. 

Hacia 1611 se puede apreciar más destreza y madurez en la imitación de texturas, como la mesa con los manteles y los bodegones de flores, en el manejo de espacio e iluminación, con fondos oscuros. En los llamados “bodegones dulces o de confitería” se pueden ver almendras, pasas, higos, panecillos, galletas y dulces de mazapán. 

En seis de sus obras incluye el mismo cuchillo, que puede haber sido suyo, colocado siempre en un lugar destacado del cuadro y en el mango se ve su firma en mayúscula: “CLARA PEETERS”. Varias composiciones de Clara incluyen halcones y gavilanes: el arte de la cetrería estaba asociada a la realeza y la alta nobleza. Meticulosa en el detalle, esta
Bodegón con flores y
lámparas-  1612
talentosa pintora, incluyó su autorretrato en jarras y copas: su imagen se ve reflejada hasta siete veces en un tamaño diminuto, con la paleta de colores en la mano. 

Su producción artística fue prolífica, entre 40 a 50 obras, aunque la realizó en un plazo muy breve, de 1607 a 1621. Sobre su muerte no hay ninguna información, pero se toma la fecha de su última obra conocida, después de 1621.

Clara Peeters fue la primera mujer pintora a la que el Museo del Prado, en Madrid, en octubre de 2016, le dedicó una exposición y la primera que se le dedica a nivel mundial. “El arte de Clara Peeters”, un conjunto de 15 bodegones de esta pintora flamenca.

sábado, 12 de octubre de 2019

Siglo XX - Serafina Quinteras

                 Breve Biografía de Serafina Quinteras

Serafina Quinteras, seudónimo de Esmeralda Gonzáles Castro nació en 1902 en Lima. Escritora, poetisa, periodista y compositora peruana

Esmeralda era hija de dos poetas reconocidos Nicolás Augusto Gonzáles Tola (1858-1918) y Delia Castro Márquez (1874-1939). Creció en un ambiente muy culto y fue influenciada por las reuniones en su casa de poetas y políticos. Desde joven alternaba en el periodismo con poemas y sátiras versificadas, utilizaba varios seudónimos, hasta que se identificó como Serafina Quinteras. Colaboró en diversas revistas y diarios: El Comercio, La Crónica, Buen Humor, entre otros. 

Su prima hermana Emma Castro Pervuli adoptó el seudónimo de Joaquina y juntas iniciaron una trayectoria musical componiendo música criolla y cantando, bajo el nombre de “Dúo Joaquina y Serafina Quinteras”. Serafina era autora de los sainetes y las letras de las canciones, mientras que Emma era la compositora musical y tocaba el piano: fue autora de las melodías de “El Ermitaño”, “Muñeca Rota”, “Todo y Nada”, entre otras, que lograron los mayores éxitos del dúo. En las radios de la capital peruana, cuando se presentaban a cantar eran conocidas como “Las hermanas Quinteras”. 

Cantautora y poetisa, Serafina, recopiló sus canciones por la década de 1940 en “El cancionero de Lima”; con gran ingenio y sabiduría, sabía extraer las costumbres limeñas y las volcaba en una columna humorística llamada Romance de Cartón en el diario El Comercial. Fue autora de dos libros humorísticos: en 1951 se editó “Así hablaba Zarapastro” y en 1955, “De la Misma Laya: Antología de Costumbristas y Humoristas Peruanos” con historias de la Lima colonial y republicana del siglo XIX, que han tenido varias ediciones. Serafina fue una de las fundadoras en 1952 de la Asociación Peruana de Autores y Compositores (A.P.D.A.Y.C). 

Ha colaborado con otros compositores creando la letra de varios temas, como “Decepción“, “Lima de Siempre”, “Mi Primera Elegía”, “El Amor en un Hilo”, entre muchos otros. En 1963 año de las elecciones parlamentarias, compuso como sátira a los políticos, el vals “Parlamanía”: “los que prometen el oro y el moro y al llegar nunca hacen nada…no defraudaremos la fe popular, haremos casas de ochenta pisos, ómnibus nuevos, más de cien mil…”. Estuvo casada con el escritor y periodista Alberto Varela Orbegoso (1885-?) y tuvieron cuatro hijos, Raúl Alberto (1924-2007) escritor y director teatral, Blanca (1926-2009) gran poeta peruana, Nelly y Maruja. 

