Siglo XX - Jiang Qing

               Breve Biografía de Jiang Qing

Jiang Qing  también conocida como Chiang Ching nació en 1914 en  Zhucheng, provincia de Shandong. Actriz y política china, última esposa de Mao Zedong.

Nacida con el nombre de Li Shu-meng, era hija ilegítima de un carpintero violento y su concubina, de la que no se conoce el nombre. Desde muy joven  actuó  en un grupo de teatro comunitario y a los veinte años se mudó a Shanghai; fue actriz de cine bajo el nombre artístico de Lan Ping (=Manzana Azul) ganando cierta fama  durante la década de 1930. Se destacan las películas: “Diosa de la libertad” (1935), “Sangre en la Montaña del Lobo” (1936), “Chica Joven Li!” (1938).  

Afiliada al Partido Comunista chino desde 1933, tras la invasión de Japón en 1937,  Li Shu-meng  o Lan Ping se unió a un grupo de la resistencia trasladándose a la ciudad de Yunan, donde se había instalado el cuartel general  del partido. Dos años más tarde conoció a Mao Tse-Tung (Mao Zedong -1893-1976)  fundador  y máximo dirigente del Partido Comunista de China. Mao a los 46 años, se divorció de su tercera esposa y se casó en 1939 con Jiang Qing (=Rio Verde) su nuevo seudónimo, de 25 años. Al siguiente año nació su única hija Li Na.

En octubre de 1949 Mao Zedong  proclamó la República Popular China; Jiang Qing, ambiciosa y vengativa, empezó a tener un rol político cada vez más activo en el movimiento: asumió como ministra de Cultura y en 1966  fue elegida directora de la Revolución Cultural. Estos diez años 1966-1976  fueron uno de los periodos más trágicos de la historia china del siglo XX: se cerraron escuelas y universidades y millones de estudiantes se unieron a  los Guardias Rojos, jóvenes militantes que aterrorizaron a educadores e intelectuales. Hubo persecución política, torturas y asesinatos, muchas personas fueron acusadas de ser enemigas del Estado y terminaron suicidándose.

La Revolución Cultural lanzó a Jiang Qing al estrellato político y se convirtió en una de las máximas autoridades del Partido; era conocida como “Madame Mao, el demonio de huesos blancos” tal era su despotismo y arrogancia. Estudió más de mil óperas tradicionales y consideró que no representaban los valores ni la realidad de la China comunista. Supervisó  y promocionó las Ocho Óperas Modelo de la época, con temática revolucionaria, mezclando música y ballet y así desarrollar el verdadero arte proletario.    

Mientras los partidarios fomentaron un culto a la  personalidad de Mao, publicaron el “Pequeño Libro Rojo”, donde se recogen citas y discursos pronunciados por  el presidente y que todos los estudiantes debían memorizar, como signo de su lealtad al líder. Los afiches con Jiang Qing sosteniendo el libro se desplegaron por todo el país y se convirtió en la mujer más poderosa de China.

Mao apoyó sin reservas la Revolución Cultural: a Jiang y a su equipo integrado por tres altísimos dirigentes que formaron el Grupo de los Cuatro (o la Banda de los Cuatro), para  defender los principios del maoísmo, al mismo tiempo que ejercían diversos abusos de poder  contra funcionarios y ciudadanos comunes. Jiang tuvo además un gran poder de decisión en las actividades más importantes del partido y del gobierno, al formar parte del Buró Político del Partido.

Tras la muerte de Mao Zedong en 1976, los cuatro miembros del Grupo  fueron  expulsados  del Partido Comunista, siendo declarados culpables de crímenes y abusos cometidos durante la Revolución Cultural. También fueron acusados de tramar un golpe de estado para hacerse con el poder.

Jiang  Qing fue condenada a muerte, más tarde  en 1983  se le conmutó la pena a cadena perpetua, pero murió en 1991, aunque el Gobierno chino diría que se suicidó. 

Fuentes

• es.wikipedia.org
  
• marxists.org/espanol
  
• supchina.com

Siglo XX - Anita Loos

           Breve Biografía de Anita Loos

Corinne Anita Loos nació en 1888 en Sissons (ahora Mount Shasta), California. Escritora, actriz, periodista, productora y guionista de cine. 

Nació en una familia de clase media y desde pequeña fue una ávida lectora; comenzó a los trece años a escribir anécdotas humorísticas y artículos para varias publicaciones periodísticas. Unos años más tarde su padre fue administrador de una compañía de teatro en San Diego, en esta ciudad, Anita actuaba en la compañía más famosa de la ciudad.

Tenía dieciocho años cuando inició su carrera de escritora y presentó en la Compañía American Biograph en Nueva York, un relato firmado como “A. Loos” llamado “El sombrero de Nueva York”. Con mucha decisión y valentía, dejando atrás los prejuicios de la sociedad de principios del siglo XX, Anita, pequeña y delgada, pero vital y creativa presentó ese relato sin revelar su nombre. En 1912, se convirtió en la primera mujer guionista en Hollywood , cuando David W. Griffith (1875-1948) la colocó en la nómina de Triangle Film Corporation. 

