martes, 20 de junio de 2023

Siglo XX - Françoise Gilot

        Breve Biografía de Françoise Gilot

Françoise Gilot nació en 1921, en Neuilly–sur-Seine, cerca de París.  Pintora, crítica de arte y escritora francesa.

Nació en el seno de una familia intelectual y acomodada, fue hija única de un empresario y una acuarelista.  Estudió filosofía  y literatura inglesa en la Universidad de Cambrigde, pero abandonó los estudios para dedicarse a la pintura: desde niña mostró un notable talento.

Ingresó en la Escuela de Arte de París y se graduó en 1942, muy pronto  comenzó a exhibir su trabajo en exposiciones locales y  vendía sus obras. En 1943 Françoise, de 21 años conoció a Picasso, que tenía 61 años y era un artista consagrado; comenzaron una relación romántica; a pesar de la diferencia de edad y las críticas que recibieron, vivieron juntos casi una década. Nunca se casaron, pero tuvieron dos hijos, Claude (nacido en 1947) y Paloma (1949).  

Françoise, libre e independiente, se negó a ser una musa pasiva y mantuvo su carrera artística de manera autónoma, pero la relación de pareja fue muy tensa, debido a la personalidad dominante, misógina y ególatra del pintor. Picasso tenía relaciones amorosas con varias mujeres al mismo tiempo: dos se suicidaron, algunas sufrieron crisis nerviosas y depresión y otras terminaron en un hospital psiquiátrico.  

Olga Jojlova (1891-1955)  su primera esposa desde 1918, y con quien tuvo a su primer hijo nunca se divorció. Su amante Marie-Therèse Walter (1935) una joven de 17 años, se suicidó en 1977, a pesar de tener una hija Maya (1935-2022).  Dora Maar  (1907) quien al saber de otras amantes, se enloqueció y tuvo que ingresar a una clínica psiquiátrica. Y apareció Françoise Gilot, una relación que duró desde 1943 a 1953, a pesar de los celos y los maltratos.

"Paloma con guitarra"
En 1946 Françoise publicó el libro “Vida y muerte del artista” en el que reflexionaba sobre el arte y su relación con Picasso.  Esta publicación le valió el reconocimiento y la admiración de muchos críticos de arte. Cuando le anunció al pintor que lo abandonaba, Picasso  se enfureció y la menospreció: “Te crees que alguien se va a interesar por ti?  Solo será porque tu vida estuvo ligada a mi”. Vengativo, influyó en los tratantes de arte para que no trabajaran con Françoise. 

Temperamental y prolífera, Françoise, a pesar de haber vivido eclipsada por el peso de los años de convivencia, superó la violencia del artista. Como pintora desarrolló un estilo propio, pintaba paisajes, autorretratos  y naturaleza muerta con vivos colores. Publicó varios libros y en 1964 sus memorias “Vida con Picasso” un superventas mundial y que el pintor trató de impedir la publicación.      

Françoise rehízo su vida sentimental y artística, se mudó  a Estados Unidos donde tuvo una notable carrera, como pintora y escritora.  A lo largo de su vida, más de siete décadas de trabajo, sus cuadros se encuentran expuestos en numerosas galerías y museos de todo el mundo, demostrando que su talento artístico superó el papel como esposa de un famoso pintor.

Tuvo varios reconocimientos, Caballero de la Legión de Honor (1990), Oficial de la Orden Nacional del Mérito (1996), Comandante de la Orden Nacional del Mérito (2022), entre otros.

Françoise Gilot se convirtió en una de las mujeres más valoradas del panorama artístico; murió a los 101 años, en junio de 2023 en Nueva York.  

Fuentes y Bibliografia

viernes, 7 de mayo de 2021

Siglo XX - Irma Stern

                   Breve Biografía de Irma Stern

Irma Stern nació en 1894 en Transvaal. Pintora y escultora
sudafricana.

Desde 1857 la República de Transvaal fue un país independiente del sur de África hasta 1877, cuando se dio el primer enfrentamiento entre el Imperio Británico y los bóeres (grupo étnico de origen neerlandés y granjeros de religión calvinista), conocido  como la “Primera guerra bóer”  o “Primera guerra de liberación” (1880-1881). La "Segunda guerra Anglo-Bóer" (1899-1902)  terminó con la rendición de los bóeres y la anexión al Reino Unido. En 1910 Transvaal se convirtió en una provincia de la Unión Sudafricana, bajo el dominio británico.

La familia de Irma era alemana y se había instalado en Transvaal en 1886; su padre fue internado en un campo de concentración por los ingleses por sus tendencias pro-Bóer. En 1902 fue liberado y la familia regresó a Alemania. Desde muy pequeña, Irma se interesó en el dibujo; en 1913  en Berlín estudió arte en la Academia Weimar y a partir de 1917 con el pintor Max Pechstein (1881-1955)  miembro destacado del grupo expresionista alemán.

Irma realizó su primera exposición en 1919, a los veinticinco años, en Berlín en una de las principales galerías de arte, luego recorrió con sus trabajos varias ciudades del país. Frecuentó los círculos intelectuales de Alemania, y con el reconocimiento de la prensa europea, regresó  a Sudáfrica en 1920.