En 1989 se editó el cancionero “Cuarenta años después” con letras de sus composiciones y un año más tarde, “Cajón de Sastre”. Serafina Quinteras fue autora de libretos para radio y televisión; muchas de sus creaciones se presentaron en el Teatro de Comedias y fueron aplaudidas y disfrutadas por el público. La comedia “Callejón” de Serafina fue dirigida en 1994 por su hijo Raúl, en el Teatro Segura con gran éxito. 

Gran compositora y poetisa limeña, por su trayectoria y su fino humor ha sido elogiada y premiada: recibió el Premio del Concurso de Poesía en 1953; en 1996 la Medalla de Oro del Consejo Nacional de Mujeres y en el año 2000 la Orden El Sol del Perú en el grado de Gran Oficial

Serafina Quinteras o Esmeralda Gonzáles falleció en el año 2004 a los 101 años de edad. Sus cenizas fueron esparcidas alrededor del Puente de los Suspiros.


viernes, 4 de octubre de 2019

Siglo XX - Amalia de la Vega

                 Breve Biografía de Amalia de la Vega

Amalia de la Vega, nombre artístico de María Celia Martínez Fernández, nació en Melo, departamento de Cerro Largo en 1919. Compositora y cantante folklórica uruguaya. 

Hija de un militar, el coronel Luis Martínez y Ema Fernández, María Celia tenía tres años cuando su familia se trasladó a Montevideo debido al trabajo de su padre; un año después su padre murió. Aprendió a amar todo lo nativo, pues su madre cantaba los versos criollos de Elías Regules (1861-1929) e iba con frecuencia a Melo. Empezó a cantar sola en su casa y luego en reuniones familiares; con su grupo de amigos iba a festivales benéficos a cantar. No tenía un modelo de cantante a seguir, pero la única voz que influyó en ella fue la de Carlos Gardel (década de 1880-1923) quien cantaba cifras y estilo con guitarra criolla antes de cantar tangos.

Años más tarde, María Celia hizo su debut en 1942, a los 23 años, en las fonoplateas de Radio El Espectador y Radio Carve, tomando como seudónimo Amalia de la Vega.  Fue autora de letras y músicas de varias canciones, pero se destacó en la creación de melodías con las que musicalizó textos ajenos. El músico Walter Alfaro fue el promotor de su carrera y compositor de muchas de sus canciones.

Amalia de la Vega se destacó como cantante clásica y popular. En una entrevista comentó que nunca estudió canto; su voz era natural, fresca y espontánea, tenía un registro de voz de mesosoprano y una dicción clara; la melodía estaba definida en cada tema, cantaba con las guitarras criollas, otras veces con acompañamiento orquestal, dirigida por el maestro Federico García Vigil y otras acompañada de arpa y piano. Precursora del canto y de la música criolla, en su repertorio se encuentran las raíces de la música autóctona de nuestro país: la tapera, el mate amargo, la carreta, el caballo, el peón rural, el gaucho, los pájaros. Era tímida, pero exigente y de fuerte personalidad, tenía buen gusto para seleccionar e interpretar su repertorio a través de las milongas, las cifras y las vidalitas.

Musicalizó poemas gauchescos de varios poetas uruguayos como Bartolomé Hidalgo (1788-1822), Serafín J. García (1905-1985), Fernán Silva Valdés (1887-1975), Tabaré Regules (1889-1962), Osiris Rodríguez Castillos (1925-1996) y de Juana de Ibarbourou (1892-1979). Ampliaba el repertorio con temas argentinos y chilenos, con otros ritmos  

Su talento artístico trascendió las fronteras del país y recorrió con su voz y junto a guitarristas criollos de renombre, los escenarios de Argentina, Brasil y Chile. Grabó más de cien discos simples y de larga duración, entre ellos: “Amalia la nuestra”, “Manos ásperas”“Poetas nativistas orientales”, “Mate amargo” y “Juana de América”.  Recibió el cariño del pueblo que la llamaba “Primera dama del folklore oriental” o “Primera dama de la canción nativa”.    

Esta exquisita intérprete cantó en televisión en Canal 5 y Canal 10, pero no se sentía cómoda frente a las cámaras, prefería estar con sus guitarristas grabando en la soledad de los estudios. Cosechó elogios a lo largo de su brillante trayectoria, fue un referente y ha servido de inspiración a muchos músicos. 

Amalia de la Vega, virtuosa y tenaz difusora del canto nativista, recibió en el festival de Durazno, el Charrúa de Oro en 1974. Dejó de cantar definitivamente en 1985 y falleció en el año 2000, a los 81 años. 