Dotada de gran talento e inventiva, preparó con mucha habilidad, subtítulos de pantallas para las películas mudas: hizo una adaptación de Macbeth en 1916 y luego trabajó en más de sesenta películas mudas. Ese mismo año Anita se asoció con el ya conocido director John Emerson (1874-1954) y trabajaron en varios montajes de películas como productor y guionista. Se casaron en 1919 y estuvieron juntos durante 35 años. Anita fue una de las primeras mujeres en unirse a la Liga Lucy Stone, una organización creada en 1921 que luchó para que las mujeres mantuvieran su apellido de soltera. 

En 1925 escribió la novela “Los caballeros las prefieren rubias” fue un gran éxito editorial, se han hecho más de ochenta ediciones de la misma y traducido a varios idiomas. Unos años más tarde la obra se adaptó al cine. Trabajó con varios productores: Joseph M. Schenck (1876-1961), Irving Thalberg (1899-1936), Edward H Griffith (1888-1975) y para la Metro Goldwyn Mayer (MGM).

Anita tenía una personalidad alegre y tenaz, era una guionista hábil de mente rápida e ingeniosa, de comedias satíricas y diálogos irónicos y desvergonzados. Casi un cuarto de siglo después de la publicación del libro, se hizo un musical en 1949 representándose durante dos años. En 1953 alcanzó mayor éxito la película con las actrices Marilyn Monroe y Jane Russell. También escribió películas sonoras y musicales.  

Prolífica, versátil, alegre e independiente, Anita fue autora de innumerables guiones, varias novelas, casi una docena de obras de teatro, biografías y un par de autobiografías. Entre sus guiones se encuentran: “Biografía de una chica soltera” (1935), “San Francisco” (1936), “Las mujeres” (1939), “Susan y Dios” (1940), “Cuando las mujeres se encuentran” (1941), “Me casé con un ángel” (1942). Anita Loos y su colega y amiga Frances Marion están consideradas las mejores guionistas del siglo XX. 

A mediados de la década de 1940 se trasladó a Nueva York y escribió libros y obras de teatro. Adaptó “Feliz cumpleaños” en 1946 y “Gigi” en 1951  sobre  la novela de Colette.  En 1966 se publicó su libro de memorias: “Una chica como yo” y “Hollywood, beso y adiós” en 1974. Anita siguió colaborando en revistas como Harper´s Bazaar, Vanity Fair y The New Yorker. 

Era respetada por su trabajo y responsabilidad; asistía frecuentemente a eventos de teatro y cine, iba a fiestas de gente importante y poderosa y daba entrevistas contando anécdotas de su vida, siempre contenta y vivaz.

Anita Loos, que había pedido a sus amigos que su funeral fuera “con risas y no con lágrimas”, murió en Nueva York, en 1981 a los 93 años.

Fuentes y Bibliografia

https://larepublicacultural.es/article3939

http://elcineporasalto.blogspot.com/2018/03/anita-loos-la-mujer-que-guiono-su-vida.html

Siglo XX - Alma Reville

                  Breve Biografía de Alma Reville

Alma Lucy Reville nació en 1899 en Nottingham, Reino Unido.  Actriz de cine, guionista, asistente de dirección y montaje y editora de películas. 

Era hija de Matthew Edward Reville y Lucy Owen, de religión protestante; en 1914 se trasladaron a Londres donde Matthew trabajó como ayudante de vestuario en Twickenham, una de las primeras compañías cinematográficas de la capital. Después del colegio, Alma iba a la compañía a ver trabajar a los actores. Poco después, a los dieciséis años, ella trabajó en la “sala de corte” donde ayudaba a los directores a editar las películas. Con dedicación, pronto se convirtió en una experta guionista y montadora. 

En 1921, Alma estaba trabajando para Famous Players-Lasky (más tarde Paramount), en Londres cuando conoció a Alfred Hitchcock (1899-1980). Aunque ambos tenían veintidós años, Alma ya tenía varios años de experiencia como editora en la imagen muda y Alfred era diseñador gráfico, poco después se convirtió en editor de arte. Unos años más tarde, en 1925 Alfred debutó como director en El jardín de la alegría y Alma como asistente de dirección. 

Alma se convirtió al catolicismo antes de casarse en 1926 con Alfred. Trabajó en varias películas como coeditora y guionista con varios directores, entre ellos Berthold Viertel (1885-1953) y Maurice Elvey (1887- 1967) y aunque su deseo era convertirse en directora, el nacimiento de su única hija Patricia en 1928, y el posterior traslado a los Estados Unidos en 1939, cambió sus planes. 