Dos años más tarde expuso por primera vez  en Ciudad del Cabo, pero fue incomprendida y acusada de inmoral por  la sociedad neocolonial y puritana. Los críticos ridiculizaron su obra con reseñas tituladas “Arte de Irma Stern - La fealdad como un culto”. Estas críticas no la desanimaron, con dedicación y talento, siguió pintando.

Viajaba mucho  entre Alemania y Sudáfrica. Recibió el Premio  de Honor  en la Exposición Internacional de Burdeos  en 1927 y fue la única seleccionada para representar a Sudáfrica en la Exposición Imperial de Arte en Londres en 1929.

Arab in Black
En la década de 1930 exploró sola muchos países africanos y se interesó en las diferentes culturas. En las expediciones por Senegal, Zanzíbar, Congo Belga, Irma absorbió sus culturas tradicionales que influyeron en su creatividad y libertad artística: comenzó a usar pinceladas fuertes y colores intensos en los paisajes y retratos de las tribus africanas. Fue una de las primeras artistas que representó a hombres y mujeres negros de su país, pintó la vida nativa en todo su esplendor. "Arab in Black" está considerada su obra maestra, el cuadro fue pintado durante una de sus primeras estancias en Zanzíbar en el año 1939.

Estas obras  que realizaba en África eran enviadas a distintas galerías de Europa, donde se exhibían y fueron admiradas por coleccionistas y críticos de arte. Ha pintado en varias ocasiones a su gran amiga Freda Feldman con quien mantuvo una gran correspondencia. Fue autora de la publicación de dos revistas ilustradas: “Congo publicado en 1943 y “Zanzíbar” en 1948.

Mujer congoleña
En la década de 1940 comenzó a ser una artista con prestigio en su propio país: realizó exposiciones en Ciudad del Cabo, en Johannesburgo y en Pretoria. Fue una destacada y prolífica expositora, con más de cien exposiciones individuales  a lo largo de su vida, tanto en Sudáfrica como en varios países de Europa. Ha  recibido numerosos premios.

Esculturas
No solo fue una reconocida pintora al óleo, también ha trabajado como ceramista y escultora, representando a los africanos.  Su gran interés en retratar a personas negras fue muy controvertido en la sociedad blanca sudafricana. El arte de Irma sirvió como lucha contra el apartheid que se aplicó desde 1948 hasta  principios de 1990. Según algunos historiadores, la venta de una obra suya ayudó a pagar los honorarios legales del líder negro  Nelson Mandela (1918-2013), arrestado en 1963 y sentenciado a cadena perpetua. Finalmente  el gobierno, presionado  por las campañas internacionales, lo liberó en 1990.

Irma Stern,  actualmente considerada una de las artistas más importantes de Sudáfrica, falleció en 1966 en Ciudad del Cabo. A partir de 1970 su casa se transformó en el Museo de Irma Stern donde se exhiben sus obras y sus objetos adquiridos durante sus viajes.  

miércoles, 21 de abril de 2021

Siglo XX - Yayoi Kusama

                 Breve Biografía de Yayoi Kusama 

Yayoi  Kusama  (o Kusama Yayoi  apellido antes del nombre) nació en Matsumoto, Japón, en 1929. Activista, artista, escultora y escritora japonesa.

Es la menor de cuatro hijos de una familia adinerada, pero infeliz.  Vivió una infancia muy traumática: sufrió abusos físicos por parte de su madre, quien además,  la obligaba a espiar a su padre en los actos sexuales con sus amantes. A los diez años comenzó a pintar flores de forma compulsiva, pero su madre  se lo impedía, por lo que empezó emocionalmente a sufrir crisis nerviosas.  Experimentó  alucinaciones y pensamientos obsesivos, con tendencia suicida.

En 1948  entró a  la Escuela  Municipal de Artes y Artesanía, en Kioto donde estudió  Nihonga, un riguroso estilo de pintura japonés de la Era Meiji (="era del culto a las reglas” entre 1868 y 1912). Aunque no le gustaba la rigidez y la tradición impuesta por su sensei (maestro), se graduó un año después.

Yayoi Kusama se interesó en el vanguardismo americano y europeo, que le permitió innovar y tener libertad de expresión. Comenzó a cubrir paredes, pisos, lienzos a gran escala y cuerpos desnudos con lunares, lo que se convirtió en su marca personal.  Ha luchado contra la incomprensión y los prejuicios de su entorno y la sociedad misógina y patriarcal en que vivía la llamaba una “artista loca” que no practicaba el auténtico arte japonés. En la década de 1950 realizó varias exhibiciones individuales  de sus pinturas en Matsumoto y Tokio.

En 1957, con 28 años, abandonó Japón y se trasladó a Nueva York donde fue conocida como líder del movimiento vanguardista; fue una época muy productiva y de desbordante creatividad, experimentó en grandes instalaciones llenas de luz, incorporaba espejos, color y música. Las flores son un tema recurrente en sus obras; creó dibujos con infinidad de puntos, con calabazas, óleos, acrílicos, pinturas, collages.

Una de sus obras más destacadas realizada en 1966, se expuso en la Bienal de Venecia: “Jardín de Narciso”, que consta de más de mil esferas de espejos sobre la hierba; Yayoi  Kusama vendía las esferas  a dos dólares cada una,  como una crítica a la comercialización del mercado del arte. En 1967 produjo y protagonizó la película “La autodestrucción de Kusama” que ganó un premio en el Concurso de Cine de Bélgica. 