Este octubre de 2019 en el Día del Patrimonio se homenajea su legado y su vida bajo el título: “La música del Uruguay: 100 años de Amalia de la Vega”.


martes, 1 de octubre de 2019

Siglo XVIII - Sophie Blanchard

                                 Breve Biografía de Sophie Blanchard

Marie Madeleine Sophie Armant de Blanchard, más conocida como Sophie Blanchard, nació en 1778, cerca de La Rochelle, sobre la costa atlántica, Francia. Primera mujer aeronauta profesional. 

No hay datos sobre sus primeros años de vida. Tampoco se sabe con exactitud la fecha de su casamiento, aunque muchos historiadores señalan que en 1804, a los veintiséis años se casó con Jean Pierre Blanchard (1753-1809) pionero de la aeronáutica profesional de la historia. Luego de ser el primero en volar en globo sobre Estados Unidos, Alemania y Polonia, en 1785 Jean Pierre junto al físico estadounidense John Jeffries (1744-1819), realizó un exitoso viaje al atravesar el Canal de la Mancha, en un globo de hidrógeno, desde Dover (Inglaterra) a Calais (Francia). 

Sophie se convirtió en una entusiasta artista del globo aerostático. Con su esposo cruzó el Canal de la Mancha en dirección opuesta desde Calais a Dover. Y en 1805 fue la primera mujer en hacer su primer vuelo en globo en solitario. La pareja continuó haciendo vuelos en globo. Durante un ascenso en La Haya, Holanda, Jean Pierre Blanchard sufrió un ataque cardíaco, cayó de su globo y falleció en 1809. 

Al quedar viuda, Sophie debía saldar las deudas de su esposo y lo único que tenía eran los globos aerostáticos. Para ganarse la vida, se convirtió en aeronauta profesional y se especializó en vuelos nocturnos; volaba sola realizando trucos artísticos en un columpio debajo del globo, otras veces ejerciendo el paracaidismo con perros. El emperador Napoleón I (1769-1821) la nombró “Aeronauta Imperial”, siendo responsable de organizar exhibiciones en festivales. Tras la abdicación de Napoleón, en 1814 se restauró la monarquía y asumió Luis XVIII (1755-1824). Sophie ascendió en su globo al Pont Neuf como parte de los festejos y el Rey la convirtió en “Aeronauta Oficial de la Restauración”

Llegó a realizar casi setenta ascensos en sus coloridos globos aerostáticos, con acompañamientos de fuegos artificiales. Pagó todas sus deudas y logró reconocimiento por su valentía. Esta audaz mujer, desafiaba los vientos para volar por los cielos y demostrando su habilidad y destreza, fue conocida en toda Europa por sus proezas. Como era pequeña y ligera, podía reducir la cantidad de gas para inflar el globo y en 1811 llegó a elevarse a 3.600 metros de altura en un viaje desde Roma a Nápoles. 

En 1819 Sophie hizo un ascenso nocturno sobre los Jardines de Tivoli, en París, con el objetivo de lanzar fuegos artificiales desde el aire, pero poco después de subir, sopló un fuerte viento y el globo comenzó a arder. Al estallar en llamas, hizo un brusco aterrizaje en el techo de una casa y Sophie Blanchard murió. Fue la primera mujer en fallecer en un accidente aeronáutico, tenía 41 años. 

Sus restos descansan en el cementerio de Père Lachaise y en su lápida fue grabado el epitafio: “Víctima de su arte y de su intrepidez”.

domingo, 29 de septiembre de 2019

Siglo XIX - Victoria Benedictsson

      Breve Biografía de Victoria Benedictsson

Victoria Benedictsson, más conocida por su seudónimo Ernst Ahlgren, nació en 1850, en una zona rural al sur de Suecia. Destacada escritora y feminista. 

Nacida como Victoria María Bruzeluis fue la tercera hija de Helena Sofía y el granjero Thure Bruzelius. Su madre le enseñaba idiomas y textos religiosos, en cambio con su padre aprendió a montar y exploraba la vida al aire libre. Desde niña le gustaba pintar y desarrolló un gran talento, soñaba en convertirse en artista; a los dieciséis años quiso ir a estudiar pintura a Estocolmo, pero sus padres le negaron el permiso. Según los prejuicios de la época, una joven de buena familia no podía vivir sola con la libertad de una artista. Pintaba sola, haciendo pinturas al óleo y en vidrio, también fue una segadora experta en siluetas.