Inteligente y de enorme personalidad, Alma relegó sus deseos y puso toda su experiencia y talento en las producciones de su esposo: escribió la mayoría de los guiones, editaba, hacía doblaje de voces y revisaba los diálogos y el montaje, formando así una sociedad que duró más de cinco décadas. Siempre estuvo por detrás de su marido, aunque tomaba decisiones importantes, casi nunca aparecía su nombre: de las casi cincuenta películas que dirigió Hitchcock, sólo firmó los créditos de dieciséis, con su nombre de soltera, Alma Reville. 

Hitchcock era reconocido como el más grande cineasta británico, el maestro del suspenso, pero su glotonería y el alcoholismo hacían difícil su carácter: era un narcisista, petulante, que le gustaba ser una celebridad, además le fue infiel con las actrices rubias: con todo esto tuvo que lidiar la creativa, profesional y comprensiva Alma en su relación matrimonial.

Sólo en 1979, cuando Hitchcock recibió el premio a su trayectoria del American Film Institute reconoció públicamente su valiosa colaboración: “Pido permiso para mencionar por su nombre únicamente a cuatro personas que me han dado todo su cariño, su reconocimiento y su constante colaboración. La primera es una editora de películas, la segunda es una guionista, la tercera es la madre de mi hija Pat, y la cuarta es la cocinera más excelente que ha realizado milagros en una cocina doméstica y el nombre de las cuatro es Alma Reville. Quiero compartir este premio, como he compartido mi vida, con ella”. 

Alfred Hitchcock falleció en 1980, Alma Reville dos años más tarde, a los 82 años, en Los Ángeles, Estados Unidos. En 2003 su hija Patricia Hitchcock O´Connell le dedicó a su madre el libro “Alma Hitchcock: la mujer tras del hombre” dando a conocer la enorme importancia que tuvo en la obra de su padre.

Fuentes y Bibliografia

https://www.screenonline.org.uk/people/id/449017/index.html

https://elpais.com/cultura/2012/12/04/actualidad/1354653344_171277.html

Siglo XIX - Sarah Bernhardt

        Breve Biografía de Sarah Bernhardt

Henriette Rosine Bernardt, conocida como Sarah Bernhardt, nació en París en 1844. Destacada actriz de teatro y de cine, escultora y escritora francesa. 

Siendo madre soltera, Judith-Julie Bernardt (1821-1876), de origen holandés, tenía 23 años cuando nació Rosine y era una de las bellas cortesanas de París. Rosine pasó los primeros años de su vida en Bretaña al cuidado de un ama de cría; años más tarde, fue educada en el convento de Grand Champ, cerca de Versalles, donde participó en su primera obra teatral, escrita por una de las monjas. A los quince años, en 1859 ingresó en el Conservatorio de Arte Escénico de París, estudió música y declamación. Al terminar sus estudios, obtuvo un segundo premio en tragedia y comedia.

En 1862 cuando comenzó su carrera teatral, adoptó el nombre de Sarah Bernhardt, la forma bretona de su apellido. Debutó en la Comedia Francesa, más tarde en el Teatro Gymnase, donde hizo pequeños papeles en distintas obras: cómicas, tragedias y melodramas. 

En 1864 nació su único hijo Mauricio, fruto de la apasionada relación que tuvo con el príncipe belga Henri de Ligne que la abandonó al saber que estaba embarazada. Al igual que su madre, Sarah también se convirtió en una cortesana de lujo, actividad que no abandonó hasta que su carrera teatral tuvo éxito.

Tres años después, en 1867 debutó en el Teatro del Odeón, con “Las mujeres sabias” de Moliere; le siguió “El juego del amor y la oportunidad” de Marivaux; “Athalie”, de Racine; ”Rey Lear” de Shakespeare; “Ruy Blas” de Víctor Hugo. Esta última obra la encumbró al éxito. Multifacética, fue la primera actriz empresaria del mundo del espectáculo, participó en varios montajes teatrales demostrando una gran profesionalidad. Con mucha dedicación y talento, con su voz armoniosa y su perfecta dicción, esta sublime actriz tenía la naturalidad de captar la psicología de los personajes. El público la idolatraba y fue llamada “la divina Sarah” o “la de la voz de oro”. 

En 1870, durante la guerra franco-prusiana, con gran generosidad, Sarah habilitó en el teatro del Odeón un hospital para los convalecientes, donde cuidó ella misma, a los heridos de guerra. 

Después de la tormenta

Aparte de su profesión de actriz, su carácter creativo le hizo interesar por la escultura y la pintura; aprendió las técnicas y expuso varias veces en el Salón de París entre los años 1874 y 1896. Realizó numerosas obras:  bustos, bajo relieves, en mármol y en bronce que alcanzaron gran notoriedad, recibiendo premios y distinciones honorificas. Entre ellas se destacan: “Después de la tormenta” (1876) hecha en mármol y “La Esfinge” (1880) en bronce. 