Pacifista,  se manifestaba enérgicamente contra la guerra y abogaba por la paz y el amor: con gran audacia  y provocación,  organizaba happenings en el Central Park donde pintaba grupos de personas desnudas con lunares brillantes, como protesta contra la Guerra de Vietnam.  “Gran Orgía para Despertar a los Muertos” fue expuesta en el MoMA en 1969. También realizó “esculturas blandas”, una serie que llamó “Acumulación”, sillas y sofás  realizados con tela y acolchados donde expresó su agresividad y violencia, utilizando colores estridentes e imágenes fálicas. Tenía un profundo temor a la sexualidad  por sus traumas infantiles. Al traducir las alucinaciones en pinturas, he intentado curar mi enfermedad",  ha reflexionado  Yayoi.

Además de sus pinturas abstractas y surrealistas, la artista fue autora de novelas, historias cortas, cuentos infantiles y poesía surrealista. Escribió “La odisea de mi alma en lucha” un ensayo autobiográfico y  “La gruta de los estafadores de la calle Christopher" ganó un Premio Literario. A lo largo de su vida tuvo que ser internada en varias ocasiones en instituciones psiquiátricas, debido a episodios de su trastorno obsesivo. Ha atravesado fases muy creativas y otras oscuras y depresivas que plasmó en los lienzos “Acumulación de cadáveres” o “Sueño persistente”.

En 1973 regresó a Tokio donde reside de forma voluntaria en un psiquiátrico, el Hospital Seiwa para Enfermos Mentales y trabaja en su estudio, muy cerca de donde vive. Yayoi Kusama llama a sus creaciones “arte-medicina”. Hacia 1994 comenzó a crear esculturas al aire libre con flores gigantes: “Flor de Shangri-La” (2000).

Ha realizado varias exposiciones y en 1999  una gran retrospectiva de sus obras viajó por todo Estados Unidos y Japón. Expuso en varios países: Nueva Zelandia, Australia, Francia, Dinamarca, España, entre otros. En 2004 una importante exhibición individual de la artista “Kusamatrix” en el Museo de Tokio atrajo a más de 500.000 visitantes.

Ha recibido numerosos premios: La Orden de las Artes y las Letras (2003) y el Premio Nacional por Logros de Vida de la Orden del Sol Naciente (2006); ese mismo año se convirtió en la primera mujer japonesa en recibir el Premio Mundial de la Cultura, uno de los más prestigiosos de Japón para artistas reconocidos internacionalmente. Sus obras se encuentran en algunos de los museos de arte más importantes del mundo.

Al día de hoy, con noventa y dos años, Yayoi Kusama  es una de las artistas más conocidas y sigue creando arte todos los días. Ha dicho: “Hago mis obras para sobrevivir al dolor, al deseo de muerte”, "Espero que el poder del arte pueda hacer que el mundo sea más pacífico". 

Fuentes y Bibliografia

miércoles, 19 de agosto de 2020

Siglo XIX - Evelyn De Morgan

                 Breve Biografía de Evelyn De Morgan                           

Mary Evelyn Pickering, conocida como Evelyn De Morgan, nació en 1855 en Londres. Activista y pintora inglesa. 

Nació en el seno  de una familia de clase alta, ligada a la aristocracia terrateniente de Yorkshire, al norte de Inglaterra. Recibió una esmerada educación en su casa:  además de una severa instrucción religiosa, tuvo lecciones en varios idiomas, mitología, literatura y ciencias. A pesar de la oposición de su madre de estudiar arte, recibió lecciones de pintura a los quince años. 

Desde muy joven,  Evelyn dio  muestras de mucha decisión y coraje al negarse a ser presentada en sociedad y convertirse en “una mujer ociosa”. Ingresó en la Escuela Nacional de Formación Artística de South Kensington y en 1873 fue  una de las primeras estudiantes femeninas en ser aceptada en la  Escuela de Bellas Artes Slade.  Aquí se destacó y ganó premios y medallas por sus dibujos y estudios de obras antiguas, además de una beca completa por un año.

También fue alumna de su tío, hermano de su madre, el pintor John Roddam Spencer- Stanhope (1829-1908)  quien tuvo gran influencia sobre sus pinturas. A partir de 1875 Evelyn viajó muchas veces a Florencia, donde él vivía, lo que le permitió estudiar a los grandes artistas del Renacimiento, entre ellos, Sandro Botticelli (1445-1510) uno de sus predilectos. La obra de este pintor, le dio impulso para crear su propio estilo de pintura.

Luego de graduarse en la Slade tuvo que luchar contra las actitudes machistas del mundo del arte y esforzarse para ser reconocida por su habilidad y no ser menospreciada por ser mujer. 

Ariadne a Naxos 
A los veintidós años, en 1877  exhibió por primera vez en la Galería Grosvenor de Londres, su obra “Ariadne a Naxos”.  Ariadne, de la mitología griega, fue abandonada por su amante en la isla de Naxos; Evelyn la representó solitaria y desolada, vestida de rojo como los mártires cristianos, las conchas sobre la arena simbolizan la sexualidad femenina, la fertilidad y el amor. Con esta obra la artista obtuvo un gran éxito y pudo seguir exponiendo sus cuadros en dicha galería. Fue una de las pocas mujeres artistas que integraba el Movimiento de la Hermandad Prerrafaelista, y sus pinturas fueron admiradas en el círculo de artistas y seguidores.