Angustiada por no poder estudiar, se casó en 1871 con el director del Banco en Hörby, Christian Benedictsson, un viudo con cinco hijos y veintiocho años mayor que ella. Se trasladaron a Hörby donde Victoria tuvo a su hija Hilma (1873-1931). No era feliz en su matrimonio, se sentía encerrada en su hogar, aislada en ese pueblo; vivía con profunda melancolía y empezó a escribir cuentos y pequeñas narraciones. En 1881 sufrió una lesión en la rodilla que le obligó a guardar cama durante dos años y en ese tiempo comenzó a escribir su Diario, donde exponía su rebeldía, su espíritu atormentado y sus gritos de dolor. 

En 1880 hubo un gran debate en los países escandinavos sobre los derechos de la mujer, lo que motivó como reflejo un realismo literario conocido como The Modern Breakthrough: un gran número de mujeres suecas debutaron como escritoras y tomaron conciencia de la injusticia secular de que habían sido objeto. Entre ellas estaba Alfhild Agrell (1849-1923), Anne Charlotte Leffler (1849-1892),  Ellen Key  (1849-1926), pero se destacó Victoria como la escritora realista más importante. Todas escribían sobre las condiciones sociales involucrándose en los problemas de su tiempo, sobre las desigualdades del matrimonio y la opresión de las mujeres.

Victoria debutó como escritora en 1884 con el seudónimo masculino de Ernst Ahlgren, y la publicación de sus cuentos sobre escenas de la vida rústica del pueblo “Frän Skäne”(=Desde Scania). Le siguió “Pengar”(=Dinero) en 1885, novela semi-autobiográfica que obtuvo gran éxito. Viajó a Estocolmo y a Copenhague, donde frecuentó los círculos literarios escandinavos. Pero al volver a Hörby reaparecían sus angustias y su idea del suicidio.

Entre los años 1886-1888 pasó largos períodos en Copenhague donde se enamoró del reconocido crítico literario Georg Brandes (1842-1927) con quien mantuvo una relación amorosa. Victoria expresó su admiración hacia Brandes publicando un artículo en el periódico Hemvännen, lo que le hizo perder el apoyo feminista, pues no todas las mujeres lo admiraban tanto como ella. 

Con la esperanza de tener una opinión favorable de Brandes,  escribió en 1887 su gran novela “Fru Marianne” (=Sra. Marianne), pero fue el hermano de Georg, Edvard Brandes quien publicó la critica juzgándola como una “novela de mujeres” y ese juicio injusto contribuyó más a su depresión. A principio de 1888 Victoria se convirtió en la primera mujer en recibir una beca de la Academia Sueca. 

Contrariamente a la imagen de mujer deprimida, su vitalidad intelectual durante esta década, fue muy productiva, publicó novelas, dos colecciones de cuentos, varias obras de teatro y artículos periodísticos. “Cuentos populares y pequeñas historias”(1887), “Madre” y “Teorías” (1888), entre otras. 

Su corta vida terminó trágicamente. En julio de 1888, en su tercer intento de suicidio, a los treinta y ocho años, Victoria Benedictsson se quitó la vida en su habitación del hotel de Copenhague, dejando una desgarradora carta de adiós. 

Las obras "Ur mörkret" (=De de la Oscuridad) y  "Den bergtagna" (=El embrujado), fueron publicadas póstumamente, ese mismo año, por su amigo escritor Axel Lundegärd (1861-1930). Su correspondencia y su “Diario” (1882-1888) debían abrirse cincuenta años después de su muerte, donde escribió extensamente sobre su complicado e infeliz amor con Georg Brandes. 

Tras varios años de silencio, hacia 1930 comenzaron a estudiar y a debatir sobre el extenso patrimonio literario de Ernst Ahlgren o de Victoria Benedictsson y en 1938, cincuenta años después de su muerte, se erigió un busto en Ernst Ahlgrensparken, Hörby. Todo su legado se conserva en la Biblioteca de la Universidad de Lund, Suecia.

martes, 10 de septiembre de 2019

Siglo XX - Dora Maar

          Breve Biografía de Dora Maar


Dora Maar, seudónimo de Henriette Théodora Markovitch, nació en 1907 en la ciudad francesa de Tours. Artista  plástica,  pintora  y  fotógrafa francesa.

Hija de una violinista francesa y de un arquitecto croata, la familia se trasladó en 1910 a Argentina, donde su padre dirigió varios proyectos, tanto en Buenos Aires como en Colonia, Uruguay; en esta última ciudad realizó la Plaza de Toros del Real de San Carlos. Aunque pasó una infancia solitaria, leía mucho en inglés y en su casa se hablaba francés y español.  