Sarah montó su propia compañía de teatro en 1880 y realizó la primera de sus muchas giras por los Estados Unidos de América. En 1882 se casó con un oficial griego Aristide Damala (1842-1898), pero celoso del éxito de su mujer, se alistó en la Legión Extranjera, siendo destinado a Argelia. Sarah al volver a París, gestionó varias producciones en distintos teatros, montó otra compañía en el Teatro Porte Saint-Martín entre 1883 y 1886. A partir de 1887 llevó su talento a grandes escenarios de toda América, Australia, Egipto y varios países de Europa. Su arte interpretativo la llevó a representar papeles masculinos con gran éxito y era ovacionada por el público. A lo largo de su vida estrenó 150 obras con total éxito.

En Ruy Blas  (1897)

Durante la primera década del siglo XX incursionó en cine, filmó “El Duelo de Hamlet” (1900), haciendo Sarah el papel de Hamlet, luego ”La dama de las camelias” (1912); en 1915 “Jeanne Dore” dirigida por Tristán Bernard, considerada la mejor rodada por Sarah. 

Sarah Bernhardt vivió intensamente, al margen de prejuicios y convencionalismos, independiente y de gran talento, hizo de la actuación una profesión; tenía una gran calidez humana. Era exigente y al mismo tiempo extravagante: en sus giras era acompañada por un séquito de casi treinta personas; realizó viajes en globo y se mandó construir un lujoso ataúd donde se acostaba con frecuencia. 

En 1914 le fue concedida la Legión de Honor y un año más tarde en 1915 le fue amputada la pierna derecha. Aun con la pierna amputada Sarah siguió actuando: tras las trincheras francesas durante la Primera Guerra Mundial, para alentar a las tropas, recitaba monólogos, poemas o representaba actos de su gran repertorio. 

Fue autora de varias obras de teatro, relatos, su autobiografía llamada “Mi doble vida” y los libros “El arte del teatro: la voz, el gesto y la pronunciación” y “Pequeña Ídola”. Su carrera de actriz duró cincuenta y seis años, desde 1866 a 1922.  En 1923, a los 79 años mientras estaba rodando la película “La boyante” Sarah Bernhardt falleció.

Fuentes y Bibliografia

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bernhard.htm

https://citasmiticas.com/autores/sarah-bernhardt/188/

Siglo XX - Amália Rodrígues

         Breve Biografía de Amália Rodrígues

Amália Rodrígues nació en 1920 en Lisboa. Cantante de fado y actriz de cine y teatro portuguesa.

Amália da Piedade Rebordâo Rodrigues nació en una familia humilde y numerosa (eran nueve hermanos) y en su infancia fue educada de manera estricta por sus abuelos maternos. Tenía nueve años cuando cantó en público en la fiesta de la escuela; a los catorce fue a vivir con sus padres y hermanos. Dejó los estudios y comenzó a trabajar para ayudar a su familia: fue costurera, bordadora y trabajó en una fábrica de chocolates y caramelos. Junto a su hermana Celeste, vendió frutas en los muelles del puerto lisboeta.

Amália cantaba en fiestas y verbenas y en 1938 en el periódico “Portugal Guitarra” apareció su foto con críticas muy elogiosas; a partir de entonces, adoptó el nombre artístico de Amália Rodrigues. Comenzó a cantar en las casas de fado de Lisboa, siendo conocida como “Reina del Fado”. El fado es una canción tradicional de los barrios pobres de Lisboa que se acompaña con guitarra y viola y cuya letra habla de nostalgia, traiciones y fatalismo. Fado del latín fatum significa “encadenamiento fatal de los sucesos”. Los fadistas expresan con su cuerpo el dolor, la melancolía o el entusiasmo, según las letras de las canciones.

La popularidad de Amália aumentó durante la II Guerra Mundial: en 1943 en Madrid realizó su primera actuación fuera de Portugal. Un año después viajó a Brasil, donde cosechó grandes éxitos y grabó sus primeros discos. Formó parte de una compañía de teatro; creo el “fado celos” en las operetas “Rose cantadeira” y “Mouraria”. En 1947 hizo su debut en el cine como protagonista en “Capas Negras”, más tarde, en 1955, actuó en la banda sonora de la película “Los amantes del Tajo” que le dio fama internacional. En México filmó “Música de siempre” junto a  Edith Piaf. Le gustaba el jazz, el flamenco y la música egipcia. 