En 1887 Evelyn se casó con el ceramista William De Morgan (1839-1917) que tenía su propio estudio de cerámica desde 1872. Ambos eran artistas atípicos que desafiaron las costumbres victorianas: William diseñaba cerámicas: vasijas, azulejos y jarrones y Evelyn pintaba. Contribuían cada uno con sus ideas a los diseños del otro. Compartieron un profundo interés por temas espirituales, que se tradujo en sus obras con simbología religiosa y con un  mensaje moral. 

SOS
Artista prolífica, desde 1877 Evelyn  exhibió gran cantidad de sus obras y fue  quien impulsó económicamente, con las ventas de sus cuadros, la carrera de su marido. Al lograr éxito y cierto renombre alternó su trabajo con la lucha por los derechos de la mujer, participando a favor del sufragio femenino en 1889. Manifestó en diversas campañas públicas y en actividades  solidarias de carácter socialista y pacifista. Se involucraba en todo lo que pudiera contribuir a  la mejora de la sociedad  y los derechos de sus ciudadanos.  También se declaró antibelicista, igual que su esposo, y expresó su horror por la Primera Guerra Mundial, en más de quince pinturas de guerra. “SOS” (1914) representa una cantidad de bestias rodeando a una mujer con túnica blanca que se eleva hacia un arco iris, simbolizando la esperanza de paz. Realizó en 1916 una exposición de estas obras en beneficio de la Cruz Roja.  

El Sueño y la Muerte
Evelyn De Morgan  fue una destacada artista, creadora de poderosas imágenes de mujeres: María, María Magdalena, Atenea/Minerva, Ariadna, santas y mártires, magas y hechiceras, pero también mujeres mortales, esposas victorianas, madres que han perdido a sus hijos en las guerras,  prisioneras del mundo creado por los hombres. Varias de sus obras se inspiraron en las mujeres de  Botticelli, como “Flora” (1894). "Helena de Troya" (1898), "Casandra" (1898).  

Se conocen más de cien pinturas, algunas esculturas  y una gran colección de dibujos y bocetos que demuestran su talento y trabajo meticuloso. Se destaca el predominio del dibujo, la precisión de los detalles, el colorido suave y cálido, realidades sociales y espirituales, como también una amplia gama de temas mitológicos o  bíblicos. 

"La jaula dorada” fue la última pintura al óleo que realizó: una mujer mira por la ventana a un grupo de bailarines y músicos; un pájaro vuela libremente en contraste con el pájaro cautivo en la jaula.

Evelyn De Morgan falleció en Londres en 1919  y fue sepultada con su esposo que había muerto dos años antes.

miércoles, 13 de mayo de 2020

Siglo XX - Silvina Ocampo

           Breve Biografía de Silvina Ocampo

Silvina Inocencia Ocampo Aguirre nació en Buenos Aires en 1903.  Escritora de novelas, cuentos, literatura fantástica y poeta argentina. 

Nació dentro de una familia aristócrata y sus antepasados fueron dueños de extensas tierras. Fue la menor de seis hijas de Ramona Máxima Aguirre (1866-1935) y Manuel Silvio Ocampo (1860-1930): Victoria (1890-1979), Angélica (1891-1980), Francisca (1894-1967), Rosa (1896-1968), Clara María (1898- 1909) y Silvina. Todas las niñas recibieron una esmerada educación, con varias institutrices, una francesa y dos inglesas.

En 1908 Silvina viajó por primera vez con su familia a Europa; desde pequeña le gustaba dibujar y escribir poesías. Su infancia fue solitaria, llena de restricciones debido a su alto rango social (no ensuciarse, no andar descalza ni despeinada). Tenía seis años cuando murió su hermana Clara, de once y dependió siempre de quienes la cuidaban y la querían: las niñeras, las planchadoras, los jardineros, además de las institutrices.

Años más tarde estudió diseño, dibujo y pintura en París, llevando una vida independiente y solitaria. A finales de la década de 1920 tomó clases con los pintores Giorgio de Chirico (1888-1978) del movimiento surrealista y Fernand Léger (1881-1955) cubista francés. Silvina fue una artista plástica y ya de regreso a Buenos Aires, trabajó la pintura junto a Norah Borges, realizando exposiciones, tanto individuales como colectivas. 

En 1933 conoció a Adolfo Bioy Casares (1914-1999) nueve años menor que ella y con quien se casó en 1940.  Estuvieron juntos más de cincuenta años y les unía su pasión por la literatura; su casa era centro de reunión de hombres y mujeres talentosos, un círculo que desafiaba las convenciones porteñas. Pero en la vida diaria, la relación del matrimonio fue compleja: Adolfo Bioy le fue infiel siempre: pocos años después de casados, fue amante de Elena Garro, esposa de Octavio Paz. De otra amante, nació en 1954 su hija Marta a quien Silvina crió como hija propia.  Las aventuras de su marido la hacían sufrir y temía que él la abandonara por otra mujer, en unos versos escribió: "Cruel es la noche y dura cuando aguardo tu vuelta al acecho de un paso... cuando espero que llegues y tardas tanto". Adolfo tuvo otro hijo reconocido recién en 1998, Fabían (1963-2006).