Henriette regresó a Francia a los veinte años y se instaló en París, donde comenzó su formación artística en la Escuela de Artes Decorativas además de estudiar en la academia del pintor cubista André Lhote (1885-1962). Continuó en la Escuela de Fotografía, y con Henri Cartier- Bresson (1908-2004), quien la animó a convertirse en fotoperiodista. Cambió su nombre a Dora Maar y se estableció como fotógrafa profesional junto al fotógrafo y escenógrafo Pierre Kéfer, realizando proyectos comerciales y publicitarios.

Poco después, en 1934 Dora abrió su propio estudio fotográfico para profundizar su exploración de la fotografía. Inteligente y de carácter independiente, esta fotógrafa vanguardista, realizó fotografías de modas, retratos, desnudos, paisajes y fotomontajes, con gran influencia del surrealismo. Esta expresión artística que apareció en París hacia 1924, rechazaba las normas establecidas, para lograr mayor espontaneidad y libertad creativa. 

"29 Astorg Street", 1936
Prolífica artista de gran talento, entusiasta y llena de vitalidad, Dora experimentó con varias técnicas, como el collage, el frottage (=frotamiento), el desenfoque, retratos y paisajes en blanco y negro. Preocupada por los temas sociales, recorrió las calles de París, Londres y Barcelona, donde el lente de su cámara captó la pobreza, la cruel realidad de lisiados, mendigos y marginados, que luego reaparecían en sus montajes surrealistas, representando el mundo enigmático de los sueños: manos emergiendo de una concha de caracol, una figura humana con cabeza de ave, entre otros. Comprometida políticamente, se convirtió en una tenaz activista de izquierda, lo que la relacionó con otros grupos de activistas.

Frecuentó a reconocidos artistas e intelectuales de toda Europa, donde era considerada una talentosa fotógrafa. Sus obras fueron admiradas y publicadas en las mejores revistas, libros y catálogos surrealistas. Su producción artística tenía cada vez más éxito y en 1936 Dora participó en la Exposición Internacional Surrealista en Londres, con su fotografía “Retrato de Ubu”; su sentido del humor negro y macabro se reflejó en esta obra: un monstruo con las orejas caídas, que parecía
"Retrato de Ubu" -1936
salido de un sueño o una pesadilla.

Ese mismo año, Dora con 29 años conoció a Picasso de 55 años y su vida cambió. Pablo Picasso (1881-1973) ya era el famoso e innovador pintor del siglo y tenía una lista de varias mujeres amadas e infelices. Cuando se aburría de una mujer, la reemplazaba por otra.

Dora y Picasso vivieron durante casi diez años un amor tormentoso: al principio fue su modelo, su hermosa musa, luego la utilizó y le exigió un amor sumiso e incondicional: quedó para siempre como un ser torturado y angustiado, en la serie del pintor “La mujer que llora”. Picasso menospreciaba el talento de Dora como fotógrafa y la alentó para que se dedicara a pintar. 

En 1937, mientras Picasso trabajaba en su gran obra "El Guernica", Dora documentó su trabajo en varias etapas, pero la relación era de una continua humillación y desprecios: para el “genio” había dos tipos de mujeres, “las diosas y las que servían de felpudo”. Picasso era un machista cruel, egocéntrico y violento y muchas veces la dejaba inconsciente en el suelo después de golpearla. Seguía teniendo otras jóvenes amantes lo que llevó a Dora, mujer sensible, a una profunda depresión y por un tiempo, tuvo que ser internada en una clínica psiquiátrica.

En 1946 la relación terminó y su vida quedó destruida, Dora vivió casi aislada, sin contacto con sus amigos; se convirtió en católica devota y nunca volvió a la fotografía. Se dedicó a pintar bodegones y paisajes abstractos y aunque continuó trabajando hasta su muerte, se negó a exponer sus obras. Tras la separación del pintor, Dora dejó de existir para el mundo como fotógrafa, solo se la recordaba como la amante de Picasso. 

Vivió recluida más de cuarenta años, Dora Maar falleció sola, en París, en 1997, a los 90 años. En su casa los historiadores de arte encontraron todos los recuerdos que tenía de Picasso: más de cien cuadros del pintor, dibujos y trozos de periódicos que ella atesoraba como reliquias. 

En junio de 2019 el Centro Pompidou de Paris realizó una retrospectiva de la obra de Dora Maar, con más de 400 piezas y documentos, algunos creados hace más de ochenta años, y que dejan la impronta de una gran artista.

domingo, 25 de agosto de 2019

Siglo XX - Mahasweta Devi

                  Breve Biografía de Mahasweta Devi

Mahasweta Devi nació en 1926 en la ciudad de Daca de la India, en la provincia de Bengala (actual Bangladés). Destacada escritora, periodista y activista social india-bengalí. 