En 1961 se casó en Rio de Janeiro con el ingeniero César Seabra Henrique ( -1997), con el que estuvo casada 36 años. Participó en el Festival Internacional de Edimburgo donde fue considerada “una de las grandes de la música clásica”. Con su voz melancólica y triste, con gran talento y profunda sensibilidad, Amália llevó el fado a los grandes escenarios del mundo: dio conciertos desde Brasil a Japón, de Europa a Estados Unidos y en varios lugares de África: Túnez, Angola, Mozambique y el Congo. Además de cantar en su lengua materna, el portugués, cantó en inglés, italiano, francés y español. Continuó sus giras artísticas por Australia y viajó varias veces a Israel: grabó canciones sefaraditas que le dieron más renombre internacional. 

Tras la Revolución de los Claveles en 1974, que provocó la caída de la dictadura (desde 1933 a 1974), tuvo que apartarse de los escenarios, ya que fue acusada de colaborar con el dictador Antonio de Oliveira Salazar (1889-1970). En 1975 actuó en París, invitada por UNICEF. 

En 1980 publicó su primer álbum inédito en tres años, con diez fados de su autoría, mostrándonos una nueva faceta de esta cantante-poeta. En 1985 dio su primer gran concierto individual en el Coliseo dos Recreios, en Lisboa. Realizó una gran gira por diferentes países en 1989 para celebrar sus cincuenta años de profesión. Amália fue autora de muchos poemas que fueron publicados en el libro "Versos" en 1997, que incluyen "Una extraña forma de vida", "Lágrima”, "Me gustaría ser quien que era", "Oh, esto lo siento por mí”, “Sus ojos son dos fuentes“.

A lo largo de su larga y exitosa carrera profesional, tanto en la música (grabó más de 170 discos) como en la actuación (en teatro participó durante quince años, cine y telenovelas), Amália ha recibido importantes distinciones: IX Premio de la Crítica Discográfica Italiana (1971), el Gran Premio de la Ciudad de París y el Gran Premio del Disco de París (1975), Legión de Honor de la Orden de las Artes y las Letras (1990) en Francia, Medalla de Jerusalem (1991) por el Estado de Israel, entre otros.

Embajadora cultural de Portugal, conocida como la “Dama del Fado” y símbolo de los valores tradicionales del alma lusa: la saudade, la nostalgia, la ternura y la soledad, Amália decía que el fado “hace llorar, porque llorar es bueno para superar la tristeza”. En 1994, en Lisboa, se despidió de los escenarios tras sesenta años de carrera.

Amália Rodrigues falleció en Lisboa en 1999, a los 79 años. A partir de 2001 sus restos descansan en el Panteón Nacional, siendo la única mujer, junto a los héroes de la historia lusitana. Su domicilio se convirtió en “Casa Museo de Amália Rodrigues" para preservar su legado artístico.

Fuentes y Bibliografia

https://es.wikipedia.org/wiki/Am%C3%A1lia_Rodrigues

http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3926/Amalia%20Rodrigues

Siglo XX - Hedy Lamarr

Breve Biografía de Hedy Lamarr

Hedy Lamarr nació en 1914 en Viena, Austria. Actriz de cine, inventora e ingeniero en telecomunicaciones austríaca.

Hija de un banquero y de una pianista nació con el nombre de Hedwig Eva Maria Kiesler. Recibió una sólida formación y desde niña se destacó por su belleza y brillante inteligencia; a los 16 años empezó sus estudios de ingeniería, pero pocos años después los abandonó, para ingresar a la Escuela de Arte Dramático de Berlín. Debutó en teatro y luego se dedicó al cine. Trabajó como actriz en Europa, hasta que hizo la película checa Extasis, en 1933, donde apareció desnuda en un lago, y tras el escándalo, se vio forzada a dejar de filmar.

Se casó a los 19 años, por voluntad de sus padres, con el fabricante de armas austríaco Friedrich Mandl (1900-1977) quien compró todas las copias de la película para destruirlas. Marido dominante y miembro del partido nazi, la dejaba encerrada en su casa y sólo salía para asistir junto a él, a reuniones sociales, con hombres de Hitler y Mussolini. En esas reuniones se hablaba con detalles de la guerra, sobre todo de las armas, lo que Hedy aprovechó para recopilar toda la información; mientras tanto en la soledad de su casa, siguió sus estudios de ingeniería.

Tras cuatro años de matrimonio, valiente y decidida escapó de su marido, yendo a París, Londres y finalmente a Hollywood, Estados Unidos; bajo la protección de Louis Mayer (1885-1957) de la Metro Goldwyn Mayer, recomenzó de nuevo su carrera de actriz de cine, con un nuevo nombre Hedy Lamarr. Estuvo bajo las órdenes de los directores más renombrados de la época y compartió elencos con los principales actores de Hollywood. En 1941 conoció al músico y compositor George Antheil (1900-1959) y juntos idearon, basados en la música del piano, un sistema para controlar los torpedos por radio, por medio de frecuencias, sin que fueran interferidos por el enemigo.