Aunque Silvina nunca dejó de pintar y dibujar, publicó continuamente a lo largo de su vida. Su primer libro de cuentos “Viaje olvidado” apareció en 1937; eran relatos breves sobre sus recuerdos de infancia, y fueron reseñados con severidad y crítica negativa por su hermana Victoria Ocampo: “llenos de imágenes que parecen atacadas de tortícolis”, en la revista Sur. Esta revista literaria fue creada por Victoria en 1931 y allí publicó Silvina sus cuentos, poemas y traducciones. 

En 1948 apareció “Autobiografía de Irene”, “La furia y otros cuentos” (1959), “Las invitadas” (1961). Alternando la narrativa con la poesía se publicaron “Enumeración de la patria” (1942) y “Espacios métricos” (1945), “Poemas de amor desesperado" (1949) y “Los nombres" (1953). Colaboró con Jorge Luis Borges y Alfredo Bioy en: “Antología de la literatura fantástica” (1940) y “Antología poética argentina” (1941).  En 1946 escribió a cuatro manos con su esposo “Los que aman, odian”, una novela policial.

Además de poemas y cuentos, también fue autora de novelas, obras de teatro y literatura fantástica; se desempeñó como traductora, especialmente de los poetas ingleses y norteamericanos. A partir de la década de 1970 su obra fue más fecunda, aparecieron los poemas “Amarillo celeste”, “Arboles de Buenos Aires”, los cuentos de “Los días de la noche” y una serie de cuentos infantiles “El cofre volante”, “El tobogán” y “La naranja maravillosa”. A través de su creación literaria, en las voces de los niños y de los varios trabajadores domésticos que formaban parte de su niñez, le permitieron rebelarse y desafiar la estética de su época y podía “volverse otra”. 

Ha recibido por sus obras varios premios y distinciones: Premio Municipal de Poesía en 1945 y 1953, Premio Municipal de Literatura (1954), Premio Club de los 13 (1988) y Premio Konex –Diploma al Mérito (1984), entre otros. 

A pesar de los premios, durante la mayor parte de su carrera, la crítica argentina no reconoció los méritos de su obra y fue menospreciada. Silvina fue una mujer tímida, que se negaba a dar entrevistas ni gustaba de los homenajes; siempre vivió a la sombra de su esposo Bioy Casares y de su amigo Jorge L. Borges y en parte fue opacada por el éxito literario y el brillo social de su hermana Victoria Ocampo. 

Silvina  escribió casi hasta su muerte, su último libro “Cornelia frente al espejo” apareció en 1988. Silvina Ocampo falleció en diciembre de 1993 a los 90 años; veinte días después (enero de 1994) murió su hija Marta en un accidente de tráfico. 

Luego de su muerte su obra ha sido rescatada, reivindicada y estudiada; en los últimos años se han publicado algunas obras inéditas: “Las repeticiones y otros cuentos” (2006) y “Ejércitos de la oscuridad” (2008). Actualmente Silvina Ocampo  está considerada una de las mujeres más valiosas de la cultura y literatura argentinas del siglo XX.

miércoles, 16 de octubre de 2019

Siglo XVII - Clara Peeters

                         Breve Biografía de Clara Peeters

Autorretrato - 1618
Clara Peeters nació alrededor de 1590 o 1594, no se conoce la fecha exacta, en Amberes, Países Bajos Españoles (actual Bélgica). Pintora flamenca.

No existen datos de su vida, según los historiadores, hay archivos del bautismo de Clara, en una iglesia de Amberes, como hija del pintor Jan Peeters en 1594. Otro documento encontrado menciona el casamiento de Clara Peeters, quizás la misma persona, en la misma iglesia con el pintor Henri Joosen en 1639. 

En los siglos XVI y XVII las mujeres no tenían acceso a recibir formación académica, ni podían asistir al taller de un maestro pintor, ya que les estaba prohibido observar modelos masculinos desnudos para su estudio, lo que les limitaba su aprendizaje. Además, era común que las jóvenes artistas se iniciaran en el taller de su padre; si se toman como ciertos los documentos encontrados, Clara pudo haber estudiado en su casa con su padre Jan Peeters. 

Siendo muy joven, tendría alrededor de 14 o 15 años, en 1607 apareció su primera pintura “Bodegón con galletas”; comenzó a pintar bodegones, un tipo de pintura que empezaba a surgir en los primeros años del siglo XVII. Está considerada como una de las precursoras de la naturaleza muerta o bodegón en los Países Bajos, durante la Edad Moderna. Se supone que Clara ha podido vivir en Amsterdam y La Haya, ya que muestra evidencia de las influencias de otros pintores holandeses de bodegones. 

Bodegón con flores y copa dorada 1611
Fue una innovadora y delicada artista, con un estilo realista, muy novedoso en su tiempo; sus bodegones muestran una detallada información sobre la lujosa vajilla que se usaba y los alimentos que se consumían en los hogares de las clases aristócratas: frutas, aves, pan, sal, pescados, mariscos, varios tipos de quesos y aceitunas, muchos eran alimentos importados. 