Fue la mayor de nueve hijos en una familia bengalí de clase privilegiada y muy intelectual. Su padre Manish Chandra Ghatak (1902-1979) fue un reconocido poeta y escritor y su madre Dharitri Devi (1908-1984), escritora, traductora y trabajadora social que dedicaba gran parte de su tiempo a promover la alfabetización de los niños desfavorecidos. Entre sus tías y tíos hay artistas, periodistas, actores y cineastas, un director de cine y un escultor, cada uno destacado en su profesión. 

Sus padres inculcaron a Mahasweta el amor por la lectura: leía a autores como Charles Dickens, Honoré de Balzac y Antón Chéjov, también los clásicos bengalíes como Mukundaram Chakrabarty (nacido alrededor de 1540 hasta los primeros años del siglo XVII), conocido como Kavikankan donde exponía en sus escritos críticas a la sociedad del siglo XVI. También tenía interés por la música, el teatro y las películas. 

Mahasweta se educó en la Escuela de Niñas Misioneras Medinipur en Bengala Occidental, más tarde en la escuela secundaria en Santiniketan. En Santiniketan (a partir de 1921 se llamó Visva-Bharati= India en el mundo) se impartía una educación que Rabindranath Tagore (1861-1941, Premio Nóbel en 1913) había iniciado en 1901: estudiantes de varios países y estudios independientes, de literaturas y artes, lejos de las tradiciones. Luego de unos años en la Universidad de Calcuta, donde realizó un doctorado en literatura inglesa, regresó a Santiniketan para obtener una licenciatura con altos honores en 1946. 

India estuvo bajo el régimen del gobierno colonial de la Corona Británica entre 1858 y 1947 y durante la Segunda Guerra Mundial hubo una gran agitación en el país. En 1942 el Congreso Nacional Indio había votado la expulsión de los británicos, pero eso condujo al arresto de varios nacionalistas, entre los que se encontraba el tío de Mahasweta, el escultor Sankho Chaudhuri (1916-2006), Mahatma Gandhi (1869-1948) y Jawaharlal Nehru (1889-1964) entre otros. Fue una época de gran hambruna y disturbios; finalmente en 1947 India logró la independencia del Imperio Británico, pero el país se dividió en dos, India y Pakistán. Bengala también fue dividida, Bengala Occidental (India) y Bengala Oriental bajo dominio de Pakistán; muchas familias quedaron separadas. En 1971 Bengala Oriental se independizó y formó la República de Bangladés. 

Luego de la graduación, y en contra de la opinión de su familia, Mahasweta se casó en 1946 con el actor y dramaturgo Bijon Bhattacharya con quien tuvo un hijo Nabarun (1848-2014). Bijon era miembro del Partido Comunista de la India; luego de la independencia del país, los comunistas fueron hostigados y no pudieron encontrar trabajo.

Mahasweta trabajó como periodista y durante veinte años, desde 1964 fue profesora de literatura inglesa; en 1956 publicó su primera obra “Jhansir Rani” (La Reina de Jhansi), sobre la vida de la Rani Lakshmi Bai. Tras la gran aceptación que tuvo la novela, comenzó un período fructífero en su escritura: “Nati” (1957), “Madhurey Madhur” (1958), "Jamuna Ki Teer" (=Flecha de Jamuna, 1958), “Etotuku Asha” (=Tanta esperanza, 1959), todos mostraban las realidades sociales que sufrían los pueblos marginados. 

En 1962 se divorció de Bijon, dejando a su hijo de catorce años con su padre. Poco después, en 1965 se casó con el escritor Asit Gupta; comenzó a viajar por diferentes zonas rurales de la India para conocer las sociedades tribales de esas regiones. Estudió a los Lodhas y los Sabars, comunidades tribales de Bengala occidental, ocupándose de las mujeres parias (=intocables o dalits), la clase más discriminada y la que realizaba los trabajos más marginales. Mahasweta se inspiró en estos pueblos tribales para describir en sus obras, con honestidad y realismo, la explotación y opresión que sufrían de parte de los terratenientes de castas superiores y de funcionarios corruptos. 

Incansable luchadora, alternó la literatura con periodismo y activismo social: ha realizado artículos e investigación examinando auténticos documentos, materiales recopilados del folklore, de mitos y leyendas para distintas publicaciones en inglés y bengalí donde abordó temas como las atrocidades policiales, las fallas en programas de gobierno, el desempleo y la necesidad de proteger y fomentar los idiomas y la identidad tribales. 