Este sistema de espectro ensanchado, con las frecuencias que variaban, según el emisor y el receptor, fue patentado en 1942 en el Concejo Nacional de Inventores, con el nombre de “Sistema de Comunicaciones Secretas”; pero no fue utilizado hasta 1962, en la Crisis de los misiles en Cuba, cuando Estados Unidos descubrió que la Unión Soviética había colocado misiles nucleares en territorio cubano. En 1962 hacía tres años que la patente había caducado. Del sistema mecánico que habían patentado Hedy y George, se pasó en 1957 a uno electrónico.

Hedy filmó numerosas películas y pasado el tiempo, fundó su propia compañía cinematográfica, con poco éxito, con ella como estrella. En la década de 1960 fue desapareciendo del ámbito científico y artístico, pobre y olvidada. En 1997 fue honrada por la Fundación Frontera Electrónica, por su contribución a la sociedad; su hijo Anthony Loder, que tuvo con su tercer marido, recibió el premio en nombre de su madre.

Hedy Lamarr, heterogénea y polifacética, es recordada por su gran belleza y su desnudo en Extasis, nadie recuerda que fue ingeniera y la inventora de la primera versión del espectro ensanchado. Murió en Florida, Estados Unidos, en el 2000; sus cenizas fueron esparcidas en los bosques de Viena, lugar donde nació.

De la técnica del espectro ensanchado se han derivados muchos beneficios, se emplea actualmente en la telefonía móvil, en las redes Wi-Fi y en el Bluetooth (=transmisión de datos entre redes inalámbricas). No obstante, Hedy Lamarr mujer inteligente, brillante ingeniera, no recibió un centavo por su invento, muchos otros ganaron fortunas.
Fuentes y Bibliografía

Siglo XX - Osa Johnson

Breve Biografía de Osa Johnson

Osa Johnson nació en Kansas en 1894. Naturalista, viajera y fotógrafa estadounidense.

Osa Helen Leighty conoció a Martín Johnson (1884-1937) en 1910, cuando el joven cineasta regresaba de una travesía por los Mares del Sur. Atraída y entusiasmada por las aventuras que contaba, se casaron a los pocos meses de conocerse. Regresaron a los Mares del Sur para hacer un documental sobre las tribus caníbales que habitaban en sus islas.

En 1918 se estrenó en Nueva York la película "Con los caníbales en los Mares del Sur", primera película filmada por Martín y donde apareció Osa, junto al jefe caníbal Nihapat y sus fieros guerreros desnudos, convirtiéndola en toda una heroína. Habían recorrido las Islas Salomón y Borneo en el Océano Pacífico y las Hébridas en el oeste de Escocia, en el Atlántico.

En 1921 llegaron a Nairobi, en Africa, a documentar las especies amenazadas por la caza indiscriminada. Con coraje y espíritu aventurero filmaban a los indígenas y la fauna salvaje de los lugares que visitaban: Osa se fotografió rodeada de leones, hipopótamos, elefantes, rinocerontes. Osa y Martín fueron pioneros en documentales etnográficos, hicieron el primer film sonoro realizado completamente en Africa, donde vivieron durante varios meses, junto a los pigmeos.

Subidos en su aeroplano, el "arca de osa" y junto a su mascota, un mono, filmaron las tribus salvajes y los animales. La vida de ambos era una aventura constante, aunque llena de peligros: sus películas fueron los primeros documentos rodados en lugares salvajes. Martín se convirtió en una gran documentalista de lugares remotos y exóticos, lo que le permitió financiarse nuevas expediciones.

Filmaron para la compañía Kodak, un lago en el cráter de una montaña, en Kenia, donde se instalaron durante cuatro años; también las cumbres del Kilimanjaro desde el aire. La belleza del paisaje, de la sabana africana, las manadas de cebras, antílopes, jirafas y elefantes, todo desfiló ante las cámaras para mostrar al mundo lugares desconocidos. Vida aventurera, sí por cierto, pero también apasionante y talentosa: buscaban la perfección con nuevas técnicas fotográficas.

En 1937 en un accidente de avión, Martín falleció y Osa continuó la labor emprendida, realizando numerosos viajes, dando conferencias por el mundo. Escribió un libro de memorias basado en sus experiencias, donde relató la vida y práctica de los masai y otras tribus. Osa Johnson murió de un ataque al corazón en Nueva York, en 1953.

Osa y Martín nos han dejado un legado de miles de fotografías, libros de viaje y documentales, que se pueden ver en el Museo Safari Martín y Osa Johnson, creado en 1961, en la que fue su casa, en Kansas.

Fuente: www.es.wikipedia.org/wiki

Siglo XX - Liya Kebede

Breve Biografía de Liya Kebede

Liya Kebede nació en 1980, en Addis Abebe, capital de Etiopía. Modelo, actriz, diseñadora y activista como embajadora de buena voluntad de la OMS.