Hacia 1611 se puede apreciar más destreza y madurez en la imitación de texturas, como la mesa con los manteles y los bodegones de flores, en el manejo de espacio e iluminación, con fondos oscuros. En los llamados “bodegones dulces o de confitería” se pueden ver almendras, pasas, higos, panecillos, galletas y dulces de mazapán. 

En seis de sus obras incluye el mismo cuchillo, que puede haber sido suyo, colocado siempre en un lugar destacado del cuadro y en el mango se ve su firma en mayúscula: “CLARA PEETERS”. Varias composiciones de Clara incluyen halcones y gavilanes: el arte de la cetrería estaba asociada a la realeza y la alta nobleza. Meticulosa en el detalle, esta
Bodegón con flores y
lámparas-  1612
talentosa pintora, incluyó su autorretrato en jarras y copas: su imagen se ve reflejada hasta siete veces en un tamaño diminuto, con la paleta de colores en la mano. 

Su producción artística fue prolífica, entre 40 a 50 obras, aunque la realizó en un plazo muy breve, de 1607 a 1621. Sobre su muerte no hay ninguna información, pero se toma la fecha de su última obra conocida, después de 1621.

Clara Peeters fue la primera mujer pintora a la que el Museo del Prado, en Madrid, en octubre de 2016, le dedicó una exposición y la primera que se le dedica a nivel mundial. “El arte de Clara Peeters”, un conjunto de 15 bodegones de esta pintora flamenca.

martes, 10 de septiembre de 2019

Siglo XX - Dora Maar

          Breve Biografía de Dora Maar


Dora Maar, seudónimo de Henriette Théodora Markovitch, nació en 1907 en la ciudad francesa de Tours. Artista  plástica,  pintora  y  fotógrafa francesa.

Hija de una violinista francesa y de un arquitecto croata, la familia se trasladó en 1910 a Argentina, donde su padre dirigió varios proyectos, tanto en Buenos Aires como en Colonia, Uruguay; en esta última ciudad realizó la Plaza de Toros del Real de San Carlos. Aunque pasó una infancia solitaria, leía mucho en inglés y en su casa se hablaba francés y español.  

Henriette regresó a Francia a los veinte años y se instaló en París, donde comenzó su formación artística en la Escuela de Artes Decorativas además de estudiar en la academia del pintor cubista André Lhote (1885-1962). Continuó en la Escuela de Fotografía, y con Henri Cartier- Bresson (1908-2004), quien la animó a convertirse en fotoperiodista. Cambió su nombre a Dora Maar y se estableció como fotógrafa profesional junto al fotógrafo y escenógrafo Pierre Kéfer, realizando proyectos comerciales y publicitarios.

Poco después, en 1934 Dora abrió su propio estudio fotográfico para profundizar su exploración de la fotografía. Inteligente y de carácter independiente, esta fotógrafa vanguardista, realizó fotografías de modas, retratos, desnudos, paisajes y fotomontajes, con gran influencia del surrealismo. Esta expresión artística que apareció en París hacia 1924, rechazaba las normas establecidas, para lograr mayor espontaneidad y libertad creativa. 

"29 Astorg Street", 1936
Prolífica artista de gran talento, entusiasta y llena de vitalidad, Dora experimentó con varias técnicas, como el collage, el frottage (=frotamiento), el desenfoque, retratos y paisajes en blanco y negro. Preocupada por los temas sociales, recorrió las calles de París, Londres y Barcelona, donde el lente de su cámara captó la pobreza, la cruel realidad de lisiados, mendigos y marginados, que luego reaparecían en sus montajes surrealistas, representando el mundo enigmático de los sueños: manos emergiendo de una concha de caracol, una figura humana con cabeza de ave, entre otros. Comprometida políticamente, se convirtió en una tenaz activista de izquierda, lo que la relacionó con otros grupos de activistas.

Frecuentó a reconocidos artistas e intelectuales de toda Europa, donde era considerada una talentosa fotógrafa. Sus obras fueron admiradas y publicadas en las mejores revistas, libros y catálogos surrealistas. Su producción artística tenía cada vez más éxito y en 1936 Dora participó en la Exposición Internacional Surrealista en Londres, con su fotografía “Retrato de Ubu”; su sentido del humor negro y macabro se reflejó en esta obra: un monstruo con las orejas caídas, que parecía
"Retrato de Ubu" -1936
salido de un sueño o una pesadilla.

Ese mismo año, Dora con 29 años conoció a Picasso de 55 años y su vida cambió. Pablo Picasso (1881-1973) ya era el famoso e innovador pintor del siglo y tenía una lista de varias mujeres amadas e infelices. Cuando se aburría de una mujer, la reemplazaba por otra.

Dora y Picasso vivieron durante casi diez años un amor tormentoso: al principio fue su modelo, su hermosa musa, luego la utilizó y le exigió un amor sumiso e incondicional: quedó para siempre como un ser torturado y angustiado, en la serie del pintor “La mujer que llora”. Picasso menospreciaba el talento de Dora como fotógrafa y la alentó para que se dedicara a pintar. 