Ha fundado diversas organizaciones con el objetivo de defender los derechos de las tribus y promover su bienestar material y cultural, con enseñanzas de artesanía y agricultura y proyectos de alfabetización. Ha hecho suya la causa de las tribus, fue la voz de los oprimidos y su reputación como defensora se ha extendido por todo el país. La llamaban con cariño Didi (=Hermana mayor). 

Mahasweta ha viajado a Francia, Alemania y Estados Unidos en programas de intercambios culturales, asistió como profesora visitante e impartió charlas y conferencias. Su prolífica obra,- ha escrito más de 100 novelas y numerosas colecciones de cuentos, principalmente escritos en bengali, - ha sido traducida al inglés, francés, italiano y japonés y a los distintos idiomas tribales como el malayalam, hindi, marathi, gujaratí, entre otros.

Mahasweta ha ganado varios honores literarios, el Premio Sahitya Akademi (Academia Nacional de Letras de la India en 1979); Premio Jnanpith en 1996 que donó a la sociedad de bienestar tribal que dirigía. Premio Padma Vibhushan (2006); Banga Bibhushan (2011) entre otros. También fue galardonada en 1986 con el Premio Padma Shri por su trabajo activista entre las comunidades tribales. 

Mahasweta Devi, una de las escritoras más destacadas de la India, falleció en 2016, a los 90 años, dejándonos un legado de compasión, igualdad y justicia para los trabajadores más explotados y los grupos tribales.

sábado, 17 de agosto de 2019

Siglo XVI - Caterina Assandra

                        Breve Biografía de Caterina Assandra 

 Caterina Assandra nació en Pavía, en la década de 1580. Compositora italiana y religiosa. 

No hay información de los primeros años de su vida. Caterina compuso una serie de motetes y diversas composiciones para órgano. El motete es una composición musical breve, para ser cantada en las iglesias y sus temas son comúnmente bíblicos; se cantaba a capela, es decir, música vocal, sin acompañamiento instrumental. Estudió contrapunto con Benedetto Re, exiliado católico alemán, uno de los mayores maestros, entre 1606 a 1626, de la Catedral de Pavía. El contrapunto es una técnica de improvisación y composición musical, de la época barroca, que se mueven independientes, pero guardan una relación armoniosa entre ellas.

El talento musical de Caterina, al inicio de su carrera, fue notado por el editor Lomazzo, en la dedicatoria de las obras de Giovanni Paolo Cima (1570-1622) compositor y director de música de Milán. En 1607 Giovanni dedicó una parte de su ópera a Caterina: “A la muy excelente y más virtuosa dama Caterina Assandra”.

En 1609 Caterina entró en el monasterio benedictino de Sant´ Agata, en la región lombarda del norte de Italia, donde hizo votos como religiosa y adoptó el nombre de “Ágata”. Allí continuó componiendo muchas obras, entre ellas se destacan: “Motete a dos y tres voces, op. 2, dedicado al obispo de Pavía en 1609; “O salutaris hostia”; “Duo Serafines” escrito para tres voces; “Salve Regina” motete para ocho voces en 1611, entre otros. 

A pesar de las restricciones que las autoridades eclesiásticas imponían a la música dentro de los conventos, Caterina se hizo famosa tanto como organista como compositora y su reputación se extendió fuera de las fronteras de Italia. Su obra fue innovadora y fue la primera monja italiana en publicar una colección completa de composiciones musicales en Italia y Alemania. Sus motetes fueron los primeros en el estilo romano en ser publicados en Milán y el motete, “Audite verbum Dominum”, para cuatro voces, publicado en 1618, es el último que se conoce de su autoría. 

No hay datos de la fecha de su muerte.

lunes, 29 de julio de 2019

Siglo XIX - Rosa Bonheur

         Breve Biografía de Rosa Bonheur

Marie Rosalie Bonheur, más conocida como Rosa Bonheur, nació en 1822 en Burdeos. Pintora, escultora e ilustradora francesa.

Hija mayor de una familia de artistas, se crió en una zona rural, donde tenían varios animales. Su madre, Sophie Marqués (1797-1833) profesora de música, le enseñó el alfabeto dibujando animales junto a cada letra, lo que influyó en su amor por la naturaleza. Su padre Raymond Bonheur (1796-1849) un exitoso pintor paisajista y retratista, estuvo involucrado en la sociedad utópica del filósofo Henri de Saint Simón (1760-1825) que defendía la igualdad absoluta, social e intelectual de mujeres y hombres y la abolición de las distinciones de clase, entre otros objetivos. 