Se educó en su país natal, en el Liceo Francés. Allí la conoció un director de arte francés, quien la puso en contacto con un agente de modelos de París. Tras terminar sus estudios, en 1998 se radicó en la capital francesa, estudiando en una agencia de modas y desfiló a los dieciocho años, para dos diseñadores.

Un año más tarde el diseñador de modas Tom Ford, le pidió un contrato de exclusividad para la temporada otoño-invierno 2000, para el desfile de Gucci, lo que la consolidó como gran modelo. Liya se casó en el año 2000 con Kassy Kebede, también etíope, y poco después se trasladaron a Nueva York; tienen dos hijos, el varón nació en 2001 y la niña en 2005.

A fines de 2001 Liya trabajó para Yves Saint Laurent y su carrera fue en ascenso; durante los años siguientes, 2002-2004, fue una de las modelos preferidas, hizo más de 60 desfiles por temporada, para los mejores diseñadores mundiales: Chanel, Carolina Herrera, Yves Saint Laurent y Ralph Lauren.

En el año 2002 fue portada de Vogue Francia y a partir de la edición francesa, le siguieron las portadas italiana, coreana, japonesa, española y americana. También ha salido en portadas de otras publicaciones: Elle, Flair, V, Franch y Time. En 2002 trabajó para la firma de cosméticos Revlon y en 2003 se convirtió en imagen de Estée Lauder, pasando a ser la primera mujer negra en los casi sesenta años de historia de esa marca.

Liya no sólo se movía en el mundo de la moda y la cosmética, su espíritu solidario la involucró con numerosas causas humanitarias. En marzo de 2005 fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad por la Organización Mundial de la Salud (OMS). En el 2007 fue otra vez Embajadora por dos años más.

Con gran dedicación y energía ha promovido programas para concientizar sobre la díficil situación de las mujeres y los niños en los países en vías de desarrollo. En el 2007 creó Lemlem - flor en amárico, lengua de Etiopía - una línea de ropa infantil y de mujer, tejidas y bordadas a mano, con el fin de preservar el arte del tejido tradicional y así promover una economía estable a Etiopía.

Liya también creó la Fundación Liya Kebede cuya misión está centrada en la salud materna y del recién nacido y en reducir la mortalidad infantil en su país y en el mundo. Ha viajado a Etiopía para apoyar proyectos basados en la educación comunitaria, capacitación y programas médicos. Forma parte de La Liga de Campeones, una organización de líderes africanos, que aboga por la prevención y tratamiento de una generación libre de VIH SIDA, encabezada por el ex Presidente (desde 1998 a 2008) de Botswana, Festus Mogae (1939- ).

Liya ha trabajado en cine, en la película "El Señor de los Anillos" con Nicolás Cage, "El buen pastor" junto a Matt Damon y Angelina Jolie, y a principios de 2010 se estrenó "Flor del Desierto", donde tiene el papel protagónico, basada en la biografía de la top model internacional Waris Dirie.

Su desempeño en esta película ha sido muy elogiado y junto a su labor filantrópica, esta belleza etíope es reconocida internacionalmente.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XX - China Zorrilla

Breve Biografía de China Zorrilla

China Zorrilla (Concepción Matilde Zorrilla de San Martín Muñoz) nació en Montevideo en 1922. Destacadísima actriz de teatro y cine y directora teatral uruguaya.

Nació en una familia de renombrados artistas: su abuelo Juan Zorrilla de San Martín (1855-1931), fue un escritor uruguayo, autor de Tabaré y La Leyenda Patria; su padre José Luis Zorrilla de San Martín (1891-1975) era escultor, autor entre otras piezas de el Monumento al Gaucho y el Obelisco a los Constituyentes de 1830. Después de ganar el Concurso Internacional para erigir el Monumento al Gaucho, viajó a Francia en 1922, por lo que China pasó su infancia en París.

De regreso a Uruguay, China se educó en el Colegio Sagrado Corazón de Montevideo. Empezó sus actuaciones artisticas en 1943, en el Teatro Independiente de Uruguay, con "Anunciación de María" y "La Zapatera Prodigiosa". En 1946 viajó a Londres becada, a estudiar en la Academia Royal de Arte Dramático. De vuelta a Montevideo en 1948 se incorporó a la Comedia Nacional Uruguaya y protagonizó hasta 1958, más de 80 títulos del teatro universal, como primera actriz. Margarita Xirgú la dirigió en 1950 en el Teatro Solís, en "Bodas de Sangre" de Federico García Lorca y en "Romeo y Julieta" de W. Shakespeare.

En 1961 junto a Antonio Larreta y Enrique Guarnero, China fundó el Teatro de la Ciudad de Montevideo (TCM) con el que viajaría más tarde a Buenos Aires, Madrid y París. En 1971 se radicó definitivamente en Buenos Aires, y durante ese año filmó su primera película "Un guapo del 900". A partir de entonces, su carrera se desplegó como un abanico: teatro, cine, televisión y radio. Vivió unos años en Nueva York, fue corresponsal del diario madrileño El País, cubriendo el Festival de Cannes y otros eventos internacionales.