En 1937, mientras Picasso trabajaba en su gran obra "El Guernica", Dora documentó su trabajo en varias etapas, pero la relación era de una continua humillación y desprecios: para el “genio” había dos tipos de mujeres, “las diosas y las que servían de felpudo”. Picasso era un machista cruel, egocéntrico y violento y muchas veces la dejaba inconsciente en el suelo después de golpearla. Seguía teniendo otras jóvenes amantes lo que llevó a Dora, mujer sensible, a una profunda depresión y por un tiempo, tuvo que ser internada en una clínica psiquiátrica.

En 1946 la relación terminó y su vida quedó destruida, Dora vivió casi aislada, sin contacto con sus amigos; se convirtió en católica devota y nunca volvió a la fotografía. Se dedicó a pintar bodegones y paisajes abstractos y aunque continuó trabajando hasta su muerte, se negó a exponer sus obras. Tras la separación del pintor, Dora dejó de existir para el mundo como fotógrafa, solo se la recordaba como la amante de Picasso. 

Vivió recluida más de cuarenta años, Dora Maar falleció sola, en París, en 1997, a los 90 años. En su casa los historiadores de arte encontraron todos los recuerdos que tenía de Picasso: más de cien cuadros del pintor, dibujos y trozos de periódicos que ella atesoraba como reliquias. 

En junio de 2019 el Centro Pompidou de Paris realizó una retrospectiva de la obra de Dora Maar, con más de 400 piezas y documentos, algunos creados hace más de ochenta años, y que dejan la impronta de una gran artista.

lunes, 29 de julio de 2019

Siglo XIX - Rosa Bonheur

         Breve Biografía de Rosa Bonheur

Marie Rosalie Bonheur, más conocida como Rosa Bonheur, nació en 1822 en Burdeos. Pintora, escultora e ilustradora francesa.

Hija mayor de una familia de artistas, se crió en una zona rural, donde tenían varios animales. Su madre, Sophie Marqués (1797-1833) profesora de música, le enseñó el alfabeto dibujando animales junto a cada letra, lo que influyó en su amor por la naturaleza. Su padre Raymond Bonheur (1796-1849) un exitoso pintor paisajista y retratista, estuvo involucrado en la sociedad utópica del filósofo Henri de Saint Simón (1760-1825) que defendía la igualdad absoluta, social e intelectual de mujeres y hombres y la abolición de las distinciones de clase, entre otros objetivos. 

Raymond se dedicó a la enseñanza como profesión en París, ciudad a la que la familia se trasladó en 1828. Rosa y sus hermanos comenzaron desde muy niños su formación artística en el taller de su padre. Auguste (1824-1884) quien se convertirá en pintor de paisajes y de animales, Isidore (1827-1901) en escultor y la más joven Juliette (1830-1891) también pintora de animales. Rosa copiaba ilustraciones de libros, dibujaba animales domésticos: caballos, ovejas, vacas, cabras y más tarde, a los catorce años, fue admitida en el Louvre como copista de obras maestras. Aunque estas copias fueron rápidamente vendidas, su padre la alentaba a desarrollar su talento en el dibujo y la pintura realistas.

Como la Escuela de Bellas Artes no aceptaba alumnas mujeres, Rosa perfeccionó sus técnicas en el taller del pintor León Cogniet (1794-1880) que dirigía un taller de pintura solo para mujeres. Amante de los animales, tuvo que pedir en 1852 un permiso a las autoridades para que le permitieran vestirse de hombre (usar pantalones) para poder frecuentar las ferias de caballos y los mataderos de París, lugares muy “masculinos”, con el fin de estudiar la anatomía y osteología de los animales. De fuerte personalidad, se cortó el cabello, fumaba cigarrillos en público y era llamada “marimacho”, eso no le afectó y siguió usando ropa masculina por el resto de su vida. Frecuentaba el Instituto Nacional de Veterinaria donde diseccionó animales y realizó estudios detallados que utilizó como referencias para sus pinturas y esculturas. 

Expuso sus obras con gran éxito en el Salón de París desde 1841, con 21 años, hasta 1853; al principio de su carrera también exhibió esculturas en el Salón, pero decidió abandonar esto ya que su hermano Isidore era un talentoso escultor. El tema principal de sus pinturas fueron los animales: zorros, perros, leones, ciervos y también algún ser humano siempre acompañado de un animal. Con dedicación y una extraordinaria precisión representaba a todo tipo de bestias, lo que la convirtió en una pintora importante de la escuela Realista y Naturalista. 

Durante más de cuarenta años, desde la adolescencia, Rosa mantuvo una relación amorosa con Nathalie Micas (1824-1889) también pintora. Tras la muerte de Raymond Bonheur en 1849, Rosa y su hermana Juliette ocuparon el cargo de directoras de la Escuela Gratuita de Diseño para las Jóvenes Mujeres, que su padre había fundado. Además abrió su propio estudio con su compañera Nathalie Micas. 

"La Feria de Caballos" (1853)
Su fama de artista traspasó fronteras y viajó a Inglaterra y Escocia, donde realizó numerosos encargos para la aristocracia inglesa, más tarde a Estados Unidos, donde siguió cosechando éxitos. En 1860 se retiró de París y compró una propiedad cerca del bosque de Fontainebleau donde vivió junto a Nathalie y algunos animales de su propiedad. Con gran talento y determinación continuó trabajando en una colección de bocetos y pinturas que incluían osos y leones, mientras recibía en su casa a grandes personalidades.