Raymond se dedicó a la enseñanza como profesión en París, ciudad a la que la familia se trasladó en 1828. Rosa y sus hermanos comenzaron desde muy niños su formación artística en el taller de su padre. Auguste (1824-1884) quien se convertirá en pintor de paisajes y de animales, Isidore (1827-1901) en escultor y la más joven Juliette (1830-1891) también pintora de animales. Rosa copiaba ilustraciones de libros, dibujaba animales domésticos: caballos, ovejas, vacas, cabras y más tarde, a los catorce años, fue admitida en el Louvre como copista de obras maestras. Aunque estas copias fueron rápidamente vendidas, su padre la alentaba a desarrollar su talento en el dibujo y la pintura realistas.

Como la Escuela de Bellas Artes no aceptaba alumnas mujeres, Rosa perfeccionó sus técnicas en el taller del pintor León Cogniet (1794-1880) que dirigía un taller de pintura solo para mujeres. Amante de los animales, tuvo que pedir en 1852 un permiso a las autoridades para que le permitieran vestirse de hombre (usar pantalones) para poder frecuentar las ferias de caballos y los mataderos de París, lugares muy “masculinos”, con el fin de estudiar la anatomía y osteología de los animales. De fuerte personalidad, se cortó el cabello, fumaba cigarrillos en público y era llamada “marimacho”, eso no le afectó y siguió usando ropa masculina por el resto de su vida. Frecuentaba el Instituto Nacional de Veterinaria donde diseccionó animales y realizó estudios detallados que utilizó como referencias para sus pinturas y esculturas. 

Expuso sus obras con gran éxito en el Salón de París desde 1841, con 21 años, hasta 1853; al principio de su carrera también exhibió esculturas en el Salón, pero decidió abandonar esto ya que su hermano Isidore era un talentoso escultor. El tema principal de sus pinturas fueron los animales: zorros, perros, leones, ciervos y también algún ser humano siempre acompañado de un animal. Con dedicación y una extraordinaria precisión representaba a todo tipo de bestias, lo que la convirtió en una pintora importante de la escuela Realista y Naturalista. 

Durante más de cuarenta años, desde la adolescencia, Rosa mantuvo una relación amorosa con Nathalie Micas (1824-1889) también pintora. Tras la muerte de Raymond Bonheur en 1849, Rosa y su hermana Juliette ocuparon el cargo de directoras de la Escuela Gratuita de Diseño para las Jóvenes Mujeres, que su padre había fundado. Además abrió su propio estudio con su compañera Nathalie Micas. 

"La Feria de Caballos" (1853)
Su fama de artista traspasó fronteras y viajó a Inglaterra y Escocia, donde realizó numerosos encargos para la aristocracia inglesa, más tarde a Estados Unidos, donde siguió cosechando éxitos. En 1860 se retiró de París y compró una propiedad cerca del bosque de Fontainebleau donde vivió junto a Nathalie y algunos animales de su propiedad. Con gran talento y determinación continuó trabajando en una colección de bocetos y pinturas que incluían osos y leones, mientras recibía en su casa a grandes personalidades.

Tras la muerte de Nathalie, Rosa conoció a Anna Klumpke (1856-1942), una joven pintora especializada en retratos de California con quien vivió diez años hasta su propia muerte. Entre las obras más destacadas de Rosa Bonheur están: “Labranza en Nivernés”, también llamado "El Sombreado"(1849), “La feria de caballos” que se exhibió en 1853, obteniendo una medalla de oro y dándole fama internacional, “Fabricación de heno en Auvernia” (1855), “León en reposo” (1880), “Búffalo Bill” (1889). 

"Labranza en Nivernés" (1849)
A lo largo de su prestigiosa carrera Rosa ha recibido numerosas distinciones: fue la primera mujer en recibir el Chevalier de la Legión de Honor (1865), Premio de la Exposición Universal de París (1867), Cruz de Comandante de la Real Orden de Isabel la Católica y la Cruz de Leopoldo de Bélgica (1880), entre otros. 

Rosa Bonheur murió en 1899, a los 78 años, nombrando a Anna Kkumpke como heredera universal de sus bienes. Anna fundó el Premio Rosa Bonheur en la Sociedad de Artistas Franceses. Los restos de Rosa, Nathalie y Anna fueron sepultados juntos en el cementerio de Père Lachaise. 

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