Dinámica y multifacética mujer, además de actuar, China produjo, tradujo y dirigió varios espectáculos teatrales, también óperas y comedias musicales. En 1975 dirigió la ópera "El barbero de Sevilla" en La Plata, Argentina. Después de estar proscripta por la dictadura militar uruguaya (1973-1985), retornó a Uruguay en 1984 con "Emily" un monólogo sobre la poeta norteamericana Emily Dickinson, que ya había representado en toda Latinoamérica y en Washington. Fue ovacionada por su regreso y actuación. Con una intensa actividad teatral, realizó giras por Nueva York, Miami, Israel, Puerto Rico, España y varios países de América Latina, obteniendo grandes éxitos.

Se impuso como actriz dramática y brillante comediante. Desde el año 2002 la sala del teatro Alianza Uruguay-Estados Unidos, en su honor, lleva el nombre de China Zorrilla. En 2004 actuó en el Teatro El Galpón en "Camino a la Meca", y en 2007 en el Teatro Nacional de Buenos Aires, representó "El diario privado de Adán y Eva" junto a Carlos Perciavalle. En múltiples oportunidades ha hecho televisión en calidad de intérprete y directora.

Renombrada actriz, popular y carismática, mujer de gran generosidad, íntegra, es muy querida en el Río de la Plata. Ha participado en más de 50 filmes: en uno de ellos "Elsa y Fred" en el 2005, a los 86 años, es la protagonista de una historia de amor. En el 2008 participó del film "Sangre del Pacífico" de Boy Olmi.

Ha ganado gran cantidad de premios internacionales, a lo largo de su trayectoria: en

2008 le fue otorgada la condecoración de la Legión de Honor en el grado de Chevalier, por el gobierno de Francia. En 2009 recibió la Estrella de Mar de Oro, por la temporada teatral de Mar del Plata, Argentina.

China Zorrilla sigue activa y proyectándose: tiene en marcha un libro de relatos cortos y quiere llevar al teatro una antología de poemas y textos de escritores de su patria, que incluiría versos de Tabaré, el libro de su abuelo.
-----------------
El 14 de marzo de 2012, día de sus 90 cumpleaños, en el Teatro Nacional Cervantes, de Buenos Aires, se le realizó un homenaje, coincidiendo con su despedida de los escenarios, tras sesenta y nueve años de actuación.
China  Zorrilla  falleció el 17 de setiembre de 2014, a los 92 años.

Fuentes y Bibliografía

Siglo XIX - Lois Weber

Breve Biografía de Lois Weber

Lois Weber nació en 1882 en Pennsylvania. Escritora, actriz y primera directora de Cine Mudo norteamericana.

Muy joven abandonó su hogar y se trasladó a Nueva York con el deseo de ser cantante; al no lograrlo, cantaba en las calles himnos sacros para ganarse unas monedas. Fiel a sus ideales, dedicó su vida a retratar los problemas sociales y el trato desigual que enfrentaban las mujeres en la sociedad, aunque no estaba vinculada a ningún movimiento feminista.

Lois fue contratada por la productora Universal, donde fue la directora mejor pagada. Tenía libertad de tratar cualquier tema que ella deseara, pero la crítica y la censura no dejaban de atacarla. La publicidad de estas críticas hicieron que sus películas tuvieran éxito. "¿Dónde están mis hijos?" condenaba el aborto, "La mano que mece la cuna" de 1917 era un homenaje a Margaret Sanger, la fundadora del Movimiento a favor del Control de la Natalidad en América.

De fuerte carácter y muy decidida, Lois creó su propia compañía, la Lois Weber Production en 1917; valiente y comprometida con sus creencias, trató temas polémicos para la época: el aborto, la prostitución, la corrupción tanto de políticos como dentro de la iglesia. La infidelidad conyugal, el amor interracial y la pena de muerte fueron otros temas controvertidos que denunciaba en sus películas. La cineasta innnovó en la pantalla los carteles con títulos como parte del discurso visual y así completar la acción de los actores.

Gran luchadora social por la equidad y los derechos sociales, intervino como actriz en numerosas películas, escribió más de cien guiones de cine, dirigió y produjo innumerables películas. "La Mancha" es la historia de una familia pobre pero orgullosa que no acepta caridad y prefiere morirse de hambre. Con este final enigmático nos deja la incertidumbre y una interrogante sobre el futuro de esa familia. Fue una de sus mejores obras.

En los felices años 20 en Estados Unidos, sus películas empezaron a fracasar en las taquillas: el público estaba cansado del realismo social y prefería películas románticas y más alegres.

Lois Weber murió en 1939 en la más absoluta miseria y olvidada por aquellos a quienes llevó a la gloria.

Fuentes y Bibliografía