Tras la muerte de Nathalie, Rosa conoció a Anna Klumpke (1856-1942), una joven pintora especializada en retratos de California con quien vivió diez años hasta su propia muerte. Entre las obras más destacadas de Rosa Bonheur están: “Labranza en Nivernés”, también llamado "El Sombreado"(1849), “La feria de caballos” que se exhibió en 1853, obteniendo una medalla de oro y dándole fama internacional, “Fabricación de heno en Auvernia” (1855), “León en reposo” (1880), “Búffalo Bill” (1889). 

"Labranza en Nivernés" (1849)
A lo largo de su prestigiosa carrera Rosa ha recibido numerosas distinciones: fue la primera mujer en recibir el Chevalier de la Legión de Honor (1865), Premio de la Exposición Universal de París (1867), Cruz de Comandante de la Real Orden de Isabel la Católica y la Cruz de Leopoldo de Bélgica (1880), entre otros. 

Rosa Bonheur murió en 1899, a los 78 años, nombrando a Anna Kkumpke como heredera universal de sus bienes. Anna fundó el Premio Rosa Bonheur en la Sociedad de Artistas Franceses. Los restos de Rosa, Nathalie y Anna fueron sepultados juntos en el cementerio de Père Lachaise. 

martes, 25 de junio de 2019

Siglo XVI - Sor Plautilla Nelli

                  Breve Biografía de Sor Plautilla Nelli

"Dolorosa"
Pulisena Nelli, más conocida como Sor Plautilla Nelli, nació en 1524, en Florencia, Italia. Pintora y religiosa florentina

Pulisena Margherita era hija de Piero di Luca Nelli, un exitoso comerciante de telas. A los catorce años, luego de la muerte de su madre, ingresó al convento domínico de Santa  Catalina de Siena  en el año 1538, tomando el nombre de Sor Plautilla. 

Durante los siglos XV y XVI se desarrolló en la Toscana, principalmente en Florencia un amplio movimiento artístico y cultural llamado Renacimiento. Aunque un grupo de mujeres reivindicaba el acceso al saber, no todas podían participar de la vida cultural, ya que los conocimientos podían “desviarlas”; sólo los conventos eran lugares de florecimiento intelectual. 

El convento de Santa Catalina de Siena fue fundado en 1496 por una dama de la nobleza, convertida en monja de clausura y vehemente discípula de Fray Girolamo Savonarola (1452-1498) religioso dominico y predicador que había adquirido fama de sabiduría y santidad. En sus ardientes discursos denunciaba la corrupción y el lujo en las élites eclesiásticas. Fue excomulgado y condenado a la hoguera por la Inquisición (Siglo XII, 1184- al siglo XIX, 1820).

Las monjas dominicas que vivían en el convento de Santa Catalina eran seguidoras de Savonarola que sostenía que las religiosas debían dedicarse a crear obras de arte dentro de los monasterios, para evitar la pereza, lo que permitió a Sor Plautilla desarrollarse como artista. Según algunos historiadores, no tuvo ninguna instrucción en la pintura, fue autodidacta: pero sí tuvo como influencia una colección de dibujos del dominico Fray Bartolomeo (1472-1517) gran artista que pintaba temas religiosos. También estudiaba las obras de otros grandes artistas del Renacimiento, como Miguel Ángel (1475-1564) y Leonardo da Vinci (1452-1519), entre otros. 

El convento se convirtió en un centro de formación artística, Sor Plautilla realizó miniaturas, retablos, ilustraciones de libros y dibujos y hasta pinturas de gran tamaño, lo que era muy raro en esa época. Su trabajo se caracterizó por temas religiosos, con mucha emoción en los rostros de sus personajes. Era una artista muy talentosa y su obra trascendió fuera de los muros del convento: recibía muchos encargos, mostrando una notable capacidad empresarial y logró que sus pinturas fueran el mayor ingreso del convento. 

"Lamentación con los Santos"
Fue priora tres veces: la primera vez de 1563 a 1565; luego de 1571 a 1573 y la última de 1583 a 1585. Además de pintar, Sor Plautilla dirigía en centro de estudio, donde transmitía su sabiduría a otras monjas del convento; tuvo varias alumnas, entre ellas su propia hermana Costanza (Sor Petronila). Entre sus obras más conocidas están “La Virgen con el Niño y cuatro ángeles”, “La adoración de los Reyes Magos”, “Lamentación con los Santos”, “La Última Cena”, “Dolorosa”. 

Siendo una artista destacada, Sor Plautilla recibió los halagos de grandes eruditos, como Giorgio Vasari (1511-1574), considerado el primer historiador del arte italiano; editó en 1550 una enciclopedia de biografías: “Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos”, donde Sor Plautilla fue una de las pocas pintoras mencionadas y la calificó de virtuosa. 

Sor Plautilla Nelli, considerada como la primera pintora del Renacimiento florentino, falleció en el convento en 1588.

Fuentes y Bibliografia
https://howlingpixel.com/i-ca/Plautilla_Nelli
https://verne.elpais.com/verne/2018/08/20/articulo/1534767978_990703.html
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